La furia de Smaug

Lucha por el reino perdido

Por: Lauro Minaya

El Hobbit: La Desolación de Smug, tiene más acción que su antecesora (El Hobbit: Un Viaje Inesperado). La narrativa, sin embargo, es la misma de la entrega anterior: el hilo conductor de toda la trama es llevado por una comunidad que busca un fin supremo. Es decir, los enanos que se dirigen a la montaña para matar al dragón, y así recuperar su antiguo dominio.

El grueso de la historia es invadido por otras líneas argumentales que dan pie al nacimiento de nuevos héroes y villanos, los cuales van cobrando relevancia a lo largo del filme. Un ejemplo claro es la aparición repentina de Bard el barquero; es un hecho que su papel es clave para el desenlace de la siguiente película.

Esta secuela muestra a un Legolas distinto. Al adquirir un rol más protagónico deja de ser aquel personaje obediente a la causa, que hace oídos sordos a los reproches continuos de un enano. Ahora es un orgulloso príncipe elfo que no oculta su desprecio hacia los parientes de Gimli. Los elfos, seres superiores, ven a los enanos como criaturas feas y grotescas, pero de aquella arrogancia surge el interés de una elfa hacia un enano: Tauriel siente curiosidad por un guerrero de nombre Kili. El príncipe elfo siente celos pero poco puede al respecto.

La película hace mención expresa a la ambición de los enanos. Beorn, un personaje con la capacidad de transformarse en una enorme bestia, alude el tema con desprecio, pero es el enano Balin quien hace mea culpa de esta debilidad, al preocuparse por el futuro de su rey. Al igual que su padre, Thorin podría quedar cegado por el oro.

El dragón Smaug es maldad pura. Es un ser creado con el único propósito de castigar la ambición de los enanos. Para el mundo del hombre, la ambición en exceso es una falta a la moral. Por el contrario, en el código de moral de los enanos, la fascinación por los metales preciosos parece no abarcar límites.

La ambición de los enanos es castigada con la furia de Smaug, quien les arrebata su reino. Pelear para recuperar lo que por derecho te pertenece no requiere de mayores explicaciones. Sin embargo, no corregir los defectos que nos llevaron hacia la ruina, podría la atención de otro dragón más adelante.

Ficha técnica:

Dirección: Peter Jackson

Producción: Carolynne Cunningham, Peter Jackson, Fran Walsh, Philippa Boyens (coproducción)

Guión: Fran Walsh, Philippa Boyens, Guillermo del Toro, Peter Jackson

Idea original: J. R. R. Tolkien

Reparto: Ian McKellen, Martin Freeman, Richard Armitage, Benedict Cumberbatch, Orlando Bloom

Países:  Estados Unidos, Nueva Zelanda

Año: 2013

Género: Aventura, Fantasía

*Para leer más posts de Lauro Minaya, visita Cineclub, el blog de cine de RPP.

La odisea del Hobbit

Por: Octavio Valdez

Soy amante de las obras de JRR Tolkien desde que estaba en la secundaria, y debo decir que la versión cinematográfica de The Hobbit, es una de las sorpresas más gratas que me he llevado en mis últimos años de visitas al cine.

El argumento se centra en Bilbo Baggins un hobbit (o “mediano” en algunas traducciones al español) que vive una tranquilamente en La Comarca, hasta que un día el mango Gandalf le propone unirse a él y a su grupo en una apasionante aventura. En un principio, el hobbit se niega; no desea abandonar su vida pacífica y cómoda para tomar riesgos por lugares lejanos. Bilbo cambia de opinión cuando conoce a los acompañantes de Gandalf: 12 enanos que han sido despojados de su tierra natal por un fiero dragón lanza-llamas llamado Smaug. Gandalf ha decidido ayudar al líder enano Thorin en la labor de recuperar el territorio perdido por su gente, y necesitan que Bilbo ejerza el papel de ladró, infiltrándose en la morada de la bestia para recuperar los tesoros pertenecientes originalmente al pueblo de Thorin. Luego de reflexionar (y en parte quizás por impulso) Bilbo acepta unirse al grupo e iniciar Un Viaje Inesperado, que resulta ser también el título de esta primera de tres partes que integrarán la adaptación cinematográfica del libro original.

Si bien la premisa del filme puede sonar infantil (hay que tomar en cuenta que The Hobbit fue pensado originalmente como un libro para niños), no podemos dejar de lado que Tolkien fue profesor de lengua y literatura inglesa en la Universidad de Oxford, lo cual le definió siempre como un amante del análisis lingüístico; no sólo creó un argumento, sino un todo un mundo plagado de vida, de personajes, de historia, y toda una serie de elementos que aun en la actualidad siguen siendo referente inevitable dentro de la literatura fantástica. Por todo ello, calificar al filme de infantil es, en muchos sentidos, no darle el respeto que se merece a la intrínseca complejidad que la Tierra Media ofrece al espectador.

La película ha prestado atención minuciosa a cada detalle de la imagen, efectos, vestuario, arquitectura, etc. Ésta es una producción en la que, fallar en los detalles, hubiese significado fallar en el resultado total. Como sucedió con El Señor de los Anillos, The Hobbit supo mantener este aspecto clave para lograr imágenes precisas y verosímiles dentro de lo que un universo fantástico puede ofrecer.

Por si fuera poco, la película cuenta con un excelente guión y un elenco estelar de primera. Me parece importante destacar a  Martin Freeman, en su excelente trabajo excelente mostrando a un Bilbo Baggins sumamente fiel a la obra literaria: un individuo sencillo, impulsado por las circunstancias, ve en la necesidad de sacar lo mejor de sí; asimismo, Richard Armitage quien interpreta a Thorin (el líder enano) logra crear un personaje que muestra aspectos creíbles y en muchos sentidos a esperar en un liderazgo de porte militar.

Algunas opiniones de la red señalan que la imagen del filme es algo rápida (dada su presentación de 48 cuadros por segundo); yo, por el contrario, pienso que este fue un elemento efectivo, que permitió acentuar la espectacularidad de los efectos especiales y agilizar las escenas de acción (que, afortunadamente, en esta ocasión no hicieron uso desmedido de la llamada “cámara borracha”, permitiendo claridad en los movimientos de los combates). Por otra parte, en cuanto a la banda sonora, debo decir que me gustó más el trabajo de Howard Shore para esta película que el que realizó para El Señor de los Anillos, pues considero que supo capturar mejor la diversidad de las situaciones en las que los personajes se ven envueltos. Si bien es cierto que se reutilizaron algunas pistas de la trilogía anterior, la mayoría del soundtrack es exclusivo y original.

Además, me gustaría rescatar que, en lo que respecta a la historia en sí, se incluyó contenidos que fueron parte de los apéndices en el libro original, o que fueron tratados en obras relacionadas, como El Silmarilion (libro recopilatorio de Tolkien que narra la historia general de toda la Tierra Media); esta cantidad de información hace que, para muchos, la trama sea algo lenta, pero en mi opinión, fue un aporte importante para dotar a la historia de mayor solidez, y contextualizar mejor las acciones.

Por todo lo anterior, es que este filme ha sido el que más me ha gustado en el año; de modo que, si gustan del género de fantasía, les recomiendo que vayan a verla.

Ficha técnica:

Director: Peter Jackson

Productores: Carolynne Cunningham, Peter Jackson

Guión: Fran Walsh, Philippa Boyens, Guillermo del Toro, Peter Jackson

Idea original: J.R.R. Tokien

Música: Howard Shore

Protagonistas: Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage

Países:  Nueva Zelanda, Reino Unido, Estados Unidos

Año: 2012

Género: Aventura, Fantasía

Cinemaquotes

Por Alexiel Vidam

Hace un tiempo se me dio por publicar un post dedicado a las frases célebres de películas que me resultaron interesantes o que, según mi interacción con otros aficionados al cine, han trascendido en la memoria. A continuación, les presento mi lista de frases célebres de directores de cine. (Del mismo modo, los animo a enviar sus propias frases favoritas de películas, directores, actores de cine, etc., a: cinematosiscronica@gmail.com o alexielvidam@gmail.com.)

“Imagínese a un hombre sentado en el sofá favorito de su casa. Debajo tiene una bomba a punto de estallar. Él lo ignora, pero el público lo sabe. Esto es el suspense.” (Alfred Hitchcock)

Alfred Hitchcock

Alfred Hitchcock es conocido como “el amo del suspenso”. Sus películas en general tratan sobre asesinatos y misterios por resolver (el enigma de “encuentra al asesino”). En casi todas sus películas (no me atrevo a decir que todas, porque la verdad a mí The Birds no me convenció…), Hitchcock logra mantenernos alertas en cada segundo que transcurre. Además, suele manejar tramas complejas con giros completamente inesperados, como sucede, por ejemplo, en Vértigo, o con datos ocultos como ocurre en Psicosis.

“Siempre haga que el público sufra tanto como sea posible.” (Alfred Hitchcock)

Esta frase, que también pertenece a Hitchcock, revela lo que él considera es el ingrediente principal del suspenso: mantener al público angustiado.

Pedro Almodóvar

“En la última década puedes contar fácilmente el número de dramas de Hollywood que se hacen alrededor de las mujeres. Los estudios han olvidado que las mujeres son fascinantes.” (Pedro Almodóvar)

Me atrevería a decir que Almodóvar casi piensa y siente como mujer (como mujer histérica, eso sí)… o al menos así lo refleja en gran parte de sus películas. Las estrambóticas películas de este director, suelen presentar melodramas femeninos exacerbados a su máxima expresión (o exageración), llegando a plantear situaciones en las cuales los conflictos amorosos se “resuelven” con revólveres y persecuciones en moto.

Woody Allen

"El sexo sin amor es una experiencia vacía. Pero como experiencia vacía, es una de las mejores." (Woody Allen)

Si algo representa a todos los personajes interpretados por Woody (en sus propias películas), es que son muy pero muy neuróticos, y muy peor muy pero muy pero muuuuuuuuuuuuuuuuuy sexuales. Además, a pesar de ser tipos peculiares y poco atractivos físicamente, tienen un encanto especial que atrapa a las mujeres. Esta frase, representa  el peso importante que suele tener el sexo para sus personajes principales.

Quentin Tarantino

“La violencia seduce, hay que asumirlo. Es totalmente gráfica y por eso se utiliza tanto. El cine de violencia y de acción es el cine por excelencia. La cámara se inventó para besar y matar.” (Quentin Tarantino)

Queda claro que a Tarantino le encanta la violencia… y le encanta, además, llevarla al límite de la caricaturización. Sus películas tienen  mucho de western, de anime, de cine negro y de parodia. Al verlas,  hay escenas en las que uno se siente observando secuencias de comic, llenas de explosiones, rostros exagerados, golpes, balazos, y chorrazos de sangre.

Peter Jackson

“En cierta forma, todos somos Hobbits. Ellos representan al inocente que carece de experiencia en la guerra  y en conflictos, y que, repentinamente, se encuentra inmerso en todo ello.” (Peter Jackson)

La vida según Peter Jackson, director de la afamada trilogía de El Señor de los Anillos, en la cual el hobbit Frodo deja su pacífica aldea, para verse involucrado en una serie de guerras medievales con el objetivo de derrotar al malvado Sauron.

Clint Eastwood

“Cuando empezaba a dirigir, pensaba que si algún día al mirar la pantalla me cansaba de verme; me dedicaría sólo a dirigir.” (Clint Eastwood)

Antes de convertirse en director, Clint Eastwood ya era famoso por sus papeles protagónicos en spaghetti westerns como Por un Puñado de Dólares, La Muerte Tiene un Precio y, El Bueno, el Malo y el Feo; además del policial Harry el Sucio, película que marcó su carrera interpretativa. Lo curioso es que, por el contrario de lo que sugiere esta frase, Clint Eastwood no ha dejado de ser actor; por el contrario, ha seguido haciendo papeles en sus propias películas.

George Lucas

“Todos tenemos un lado oscuro, así que es necesaria una lucha continúa para hacer lo correcto. El lado luminoso es compasión y preocupación por los demás. El lado oscuro es codicia y egoísmo.” (George Lucas)

El libre albedrío expresado en términos de filosofía Jedi según George Lucas, director de La Guerra de las Galaxias.

“Crea tu propio estilo visual. Hazlo único para ti mismo e identificable para los demás.” (Orson Welles)

Orson Welles

La película más importante de Orson Welles, El Ciudadano Kane, destaca, más que por el argumento, por la forma en que se presenta. Welles rompe la linealidad habitual del relato de la época, además de innovar un nuevo estilo de producción cinematográfica, estudiando varias formas distintas de hacer películas y mezclándolas todas. Fue también pionero en utilizar efectos visuales para rodar de manera barata.

“Nacemos solos, vivimos solos, morimos solos. Sólo a través de nuestro amor y amistad podemos crear la ilusión por un momento que no estamos solos.” (Orson Welles)

Una vez más, esta frase le cae perfecta a El Ciudadano Kane. Charlie Kane es un personaje que se siente terriblemente solo, y busca llenar esa soledad ganándose la admiración de todos; siendo el centro de atención del público, Kane supone que puede conseguir el amor de la gente. 

Escondan al gato!

Tu madre se ha comido a mi perro

Por: Sherly Sulca

Braindead o Tu madre se ha comido a mi perro, es el titulo de esta película del género gore cómica que cualquier amante de zombies y cine de antaño no se debería perderse.

Si eres de los que gusta de la sangre, aquí encontrarás mucha de ella: En exceso , por todos lados! no por nada es considera una de las películas más sangrientas de la historia. Con este film no te vas a morir del susto, pero sí a matar de la risa.

El film se encuentra ambientado en Nueva Zelanda de los años 50's. Cuenta la trágica historia de Lionel Cosgrove (Timothy Balme), un joven que padece de mamitis y que se le verá haciendo todo lo que su mamá le ordena. Lionel se enamora de Paquita (Diana Peñalver), una joven que trabaja en una tienda de la ciudad. Un día, la madre de Lionel le sigue a escondidas a él y a Paquita hasta el zoológico, será ahí en donde le muerde el brazo un mono-rata de Sumatra. El mordisco del animal la va convirtiendo lentamente en un zombi. Lionel horrorizado y al tanto de todo, movido por el cariño cuidará de su madre zombie como siempre lo ha hecho. Con el pasar de los días la madre de Lionel comienza a infectar a más personas,y Lionel optará por encerrar a los zombis en el sótano de su casa para cuidarlos y mantenerlos a escondidas.

Todo lo anterior es sólo el comienzo y todo lo que viene será acompañado con un estilo cartoon irresistible que exagera al límite todos y cada uno de los apartados. Si la sangre no los convence del todo para verla, quizá si el hecho que además encontrarán ratas venenosas, zombis, un cura karateka y sexo post mortem.

Particularmente me ha encantado Braindead no porque sea una obra de arte o por ser considerada de culto en el género gore. Me ha encantado y la recomiendo porque ofrece carcajadas sin más, una particular originalidad y desparpajo en la cinematografía que dejarán a más de uno en estado perturbado y de sorpresa. Todo en ella esta llevado al limite, exagerado hasta la saciedad, los personajes están desquiciados y todos los temas cotidianos son violados por la burla. Es de esa películas cuyas escenas y personajes nunca se van.

TÍTULO ORIGINAL: Braindead
NACIONALIDAD: Nueva Zelanda | AÑO: 1992
DIRECTOR: Peter Jackson
GUIÓN: Peter Jackson, Fran Walsh
INTÉRPRETES: Timothy Balme, Diana Peñalver, Ian Watkin