viernes, 30 de octubre de 2015

5 razones para ir a la presentación de "La Venganza del Fachoy"



Por: Alexiel Vidam

Mañana es la presentación oficial del cortometraje La Venganza del Fachoy, primera película de comedia y artes marciales Made in Peru, dirigida y producida por Los Flores Brothers, y protagonizada por Sasha Settembrini, Carlos De la Torre y Roberto Cuba. Actualmente, el guión del largometraje está casi terminado y el corto pretende ayudar a completar los fondos necesarios para realizar el largo. La presentación del corto, que vendrá con sketch, sorteo de merchandising e interacción con los personajes incluida, se dará a las 2 PM en el Coliseo Dibós, como parte del Otakufest 2015.

A continuación, te damos 5 motivos por los cuales deberías ir a verla.


Porque en Perú también sabemos hacer Kame Hame Has y “Abuques” (Hado Kens)



Si creías que los Kame Hame Has y esas cosas sólo podías verlas en Dragon Ball, en Street Fighter, o en películas gringas estilo Matrix… te equivocaste. Nuestro amigo Pac Pow (protagonista de la pela) y su enemigo Don Hai, te demostrarán que cualquiera de esos ataques son un chancay de a 20 al lado del “Ja Cao” o el “Fuchifú”. Y no, no estamos hablando del menú que te empujaste en el almuerzo (aunque a nosotros también nos ha dado hambre…), sino de las súper poderosas “llaves Fachoy”, técnicas milenarias y ultra-secretas, escondidas entre recetas de comida chifa. ¡Te encantalá!


Porque te sentirás más chino que el Min Pao y más peruano que el “Aeropuerto”



La Venganza del Fachoy juega mucho con la mixtura. Tiene un poco de China, un poco de Japón, pero sobre todo… mucho de Perú. Y es que el chifa y la comida nikkei (que más adelante capta protagonismo), finalmente, son productos Made in Peru. Esta película no sólo será motivo para que te mates de risa y vivas la acción de las batallas, sino también una excusa para conocer un poquito más sobre nuestra entreverada tradición y nuestra recontra-mezclada gastronomía… porque, como bien dice el refrán… “aquí el que no tiene de inga, tiene de mandinga”.


Porque te matarás de risa (lleva tu pañal por si las moscas…)



La Venganza del Fachoy es una de esas historias que te atrapa con la aventura y que te sorprende con el absurdo. Puede que estés pegadazo con una pelea o con un momento de intriga, y de la nada explotes en una carcajada (o que te saques la #@=%4* cuando te caigas patrás’). Básicamente, el humor del Fachoy se encuentra en los momentos insólitos, en la ironía y en la parodia de las escenas clásicas de otras películas. El típico grito de sorpresa del héroe, el gag en medio del drama, o simplemente, el comentario insólito que aparece de la nada (¿recuerdan cuando Black Mamba –Kill Bill- convence a su enemiga la china de que no la mate porque estaba embarazada?... Ya, algo así). Estos ingredientes completan una forma que, de uno u otro modo, te mantiene entretenido.


Porque inaugura un nuevo género en nuestro país



Si bien últimamente nuestro cine se está expandiendo y ganando variedad, hay temas y fórmulas recurrentes; un poco de acuerdo a la costumbre, un poco de acuerdo al momento social, y un poco de acuerdo a la falta de presupuesto. La Venganza del Fachoy es un producto arriesgado en todo sentido: no sólo rompe radicalmente con la temática de las historias que estamos acostumbrados a ver; también invierte un esfuerzo poco común en el trabajo visual y en los efectos especiales (algo que aquí apenas empieza a verse, en el cine de terror). Maneja, además, una estética completamente distinta, propia, que se refleja, sobre todo, en la vestimenta, el decorado y el uso del color.


Porque es un homenaje a las series, películas y que nos encantan


Si por ahí te imitaste un par de poses de Bruce Lee o de Jackie Chan (aunque sea pa’ hacerte el “chévere”)… si te encantó Kill Bill… si te pasaste buenas horas de tu infancia pegadazo con Dragon Ball (lo cual es muy pero muy probable)… o por lo menos te empujas tus buenos menús de chifa “bien taipá y con harto tamarindo”… esta pela es para ti. Y es que aquí tenemos un homenaje a aquellas series, películas e incluso platos de comida que nos encantan. No hay excusas para perdértela. El Fachoy sabe por cómo y por dónde atacar: si no te atrapa el corazón, por lo menos te agarra el estómago. “¡FAAAAAAAAAAAAAAAAACHOY!”


“Ciudades de Papel”: del comfort a una "irrealidad" verdadera



Por: Susana Anavitarte

Siempre he sido una fanática de las películas para adolescentes. Considero que a veces, ahondan en temas que la vida moderna ha dejado de lado. El principal de ellos, el forjar nuestro destino, con nuestras decisiones y acciones. John Green -el autor del libro en el que se basa este film, y de Bajo la Misma Estrella-, lo sabe muy bien, y junto a Jack Schreider- director de las adaptaciones cinematográficas de ambos libros- , nos trae esta maravillosa historia, donde romper las reglas es la clave para encontrarte. Cero fantasía, cero desenfreno al máximo... pero una aventura poderosa, de esas que uno ya quisiera vivir. Porque siempre es bueno ver qué hay fuera de la "burbuja".


Quentin Jacobsen (Nat Wolff), es el típico adolescente "pulpín" que no mata ni una mosca. Le da manzanita a los profes y en general, se porta bien. Tiene anhelos comunes y silvestres, como ingresar a la universidad, tener novia, casarse, ser padre, etc. Jamás ha roto esa caja de cristal en la que vive; no, inconcebible. Para que ese deseo salga a flote, necesita un empujón. Y solo Margo Roth Spiegelman (Cara Delevigne) puede dárselo. Sí, la bella y misteriosa Margo. Troublemaker por excelencia, quien fuera su amiga en la infancia, a la cual el crecer mismo distanció de él, convirtiéndose sólo vecinos. "Q" –como la chica suele llamar a Quentin- está enamorado de ella desde siempre. La extraña personalidad de la joven, resulta atractiva para él y sus infinitos viajes, donde ella escapa constantemente de aquello que le perturba. Un buen día, Margo desaparece. No se preocupen: es perfectamente normal que ella haga eso. Su alma nómade, no puede simplemente asentarse en la monotonía. El joven descubre pistas, que aparentemente la chica le ha dejado. De esta forma, emprende un largo viaje, en compañía de sus mejores amigos, Radar (Justice Smith), Angela –novia de Radar- (Jaz Sinclair), Ben (Austin Abrams) y Lacey (Halston Sage), la mejor amiga de Margo, quien necesita aclarar malentendidos con ella.

Detalles como la dirección de arte, sonido, fotografía, música y otras cosas técnicas, no son malas; mas no lo principal. Así que no hay mucha vuelta que dartle. Mi total atención, está en la trama y las actuaciones.



¿Qué es una ciudad de papel? Según la película –y por qué no, Wikipedia-, es el término que los cartógrafos le dan a ciudades falsas que aparecen en los mapas. Margo habla de ellas todo el tiempo. Eso porque ella detesta la apariencia, el plástico y la frivolidad. Sin ánimos de spoilear, en cierta escena se ve un poco cómo es su clima en casa: unos padres adinerados, que no mueven ni el pulgar por encontrar a su hija, aduciendo que "ella huye cuando está aburrida" o "cuando se le acabe el dinero, regresará...". Resumiendo, su familia es una foto impresa en plástico. Luego, Jase (Griffin Freeman), su novio, le es infiel con la mitad de su disque grupo de amigas. Y en teoría, Lacey sabía de las aventurillas que se traía entre manos el galán, pero no habló. Por este motivo, Margo se venga de todos ellos –y cualquier venganza firmada por "M", no es una venganza cualquiera-. Entre cinta de embalaje, cremas depilatorias y un bagre muerto –leíste bien, este pez aparece-, quienes fueron alguna vez amigos de Margo Roth Spiegelman, tendrán en cuenta que jamás volverán a formar parte de su vida.

Quentin cree que su amor es correspondido –Margo le dice que si él hubiera sido su novio, las cosas habrían sido diferentes para ella-. Después de todo, ¿por qué buscarlo a él para hacerlo cómplice en sus travesuras? Ella no deja pistas notorias, a menos que seas de su total confianza. "Lo que hay afuera de tu zona de comfort es grandioso; ve más para allá", le dice la aventurera al muchacho. "Q" da más de lo que, usualmente, daría por cualquier cosa.


Los amigos del protagonista, Ben y Radar, no son el plato fuerte, pero complementan bien. Ambos necesitaban un cambio en sus vidas, y ese viaje les da aquello. El primero, consigue dejar su status de "pavo" de secundaria. El segundo, reafirma su amor por Angela, su novia, dándose cuenta de que deben vivir su relación al máximo, sin preocuparse por si seguirán juntos para siempre o no.

Lacey me conmueve bastante. No es la chica "huequita", bonita y popular que todos esperan. Es muy inteligente –ingresó a la Universidad con un alto promedio- y tiene buen corazón. Su único error, fue ser una más en el rebaño artificial de la escuela. Realmente aprecia a Margo, y por eso, viaja con quienes menos lo tenía pensado para reconciliarse con ella.


¿Actuaciones? Liz Sinclair, Justice Smith y la propia Cara Delevigne destacan, por su naturalidad y sus cambios de status a lo largo de la película. No son personajes planos. Delevigne está debutando como actriz, y aunque no es totalmente orgánica, ha hecho su mejor esfuerzo. Lejos quedaron las pasarelas para ella; veo un potencial muy humano, que puede reforzarse asumiendo cada vez más nuevos roles. Los otros dos tuvieron una excelente química, y me convencieron bastante. Causaron ternura y contagiaron ese amor puro, que toda pareja adolescente quisiera tener.

No puedo contarles el desarrollo ni el final, pero puedo darles una reflexión en base a estos dos. Lo que Ciudades de Papel nos dice, es que vivimos de apariencias. Nos nutrimos y nos enamoramos de ellas. Interpretamos demasiado cada detalle o cosa que sucede en la vida cotidiana. Luego, estamos corriendo constantemente –y no hablo necesariamente de la acción física-. No vivimos ni disfrutamos cada situación, como deberíamos. Y si somos jóvenes, eso es grave. Porque de las experiencias, de los fracasos y de los aciertos, es que forjamos nuestro carácter. Para encontrarse, a veces, hay que perderse. Tal cual lo hizo Quentin, gracias a Margo. Finalmente, nunca hay que permitir que alguien guíe nuestro destino. Sólo nosotros somos capaces de decidir qué queremos y cuándo lo queremos. El verdadero amor, reside en uno.


Esta película es recomendable para quienes recién terminan el colegio, empiezan la universidad o incluso, están culminando sus estudios... puede que lo que buscan, no sea realmente un trabajo, dinero o una estabilidad emocional. Tal vez necesiten ir a una Ciudad de Papel.


Ficha técnica 

Dirección: Jake Schreier
Producción: Wyck Godfrey, Marty Bowen
Guión: Scott Neustadter, Michael H. Weber
Idea original: John Green (basada en su libro Paper Towns)
Música: John Debney
Fotografía: David Lenzenberg
Montaje: Jacob Craycroft
Reparto: Nat Wolff, Cara Delevingne, Justice Smith, Austin Abrams, Halston Sage
País: Estados Unidos
Año: 2015
Idioma: Inglés
Género: Comedia, drama, misterio
Duración: 110 min.



martes, 27 de octubre de 2015

Cinemafic 2015: combina tus pelas favoritas… ¡y gana!




¿Tú ya participaste en Cinemafic 2015? ¿Cómo? ¿No te has enterado? Cinemafic 2015 es el segundo concurso de relatos sobre cine, organizado por Cinematosis y Libros Delivery. La cuestión trata sobre historias y películas.

¿Todavía no la tienes?

Pues seguro muchas veces has visto una película que te ha encantado y has pensado: “y qué hubiese pasado si…”. Ya, de eso se trata, de alterar el argumento y crear tu propia historia. En esta ocasión, el concurso Cinemafic, además, se lanza en su modalidad “crossover”, vale decir, que tendrás que hacer que los personajes de dos o tres películas de la lista interactúen entre sí. Tienes, por un lado, la categoría “autor”, donde podrás elegir combinar dos o tres películas de la filmografía de Almodóvar, Tim Burton o Tarantino; y por otra parte, tienes la categoría “distopía”, donde podrás combinar dos o tres películas de entre las siguientes: Los Juegos del Hambre, Terminator, Divergente, 1984, Metrópolis (1927), Blade Runner, Dark City, y Matrix.

Como puedes ver, para todos los gustos.

¿Qué estás esperando? Este año el premio mayor es un viaje a Iquitos cuya fecha tú podrás programar. También puedes elegir la habitación que más te guste –sin restricciones- dentro del hotel Emperador Terraza, y sólo por ser nuestro invitado especial, tienes descuentos en los tours. Además hay paquetes de premios (full libros y merchandising cinéfilo para ti), y como siempre, nuestros diplomas de honor.

Click en el flyer para leer las bases completas.



También puedes seguir nuestro concurso desde el evento en facebook o desde nuestras cuentas de facebook y twitter. Para cualquier duda extra, no dudes en escribir a: cinematosiscronica@gmail.com


lunes, 26 de octubre de 2015

"Pasante de Moda": Nada de glamour, mucho de drama



Por: Susana Anavitarte

Desde hace meses, publicitaban con demasiado énfasis a Anne Hathaway, quien actuaría en un papel aparentemente opuesto a los que suele hacer. Ha venido recabando premios por doquier; todo empezó desde su Oscar a Mejor Actriz de Reparto por Les Miserables. Este proyecto tenía un elenco bastante prometedor, pues también estaba presente Robert De Niro –ganador de ganadores-, y reaparecía René Russo –a quien no vemos desde los años 90, por lo menos-. En definitiva, no iba a ser un peliculón que mereciera ir a algún festival, pero yo le tenía fe; como se la tuve a varios films, que son de esos que usas de referencia en situaciones, en conversas de reus de amigos. No obstante, aquí dejo mis apreciaciones… y desaparezco lentamente.


La sinopsis es la siguiente: Ben Whittaker (De Niro) es un viudo de 70 años, que tras buscar y buscar algún empleo que le devuelva la vitalidad, es contratado como pasante –en cristiano, practicante- en una importante agencia digital de moda, encabezada por Jules Ostin (Hathaway). La joven empresaria, no está muy de acuerdo en tener que enseñarle cosas a un “abuelito”. Pero, con el transcurso de la historia, ambos desarrollarán un vínculo fuerte. Pasante de Moda, dirigida por Nancy Meyers, quien también estuvo implicada en El diablo viste a la moda, con una consagrada Meryl Streep. El éxito, estaba destinado a repetirse.


Con mucha pena, debo admitir que, como público, la historia sólo me agradó por ver a caras conocidas; mas no por actuaciones, ni por guión, ni mucho menos por otros complementos (dirección de arte, música, fotografía, etc.). Vayamos por partes: El inicio de la historia nos adentra a la soledad de Ben. Una voz en off, nos cuenta su vivir diario, sin su esposa y tratando de disfrutar lo que le resta de vida. Llega a la empresa, lo contratan. Está ahora inmerso, en un universo de laptops, smartphones, Facebook, outfits y mucha modernidad. Jules es la dueña de todo, una jefa poco común: le gusta montar bicicleta en la oficina y parece estar más enamorada del trabajo, que del mundo real. Aluciné que sería más estricta y mecánica de lo que vi. De ahí, fue una mezcla extraña, donde el reto de meterse en el ambiente de la moda, fue solo una utopía. La vida personal de Jules, el momento de compartir con los compañeros de trabajo de Ben, el acercamiento entre ella y él. Jamás me quedó claro qué era lo esencial. El guión dio para más, no obstante, fue un desorden absoluto.



Mi parte favorita de una película, suele ser la actuación. Hoy, con más ansias que nunca, quiero llorar. ¿Pero, por qué quieres llorar, Susana? Pues, para comenzar, Anne Hathaway es demasiado buena, para ser mala. Un personaje que ni siquiera evolucionó. Solo mostró cómo era internamente. Una chica exitosa, a nivel de negocios y metas, pero en el ámbito familiar, vivía una crisis matrimonial fuerte. Lamento mucho si “spoileo”, pero en cierta escena, se deja entrever que lleva una mala relación con su madre. Sin embargo, es sólo un instante.

Si hablamos de interpretaciones planas, es triste decir que un actor como Robert De Niro no brilló como en teoría, lo haría. De comienzo a final, no hay mayor cambio –al igual que la protagonista-. Es un hombre tranquilo, maduro, bonachón, serio y muy responsable. Se lleva de maravilla con los jóvenes profesionales, con los que comparte escritorio, y se vuelve indispensable para Jules. Aun así, no copa mis expectativas.



René Russo tuvo una aparición bastante chica, así que no podemos decir mucho, ya que más primó su sex appeal que su capacidad actoral –es la masajista de Jules, de quien Ben se enamora-.

Es una de esas películas para ver con tu mamá, tus tías, tus amigas, pero que sirve para pasar el rato. Un mensaje mayor, no te deja. Fin.


Ficha técnica

Título original: The Intern
Dirección: Nancy Meyers
Producción: Suzanne McNeill Farwell, Nancy Meyers, Scott Rudin, Megan Ellison 
Guión: Nancy Meyers
Fotografía: Stephen Goldblatt
Montaje: Robert Leighton
Reparto: Robert De Niro, Anne Hathaway, René Russo
País: Estados Unidos
Año: 2015

miércoles, 21 de octubre de 2015

Conversación con un Goya

Pedro Solís García: el padre de Cuerdas


Por: Alexiel Vidam

Hace unas semanas, vi un cortometraje que me conmovió sobremanera. Se trata de Cuerdas, de Pedro Solís García, director y guionista español, dos veces ganador del Premio Goya al mejor cortometraje de animación. Hoy, gracias a la magia del Internet, he tenido el honor de conversar con él, y de traerles esta entrevista.


Hola Pedro. Antes que nada, muchas gracias por acceder a esta entrevista. Me gustaría saber, antes que nada, cómo empezó tu interés por la animación. ¿Podrías contarnos un poco al respecto?


Tengo un hermano que, aunque es más joven que yo, empezó antes en este mundillo. Yo fui aprendiendo con él durante varios años, hasta que decidí dejar mi trabajo de toda la vida como técnico electrónico y dar el salto al mundo de los videojuegos primero, y del cine después.


¿Fue muy difícil incursionar en este mundo? Me gustaría que nos cuentes un poco sobre el proceso, las dificultades que surgieron en tu camino, y las cosas que te fueron atrapando dentro de él.

Cuando yo empecé, hace ya 20 años, no existían los medios de aprendizaje de los que se dispone en este momento. La mayor parte de la gente de mi generación aprendió de manera completamente autodidacta. Fueron surgiendo oportunidades en el camino y las fui aprovechando, hasta llegar a ser director de producción de largometrajes de animación.

¿Qué es lo que más te gusta de hacer animación?

Me gusta hasta llevar los cafés, jajaja. En serio, lo que más me gusta es que permite crear estéticas muy extremas, alejadas de la realidad.


¿Lo sientes distinto del cine de acción real?

Realmente el cine de animación no es un género; es una técnica (en realidad un conjunto de técnicas que se engloban dentro de ese nombre), así es que considero que se puede tratar cualquier género, como en imagen real. Yo era de los que pensaban que la animación servía principalmente para la comedia, pero con Cuerdas me adentré en otros caminos y creo que salí airoso.

Cuerdas, un tierno cortometraje acerca de la amistad.

¿Qué ventajas o desventajas crees que tiene el cine de animación frente al de acción real?

Creo que la mayor ventaja es que el único límite es la imaginación. La mayor desventaja radica en que todos los elementos de una historia de animación, hay que crearlos de cero; no existe nada.


¿Tienes algún tipo de influencia a la hora de crear?

Muchísimas; no solo cinematográficas, también musicales,  literarias, etcétera. Por otro lado, por supuesto, me influyen mucho mis vivencias personales. Al final, consciente o inconscientemente, plasmamos lo que llevamos dentro, y eso se ha formado con el paso de los años, a base de experiencias de todo tipo.

La Bruxa, primer cortometraje y Premio Goya del director.

He visto tus dos cortometrajes. La Bruxa, me pareció muy entretenido, con un final algo sarcástico. ¿Cómo se te ocurrió ese final? ¿No tuviste algún tipo de temor a las críticas, por el hecho de sugerir atracción entre el príncipe y el anciano motorista?

Quince días antes de nacer mi hijo, cenando con amigos, les comenté que habría preferido tener otra niña, ya que los chicos somos más problemáticos, y no quería estar de madrugada preocupado pensando dónde estaría mi hijo, si estaría metido en problemas. Unos días después, al nacer, hubo un problema en el parto; le faltó oxígeno y le provocó una parálisis cerebral tremenda. No habla, no se mueve, no puede hacer nada por él mismo, ni nunca podrá. Lo primero que pensé cuando nació, es que nunca iba a tener que estar preocupado porque mi hijo estuviera de madrugada metido en problemas, y pensé  que hay que tener cuidado con lo que se desea, porque se puede cumplir.  Esa moraleja es la que quise transmitir con La Bruxa, en la que una bruja busca su príncipe azul a toda costa, pero cuando lo consigue…............................................ Con respecto al final, no temí a las críticas, creo que hay que tratar ciertos temas con naturalidad.


Wow… Por otra parte, Cuerdas, es sumamente conmovedor. Tengo entendido que también te inspiraste en tus hijos para crearlo… ¿Nos cuentas un poco sobre cómo surgió la idea?

Iba haciendo running por la calle un día, pensando en mis hijos; en como mi hija aceptó a su hermano y cómo intentaba jugar con él, dentro de sus limitadísimas posibilidades, e iba escuchando una canción de un cantante que me encanta: Enrique Bunbury.  El estribillo de la canción decía “y al final, te ataré con todas mis fuerza, mis brazos serán cuerdas...”. Había escuchado esa canción mil veces, pero ese día, al escucharla, de repente tuve un momento de inspiración y el cortometraje entero pasó por mi cabeza; sólo tuve que llegar a casa y escribirlo.


¿En algún momento ellos o algún otro miembro de la familia participaron contigo en el guión?

Mi familia siempre es la primera en leer lo que escribo y en darme su opinión, que tengo muy en cuenta.




¿Qué piensan ellos sobre el corto?

Los primeros que vieron el cortometraje terminado fueron mi mujer, hijos, mis hermanos y mi madre. Al finalizar, estaban todos llorando; pero es que los protagonista de la historia, mis hijos, estaban allí, con nosotros…


¿Tienes algún otro proyecto en camino?

Siempre hay ideas rondando la cabeza, y me gusta escribirlas. En principio, siempre lo hago sin más intención que disfrutar plasmándolas en papel; si alguna prospera, pues genial.

Cuerdas, segundo Premio Goya del director.

Actualmente La Bruxa está visible en youtube, pero, ¿cómo pueden hacer nuestros lectores para obtener tu cortometraje Cuerdas?

En este momento vendemos un cuento de Cuerdas junto con el DVD del cortometraje. También estamos trabajando para que llegue a toda Latinoamérica a través de alguna plataforma digital a gran calidad; no como esas versiones cortadas y con calidad ínfima que circulan por la red.


Finalmente, ¿qué mensaje le darías a nuestros lectores?

Muchas gracias, amigos de Cinematosis, por estar al otro lado de la pantalla, porque los creadores dependemos completamente de vosotros, el público. Sin vosotros no existiríamos.


Muchas gracias, Pedro, ha sido un verdadero gusto.




*También te puede interesar*

viernes, 16 de octubre de 2015

Top-5 musical Made in Peru



Por: Alexiel Vidam

Hace un tiempo hice un Top-5 de aquellas canciones con las que me he pegado maleadamente a causa de una película. Obviamente, ese tipo de rankings va variando con el tiempo, de acuerdo a los gustos, los ánimos y las pelas que uno ve. La cuestión es que hace poco me pegué MAL (pero MAAAAAAAAL) con No me imagino, tema principal de la película Ella y Él (que por cierto, sigue en cartelera). Y en base a eso, empecé a recordar una serie de canciones en español con los que me he pegado a partir de películas peruanas.

Así que, como el cine nacional también tiene sus canciones memorables, les dejo mi Top-5 de temas musicales de pelas “Made in Peru”. Vale decir que éste es un ranking personal, y que de algún modo relaciona la canción, con el momento cinematográfico al cual está ligado. Para dar a conocer tu propio top o tus opiniones sobre este ranking, deja sus comentarios en la cajita de allá abajo.


PUESTO 5: MALA SANGRE
Intérprete: La Liga del Sueño
Película: Ciudad de M (2000)



El tema más conocido de La Liga del Sueño, adaptación del poema Mala Sangre de Rimbaud.  Aparece como introducción y también como cierre de la película Ciudad de M, protagonizada por Santiago Magill, Christian Meier y Pelo Madueño. Esta película nos muestra la realidad deprimida de los barrios bajos, donde reinan la delincuencia y la desesperanza. Al parecer, la única forma de “surgir”, es por el mal camino. La canción habla de seres sin moral, decepcionados, perturbados, heridos. La letra refleja bastante bien lo perdidos y atormentados que se encuentran los personajes; en especial M, un chico que no se encuentra a sí mismo; que está asustado; que se las da de malo, pero que pareciera tener cierta conciencia de lo que ocurre, de lo que le acorrala. M, ni siquiera tiene un nombre, o por lo menos no lo conocemos. Es una letra, una letra que también podría ser “mierda”; tal vez porque se así se siente…





PUESTO 4: DEPRESIÓN
Intérprete: Mon Laferte
Película: Loco Cielo de Abril (2014)




Esta canción se me pegó hasta un buen tiempo después de haber visto Loco Cielo de Abril en el cine. La escena en que apareció fue en realidad muy graciosa… La chica decepcionada por el reciente rompimiento, borracha en un karaoke, lanzando aullidos de gato por todos lados; desde el otro lado, una chica le grita “¡Buena, flaca!”. Una situación anecdótica y que conecta rápidamente por el poder de identificación que logra. Sin embargo, la melodía de la canción es desgarradora, y la letra es impúdicamente directa; lo cual, por el contrario de ser un defecto, resulta rico. Una de esas canciones placenteramente masoquistas…

(*Para ir al post de Loco Cielo de Abril, click aquí.)



PUESTO 3: DEMOLICIÓN
Intérprete: Los Saicos
Película: Roncarol 68 (2013)



Una para los rebeldes y los de oído musical retro (¡presente!). Rocanrol 68 se desarrolla en el año 68. Refleja la necesidad de liberación e identidad en una Lima todavía bastante tradicional. La canción de Los Saicos es precisa porque refleja muy bien ese sentimiento, así como la admiración por los ritmos foráneos, rudos e intensos. La historia, en concordancia con la música y una destacada dirección de arte, construyen un ambiente criollo que se fusiona con las influencias de un Estados Unidos hippie y muy rockero.

(*Para leer el post de Rocanrol 68, click aquí.)



PUESTO 2: NO ME IMAGINO
Intérprete: Vanessa Saba / Mar De Copas / Los Secretos
Película: Ella y Él (2015)



Tengo que admitir que esta canción me ha desgarrado y quemado el cerebro durante varias semanas. El tema principal de Ella y Él, transmite todo el dolor de la realidad; una sensación extraña… de aspereza dulce. En su versión más suave –pero intensa-, interpretada por Vanessa Saba, transmite un filin nostálgico, como de carencia; muy muy sentido, pero a la vez encerrando el reclamo subliminal de que nada es perfecto (filin que encontramos –a la vez- durante toda la película). Originalmente, el tema pertenece a la banda española, Los Secretos; pero desde mi perspectiva, tanto la versión de Mar de Copas, como la que arregló Manolo Barrios –integrante de dicha banda- para Vanessa Saba, superan en emotividad, por bastantes puntos, a la versión original.

(*Para leer el post sobre Ella y Él, click aquí.)





PUESTO 1: EL AMOR DESPUÉS DEL AMOR
Intérprete: Fito Páez
Película: No se lo digas a nadie (1998)


Imposible no conectar esta canción con No se lo digas a nadie, de Pancho Lombardi. Aún desde antes de ver la película (porque se estrenó allá por 1998, cuando yo tenía 12 años y no se me permitía verla), ya sabía que era uno de los temas principales de la misma; era imposible no conectar el sonidito inicial del tema, con el póster de Santiago Magill sin ropa (*no comments*). Con los años y mi afanamiento personal con Fito Páez, la canción fue ganando autonomía poco a poco en mi cabeza; sin embargo, he de admitir que por momentos… otra vez la imagen del póster me invade la memoria (en especial sucedió durante la temporada en la que –por fin- vi la película… hace no tantos años). Si bien la canción aparece en dos ocasiones que relacionan al personaje de Joaquín (Santiago Magill), con el personaje de Alejandra (Lucía Jiménez); creo que tanto la letra se relaciona con el dolor que muchas veces provoca sentir, pero también con un deseo de liberación, de experimentar el hecho de SER, aunque uno sufra en el camino. Todo ello se relaciona bastante bien con el protagonista y su búsqueda de ser lo que le nace en medio de una sociedad que lo rechaza y que lo reprime. Esta liberación no solamente es mental y emocional… sino también sensorial; muy acorde con el ritmo de la canción.  

(*Para leer el post sobre No se lo digas a nadie, click aquí.) 

martes, 13 de octubre de 2015

Disparatada comedia de Artes Marciales con sabor a chifa, hará supresentación oficial en el Otakufest 2015



¿Creíste que con Bruce Lee y Jackie Chan lo habías visto todo? Pues no. De la línea de Quentin Tarantino y Robert Rodríguez, los Flores Brothers presentan La Venganza del Fachoy, una comedia de Artes Marciales con harto sillao y tamarindo.

La historia inicia muchos años atrás, cuando el maestro Sillao Arigato rescata las técnicas de la extinta legión de guerreros Fachoy, de China, camufladas entre recetas de comida Chifa –Made in Peru-. Siendo de origen nipón, Sillao Arigato mezcla las técnicas de Kung Fu con las Artes Marciales japonesas, dando origen a un nuevo estilo. Pac Pow (Sasha Settembrini), es el heredero de ese estilo, y actualmente se encuentra vagando por las calles de Lima, cachueleando de chifa en chifa, y combatiendo con su cucharón de Sopa Wantán a la espalda. Tras sus pasos, se encuentra Siu Cao (Carlos De la Torre), antiguo compañero de entrenamiento, quien le culpa de la muerte de su amigo Don Hai (Roberto Cuba).


¿Cómo se resolverá el enfrentamiento? Lo descubriremos en la presentación oficial del cortometraje, que se llevará a cabo en el Otakufest 2015, este 31 de Octubre y 1 de Noviembre en el Coliseo Dibós, a partir de las 10 AM. Durante la presentación, podrás interactuar con los creadores de esta disparatada comedia de acción (Hugo y Juan Carlos Flores), así como con los actores principales, quienes presentarán una pequeña performance y firmarán autógrafos entre los asistentes. ¡No te lo pierdas!


Este corto es auspiciado por Cinematosis, Leño y Sabor, Gym Paradise y Sauce Alto Resort.

sábado, 10 de octubre de 2015

“Good Bye, Lenin!”, el derrumbe de un sistema y de una vida



Por: Oriana Salomón

Desde los primeros segundos en que inicia la película, Good Bye Lenin!, nos transporta a otra época; una época en la que el mundo estaba dividido, así como el Berlín en el que se desarrolla la historia. Ésta gira en torno a una familia de la República Democrática Alemana: Christiane, una mujer abandonada por su marido, socialista, fiel al Partido y a sus ideales; y sus dos hijos, Alex y Ariane. Todo se inicia en octubre de 1989. Christiane queda en coma tras ver a su hijo siendo arrestado en una marcha contra Erich Honecker, líder comunista y representante de todos los ideales de la mujer.




Mientras Christiane está inconsciente en el hospital, todo se transforma: junto con el muro, su mundo se derrumba; el capitalismo ha ingresado a Alemania Oriental. Así, las vidas de sus hijos se adaptan al nuevo contexto: Ariane deja la universidad y se dedica a trabajar en Burger King; Alex trabaja en una empresa instalando los nuevos servicios de televisión satelital, y se enamora de Lara, enfermera de su madre. Todo continúa su rumbo; sin embargo, luego ocho meses de caer en el coma, Christiane vuelve en sí.


Hasta el momento previo a que Christiane despierte, la película tiene un tono realista y casi documental. Con un narrador testigo –el propio Alex-, nos enteramos de la historia familiar de los protagonistas, a la par que de la historia política y social de la Alemania comunista. Personalmente, esta parte me resultó muy interesante, ya que soy de una época “post-muro de Berlín”. Es por esto que para mí, el comunismo siempre ha sido parte de la historia, mas no una realidad palpable (en esa época no era necesario vivir en un país del bloque comunista para tener presente la lucha de los dos gigantes por la hegemonía); sin embargo, la agilidad con la que Alex lo narra, además desde el punto de vista de su propia vida, hace que lo sintamos como propio y nos identifiquemos con su realidad.



Luego de que Christiane despierta, la película se desarrolla hacia su verdadera temática: el amor inmenso e incondicional de un hijo por su madre. Para evitar que ella vuelva a sufrir un infarto, ésta no puede enterarse de todos los cambios que han ocurrido en Alemania. Por ello, Alex construye un mundo de fantasía en el cual todavía existe el Comunismo: usa frascos antiguos que rellena con los nuevos productos importados, monta una cadena de noticias falsa con un amigo cineasta, le oculta los carteles y anuncios de las nuevas marcas que han ingresado a la economía. En resumen, hace de todo lo posible e imposible porque todos los ideales y metas que persiguió durante su vida no se destruyan.


La película me conmovió mucho, ya que en cada acción que realiza Alex, se transmite el amor que siente por Christianne, al punto de sacrificar su vida personal y transformar toda su realidad en un montaje para lograr la felicidad de ella. Además, la película es genial en su manejo del humor: muy sutilmente y sin caer en vulgaridades –como en mucho del cine hollywoodense al que estamos acostumbrados-, se muestra satíricamente una de las épocas de transición más importantes del siglo pasado. Para mucha gente, especialmente para los antiguos camaradas del partido socialista, como se ve en la película, este cambio fue terrible. Sin perder su humor la película nos hace llegar este mensaje: cuando vemos llorar a la amiga de Christiane a quien le dicta las cartas, no podemos evitar sentir empatía y compasión por la pobre anciana, que ya no tiene nada más por lo que creer o luchar en el mundo.


Un aspecto que me gustó especialmente de la película fue el manejo del sonido. La música como recurso expresivo no pierde precisión ni en una sola escena: en los momentos de tensión, como en la marcha de protesta donde apresan a Alex, nos pone alertas; en los momentos emotivos, como cuando la madre despierta, nos pone a la expectativa y luego transmite paz, entre muchos ejemplos que se podrían mencionar. Además, en los diálogos más importantes de la película, la música se apaga y nos hace centrar la atención en la acción desarrollada.

Alex (Daniel Brühl)

Es también preciso el uso de la cámara rápida en diversas escenas, ya que transmite una sensación de aceleración y paso del tiempo. Como la película transita entre dos realidades (el comunismo y el capitalismo; el pasado y el presente), este recurso nos pone conscientes de la rapidez con que se dieron los procesos (misma premura con la que debe trabajar Alex para reconstruir el pasado). Se trata de un cambio brusco en el cual el pasado (Christiane) y el presente, no se empatan.


La escena que más me tocó de la película, y por la cual se le ha dado el nombre de Good Bye Lenin!, es cuando Christiane sale a la calle y ve el helicóptero que está retirando la estatua de Lenin, que parece estarla saludando. Así, por fin se empata el pasado con el presente; Chrtistiane se da cuenta de que algo raro está ocurriendo, y que las cosas ya no son como ella las conocía. En conclusión, la película es una oda al amor de un hijo hacia su madre y una enseñanza para todos, que nos muestra que aun cuando todo nuestro mundo conocido se derrumba, si hay alguien que nos ama realmente, podremos continuar.



Ficha técnica:

Dirección: Wolfgang Becker
Producción: Stefan Arndt
Guión: Wolfgang Becker, Bernd Lichtenberg
Música: Yann Tiersen, Claire Pichet
Fotografía: Martin Kukula
Montaje: Peter R. Adam
Reparto: Daniel Brühl, Katrin Sass, Chulpan Khamatova, Alexander Beyer
País: Alemania
Año: 2003
Idioma: Alemán
Género: Drama, comedia

miércoles, 7 de octubre de 2015

“La leyenda del jinete sin cabeza”: la oscura consolidación de Tim Burton



Por: Sergio Lescano

Cualquiera que busque ejemplos de cine gótico contemporáneo, debe atravesar la entreverada maleza que constituye la filmografía de Tim Burton; una filmografía surtida de personajes excéntricos (generalmente pálidos), hechizos y maldiciones que atraviesan generaciones, y algunos de los más fantásticos –y oscuros- momentos capturados en pantalla. La leyenda del jinete sin cabeza, lejos de ser el mejor trabajo de Burton, posee una característica crucial que se evidencia desde los primeros segundos de la película y permanece latente durante el resto de la misma: madurez. Desde que oímos la banda sonora compuesta por Danny Elfman, colaborador usual de Burton, y los créditos –letras apropiadamente fantasmagóricas- van desplegándose frente a nosotros, podemos constatar que lo que estamos a punto de ver es una obra sumamente personal, y que cada detalle ha sido trabajado minuciosamente; desde el vestuario, hasta la nivelación del registro actoral.


Si este filme fuese la tesis de Burton, la secuencia inicial de varios minutos (hasta que terminan los créditos), sería su carta de presentación. ¡Y vaya carta! Los eventos de la película se desarrollan en el año 1799, en el pueblo ficticio de Sleepy Hollow: una especie de suburbio ubicado en las afueras de Nueva York, poblado en su mayoría por agricultores, aislado en todo sentido de la ciudad y rodeado de bosques tenebrosos y malditos. Para la secuencia inicial, Burton, de entrada, le saca el jugo al fantástico trabajo fotográfico de Emmanuel Lubezki, y al inspirado trabajo de dirección de arte de Rick Heinrichs y  Peter Young –los tres nominados a los premios Oscar por esta película-. Los encuadres que presenta Burton mientras van sucediéndose los créditos, parecen sacados de nuestras peores pesadillas. Los bosques son lúgubres, las casas tenebrosas, y la atmósfera en general es absolutamente tétrica. El filme emplea una muy atinada y visualmente impactante tonalidad opaca, lánguida, donde prima el color plomo. La secuencia inicial (hasta que terminan los créditos) está tan bien lograda, de hecho, que no me cabe duda será exhibida y estudiada continuamente como una verdadera clase maestra en la creación de atmósferas. Pero hay mucho más en esta película que su secuencia inicial.


La historia va sobre Ichabod Crane (Johnny Depp), un temeroso pero sagaz policía de Nueva York, firme creyente en el poder de la razón, y conocido como el excéntrico de su recinto por emplear técnicas de investigación novedosas que en ese entonces no eran comunes, tales como las huellas dactilares y las autopsias. Tras exacerbar una vez más al juez de su recinto (excelente Christopher Lee) acerca del uso innecesario de métodos de tortura, Crane es prácticamente exiliado a Sleepy Hollow, para descubrir al responsable de tres asesinatos con una característica muy particular en común: las tres víctimas fueron decapitadas y sus cabezas desaparecieron tras el ataque. Después de instalarse en la casa del líder del pueblo, Baltus Van Tassel (un muy divertido Michael Gambon), Crane se dispone a dar con el asesino. Por supuesto, pasa por alto las advertencias de los pueblerinos, quienes aseguran que el asesino no es otro que el fantasma de “el jinete sin cabeza”, un despiadado mercenario –con largo rastro de sangre en su haber-, quien veinte años antes habría sido capturado y decapitado. Contra todo pronóstico, Crane se verá obligado a cuestionar sus creencias conforme se adentra en el caso, descubriendo que la maldad es tan real y comprobable como los implementos de estudio científico que él diseña.


Durante el resto de la historia, Burton nos hace partícipes de la investigación de Crane, la cual toma giros inesperados a cada momento, dejando al espectador en ascuas. El clímax es tan sorprendente como lógico. El autor hila los sucesos de forma magistral, recopilando las pistas dejadas a lo largo de la película, y logrando satisfacer, así, nuestra inquietante curiosidad.

En resumidas cuentas, La leyenda del jinete sin cabeza nos muestra a un Burton seguro, en la cúspide de sus talentos, y nos deja el sabor de haber visto una joya cinematográfica, cuyo brillo tiende a opacarse sólo por otras de sus más brillantes películas. La fina línea entre el humor y el drama está muy bien tratada, la historia es entretenida y la conclusión satisfactoria. Sin embargo, tuviera que elegir un sólo aspecto –el más cautivante de todos-, sin duda hablaría de la concordancia entre la dirección, el diseño de producción y la fotografía; tres aspectos de la película que considero, sin ánimos de exagerar, exquisitos.   



Ficha técnica

Dirección: Tim Burton
Producción: Scott Rudin, Adam Schroeder
Idea original: Washington Irving (historia original)
Guión: Kevin Yagher, Andrew Kevin Walker (adaptación)
Música: Danny Elfman
Fotografía: Emmanuel Lubezki
Montaje: Chris Lebenzon, Joel Negron
Reparto: Johnny Depp, Christina Ricci, Michael Gambon, Christopher Lee, Christopher Walken
Países: Estados Unidos, Alemania
Año: 1999
Género: Terror, fantasía, aventura
Idioma: Inglés
Duración: 105 minutos