Top 5: Feliz día del pavo

Por: Alexiel Vidam

Las películas de Navidad suelen ser bastante malas. Algunas son divertidas, pero de ahí no pasan. Esta lista ha sido elaborada por alguien, que, además tiene complejo de Grinch, y te saluda en Navidad con un alegre y cordial “Feliz Halloween” (por cierto, tuve indigestión anoche). A continuación, un pequeño ranking con las películas más decentes (una que otra buena) para pasar el rato en Navidad, y obligar a tu vieja a que le baje el volúmen a los toribianitos.


Puesto 5: Mi Pobre Angelito ("Home Alone")

La pasan desde siempre y la seguirán pasando durante todas las Navidades. Así que si este ranking sale tarde y ya te la perdiste, no te frikees, fijo que la encuentras en la tele el año que viene, y el que viene, y el que viene, y si no quieres esperar, pues bájatela de Internet y no jorobes. Trata de un chibolo de 8 años llamado Kevin, que es olvidado por sus padres en casa mientras ellos tomaban un avión a París para pasar las fiestas (todo un ejemplo de padres).

Mientras Kevin se encuentra solo, un par de ladrones decide hacer de las suyas, aprovechando la poca vigilancia (nótese que los “choros” navideños, son internacionales). No contaban con que Kevin tenía más dotes de “pirañita” que ellos dos juntos, y que contaría con una serie de trampas que dejarían a cualquier ninja como un aficionado (Naruto es un chancay de a 20 a su lado). Por cierto, no vean la 2 (de la 3 ya ni se diga), salvo que se vuelvan verdaderos fans; es más de lo mismo.


Puesto 4: El Grinch

La película perfecta para que hagas entender a todos a tu alrededor, que te llega al chopin estarte tirando toda la grati en regalos. Es una película que debes ver junto a toda tu familia (y tus amigos de la chamba si acaso te salen con ese forzoso juego del “amigo secreto” y, para colmo de males, todos los años te toca regalarle al tipo que más odias), para que se traguen el floro de que “navidad es compartir y estar en familia”.

Bueno, aquí vemos al pobre Grinch, un tipo marginado desde niño por ser verde, feo y peludo (encima por unos enanos ñangones igual de feos), quien decide apartarse del mundo y odia la Navidad… hasta que una niña, conmovida por su historia, decide convertirlo en el invitado especial de la aldea para esta fiesta. Sin embargo, luego de encontrarse con el tío que le hacía “bulling” en sus años de infancia, el Grinch decidirá enseñarles a todos el verdadero significado de la Navidad al mejor estilo criollo: choreándoles los regalos.


Puesto 3: El Regalo Prometido ("Jingle All the Way")

Más te vale haber sido un excelente padre durante todo el año, porque, sino, cuando llegue el “día del pavo y de los regalos”, fuiste, peor si acabas de llegar tardísimo al último examen de Karate de tu chibolo, quien es hincha de “Turboman” (un súper héroe que le robó el traje a uno de los Power Rangers), y está obsesionado con obtener el muñeco del personaje.

Resulta que por tu metida de pata, el mocoso te pedirá que le regales el juguete que está prácticamente agotado en todas las tiendas, lo cual te hará jugar a las carreras contra un cartero, perder varias piezas de tu auto, enfrentar a una banda de Papá Noeles-Ninja, soportar los mordiscos del asqueroso reno que se ha conseguido el vecino, y hasta lucir tu musculatura de Terminator retirado, vestido de rojo, frente a un centenar de espectadores del desfile navideño. Insisto, más te vale haber sido un excelente padre.


Puesto 2: Gremlins

A veces, regalarle a tu hijo una mascota por Navidad, no es la mejor idea. Menos si la mascota la has conseguido en el barrio chino y no sabes si se trata de un mono o un murciélago. Randall Peltzer lo hizo, y lo lamentó, aunque nunca tanto si tomamos en cuenta que se deshizo de la vecina odiosa que quería asesinar a su perro.

Así que yo te recomiendo, que si tienes unos cuantos vecinos indeseables, te consigas un gremlin y, por si las moscas, tengas unas cuantas antorchas a la mano, porque las necesitarás cuando tu encantadora mascota quiera darte un beso navideño y, de pasada, arrancarte un pedazo de cara (los gremlins no comen pavo).

Una excelente película para convertirle la Navidad en un lindo cuento de terror a tus sobrinos.


Puesto 1: El Extraño Mundo de Jack ("The Nightmare Before Christmas")

Tan desubicada no ando cuando los saludo un día como hoy (25 de Diciembre), con un cordial “Feliz Halloween”, y, si no lo creen, pregúntenle a Jack, el “Rey Calabaza”, quien, aburrido del país de Halloween, y de asustar a la gente, decidió salir a buscar el sentido de la vida en tierras lejanas. Fue así que llegó al país de Navidad, hecho que lo marcó al punto de querer cambiar radicalmente, transmitiendo el mensaje de paz, amor, y demás cursiladas.

¿Pero qué se podía esperar de la mente retorcida de nuestro huesudo protagonista de ultratumba? Ni más ni menos que un secuestro a Santa Claus para tomar su lugar, llevando una serie de regalos terroríficos a las casas de un montón de chibolos lornas que no esperaban a que sus juguetes muerdan. Un regalito navideño de Mr. Tim Burton… Navidad, Navidad, creepy Navidad (8).

¿Odias a tu hermano? ¡Ésta es tu película!

Por: Jennifer Burga

Del mismo equipo que trajo a la pantalla Little Miss Sunshine, en esta comedia, titulada "El Idiota de mi Hermano", Paul Rudd interpreta a Ned el personaje principal, que como lo dice el título, no es muy brillante. Ned tiene 3 hermanas, Natalie, Miranda y Liz, cada una con una personalidad diferente, incluyendo una que está casada , una que es bisexual que vive con un grupo de mujeres y una soltera independiente que tiene mucho éxito como periodista de Vanity Fair y Por supuesto un Perro llamado Willie Nelson.

Ned es un gran especialista es meterse en líos, es el tipico hermano que te mete en problemas siempre y al que todos rechazan. Ha caído preso bastante veces y todas sin siquiera darse cuenta, ya que es el típico chico inocente y muy muy tonto. Ned es el único hombre en la familia y se caracteriza por ser el típico pariente problema. Sus hermanas Liz , Miranda y Natalie tratan de ayudarlo luego que éste sale de la prisión por un delito. Este agricultor orgánico llega donde sus hermanas para que lo cobijen y le den techo, pues su novia lo echó de la granja donde vivían juntos luego de encontrar un nuevo novio mientras Ned estaba en la prisión. Y encima le niega su único vínculo afectivo: un Golden Retriever. (Willie Nelson)


Claramente el hecho de que Ned viva alternativamente con cada una de sus hermanas, siendo que cada una ya tiene su propia vida armada, les trae un dolor de cabeza y saca de lugar todo lo que ellas tenían por asegurado en sus perfectos planes de vida. A medida que transcurre la película Ned les irá demostrando a sus hermanas y a las respectivas familias de éstas, que no es tan idiota como se imaginan, que en realidad tiene un tremendo corazón, y que, antes que cualquier otra cosa, él prefiere creer en la gente que tiene alrededor.

“Our Idiot Brother” se centra en un hombre bueno que se ha quedado detenido en su etapa infantil y que , tal vez, no ha aprendido nada de sus errores o al menos no ha aprendido a reconocerlos como tales hasta que ya es tarde.

La película es bastante original, y te hace reír mucho. La verdad es que podría ser incluso mejor, pero el resultado final es bastante aceptable, y sería una película muy recomendable para quien le guste las comedias absurdas.

Y si bien Paul Rudd hace un papel correcto, creo que la película mejora mucho con la actuación de las hermanas, Elizabeth Banks, Zooey Deschanel y Emily Mortimer. Pues pese a que son teóricamente actrices “secundarias”, ocupan muchos minutos de la cinta, que por otro lado son de agradecer, pues le dan el “frescor” que la película necesita.

El guion fue escrito por Evegenia Peretz y David Schisgall basado en la historia de Jesse y Evgenia Peretz. La película fue co-producida por Anthony Bregman, Peter Saraf y Marc Turtletaub, y entró en producción inusualmente rápido para una película indepediente. El rodaje duró seis semanas.

En resumidas cuentas he de decir que me he reído mucho con la película, que por una parte difiere un poco de la típica comedia de Hollywood, aunque por otro lado no puedo decir que la película sea una obra de arte. Divertida para pasar el rato.

Cine para locos

Por: Alexiel Vidam

El Gabinete del Dr. Caligari, es la primera y la más representativa película del Expresionismo Alemán. Cuenta con una estética muy particular que marcó las pautas de un nuevo estilo cinematográfico, y que transmite la sensación de hallarnos frente a la mirada de un desquiciado.

Hasta el momento, la película muda más impresionante que he visto (le sigue “Metrópolis”, de Fritz Lang). A pesar de ser una película de 1920, cuenta con uno de esos giros argumentales que cambian completamente el concepto de lo que se está viendo, y que llenan de sentido una serie de elementos que, de buenas a primeras, uno supone como meras características estéticas del cine de vanguardia, o de la firma personal del director.

Hablar de El Gabinete del Dr. Caligari, no es sólo hablar de una película de horror de inicios del cine; es también hablar de una corriente cinematográfica que surgió como una respuesta nacionalista y contraria a la industria de fílmica norteamericana: El Expresionismo Alemán, que corresponde a la corriente artística del mismo nombre, y que se desarrolló también en campos como la pintura, la literatura, el drama, y la fotografía.

El Expresionismo, como movimiento intelectual y artístico surgió a inicios del S. XX en respuesta al Impresionismo, que se focalizaba en la representación máxima de la impresión realista, mientras que el Expresionismo decidió centrarse en la expresión de lo subjetivo, en la visión interior del artista. Dado que surgió en la etapa previa a la I Guerra Mundial y se extendió hasta el período de entreguerras, sus temas principales son la miseria, la soledad, y la angustia. Defendía la libertad, el apasionamiento, y la expresión de lo sexual, lo morboso y lo demoníaco.

El Gabinete del Dr. Caligari, es la primera película de esta corriente. En ella apreciamos cada toma como si se tratase de un cuadro expresionista, con sus fondos distorsionados, sus gestos y movimientos marcados, y sus fuertes contrastes entre blanco y negro, presentados en las sombras recurrentes y el maquillaje exacerbado de los actores. De inicio a fin, fue grabada en estudio, y utilizó telas para representar los distintos ambientes, llenos de construcciones y elementos deformes, como si estuviésemos ante la mirada de un loco.

La trama se pinta bastante sencilla y lineal en un comienzo, pero la última escena, rompe todo con todos nuestros esquemas.

Nos presenta a un joven llamado Francis, quien, junto con su amigo Alan, asiste a la feria a observar el show de un psíquico llamado Caligari y su sonámbulo Césare, capaz de predecir el futuro. Césare predice la muerte de Alan esa misma noche. A la mañana siguiente, Francis descubre que su amigo ha sido asesinado.

A este trágico suceso, se suman una otros con las mismas características: nocturnos, y realizados con un arma punzocortante. Francis sospecha que ha sido obra de Caligari, pero cuando va a encararlo acompañado por el Dr. Olsen, padre de su novia Jane, el místico le muestra a Césare dormido en su ataúd. Al poco rato, se enteran de que el supuesto asesino ha sido arrestado, pero los crímenes no se detienen, y pronto Jane es secuestrada.

Con esta historia, los guionistas, Hans Janowitz y Carl Mayer, pretendían denunciar la actuación del Estado alemán durante la guerra, representándolo en un personaje poderoso y manipulador que se vale de la hipnosis para inducir al crimen. Este detalle es poco conocido, pues el director Robert Wiene, presionado por los productores, y seguramente, también por las autoridades alemanas, tuvo que añadir una última escena, alterando el sentido de la película, restándole significado social pero enriqueciéndola en el sentido estético y el psicológico. Esta escena final es la que provoca el giro más fuerte del argumento, y la que dota de sentido también a varios elementos escenográficos y dramáticos, como los fondos distorsionados y las expresiones marcadas de los actores.

Estrellas a lápiz

Sergio Mallea, dibujante y caricaturista argentino, nos presenta a algunos de los rostros más representativos del cine clásico y actual, en su versión caricaturizada.

Clint Eastwood, quien se hizo famoso por sus actuaciones en westerns como "El Bueno, el Malo y el Feo". Ahora también director de películas como "Los Puentes de Maddison", "A Million Dollar Baby", "Río Místico" y "El Gran Torino".

El argentino Ricardo Darín, figura importante del cine latino actual. Conocido por sus actuaciones principales en "Nueve Reinas", "El Hijo de la Novia", "El Secreto de sus Ojos" y "Un Cuento Chino".

Humphrey Bogart, el famoso Rick Blaine de "Casablanca", un clásico del cine, la cual protagonizó junto con Ingrid Bergman.

Marylin Monroe, una de las figuras más atractivas del cine. Se inició como modelo fotográfica y actriz en películas de bajo presupuesto, pero llegó a estacar en películas como "Some lika a Hot", por la cual obtuvo el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia musical.

Si quieres conocer más sobre el trabajo de Sergio Mellea, te recomendamos visitar su blog: http://caminandoporlaferrere.blogspot.com/

Un bocadito para que te rías

Paul, el extraterrestre

Por: Sherly Sulca

El film de hoy no se los presentaré como plato fuerte dentro del menú de recomendaciones porque: no es la mejor comedia que haya visto, ni el mejor guión, ni mi extraterrestre favorito, ni las mejores actuaciones...Pero, aunque no es el mejor dentro de ninguna categoría, se digiere con risas y sabe bien; como bocadito te queda corto y hasta que te chupas los dedos del gusto.

EL MALCRIADO, MARIHUANERO E IRREVERENTE, PAUL

Paul, es un colosal ser de otro mundo que se escapa de una base militar secreta luego de estar encerrado 60 años. Durante toda la película lo veremos escapar de los agentes secretos que lo quieren atrapar y evitar que cuente lo que hacía para el Gobierno de Estados Unidos. Paúl debe escapar porque el Gobierno quieren extraerle el cerebro luego de haber brindado asesoría y rebelarles sus conocimientos por mucho tiempo; para escapar utiliza a dos frikis británicos que realizan un tour por la ruta de los alienígenas en Estados Unidos.

Greg Mottola, el director, trae una propuesta cómica sobre el subgénero de los alienígenas buenos. Tenemos ante nosotros una road movie divertida, sin más pretensiones que arrancarnos carcajadas por montones; al optar por la fórmula de road movie, la película se convierte en una emocionante aventura, mientras en el camino se van encontrando con unos personajes bien llamativos y particulares que le van inyectando más humor y picardía a la historia, para concluir en un final con un interesante punto de giro… Y a qué no adivinan quién es la mala (jajajaja).

FICHA TÉCNICA

Título: Paul
Género: Ciencia Ficción
Director: Greg Mottola
Guión: Nick Frost/ Simon Pegg
Intérpretes: Seth Rogen, Jane Lynch, Jason Bateman, John Carroll Lynch, Kristen Wiig, Nick Frost, Sigourney Weaver, Simon Pegg.

Bajo piel ajena

Por: Alexiel Vidam

Pocas veces he quedado impresionada al punto al que me dejó “La Piel que Habito”, la última película de Almodóvar. Me parece su mejor película (y de él me he visto todas). Me dejó boquiabierta con la complejidad de sus personajes y, sobre todo, con sus giros inesperados.


¿De qué va esto…?

El Dr. Roberto Ledgard (Antonio Banderas) es un prestigioso cirujano plástico marcado por la muerte de su esposa Gala (Elena Anaya), carbonizada en un accidente de auto. Al drama de la pérdida de su mujer, se suma la muerte de su hija Norma, trastornada por la muerte de su madre y un posterior abuso sexual.

Ahora el Dr. Legend está obsesionado con dos cosas: la venganza, y la piel. Él desea crear una piel perfecta, la piel que le hubiese salvado la vida a su mujer. Para ello, no duda en pasarse por alto la bioética e insertar células de cerdo en la piel humana, para volverla más resistente e inmune a ciertas enfermedades.

El conejillo de indias que utiliza para sus experimentos, es una misteriosa paciente que vive encerrada en una habitación bajo llave, dentro de su mansión con un sistema de seguridad tan avanzado como el de un bunker. La paciente se llama Vera (Elena Anaya), y de ella se sabe que lleva el rostro recreado de la mujer del doctor. Ellos comparten una relación de amor-odio; de captor-víctima, y de amantes.

¿Pero cuál es la verdadera identidad de Vera, y de dónde nace la extraña relación que tiene con el doctor? ¿Por qué Vera intenta suicidarse casi al principio de la película? ¿Qué son todos esos signos que dibuja y esas palabras que escribe en las paredes de su habitación? ¿Cuánto tiempo lleva siendo cautiva?

Todas estas interrogantes son las que crean el eje central del argumento, las que irán develándose poco a poco mientras exploramos el pasado de cada uno de los personajes.

La Piel que Habito, es una historia escalofriante, plagada de intriga, la cual se ve intensificada por una banda sonora que va de lo electrizante a lo lúgubre, compuesta fundamentalmente por temas instrumentales de estilo clásico, que incluyen sonidos de violín, piano, y distintos instrumentos de viento.


Sobre el reparto

Antonio Banderas reaparece en el cine español… ¿quizás porque en Hollywood no logró ningún papel importante?... La cuestión es que volvió, y volvió con Almodóvar, con quien trabajó desde sus inicios como actor cinematográfico. Me atrevería a decir que en esta película le tocó el mejor de todos sus papeles, representando a un médico cegado por conseguir el poder a través del conocimiento, por la venganza, dueño de una mente retorcida a causa del dolor. Un hombre que ha perdido por completo los escrúpulos, pero que sigue loco de amor por una mujer que no lo quiso de verdad, y a la que ahora intenta encontrar en el cuerpo de la persona que más detesta.

Vera, la coprotagonista, es interpretada por Elena Anaya, quien desata sensualidad y violencia en su papel. Ella es una superviviente nata. “Nació” de manera forzosa y ha sobrevivido a las situaciones más retorcidas y traumatizantes. Es agresiva y maquiavélica, dispuesta a todo con tal de conseguir su libertad.

Finalmente, nos encontramos con Marisa Paredes, actriz fetiche de Almodóvar, en el papel de Marilia, la ama de llaves, quien es en realidad, la madre de Roberto. Interpreta a una mujer intuitiva, desconfiada, y aguerrida hasta la muerte por proteger a su hijo. Siente que lleva la locura en la sangre, pues engendró a dos locos que desde niños no jugaban más que a matarse, como si se tratase de un presagio (“Es mi culpa… llevo la locura en las entrañas”).

Cuentos de chinos y vacas voladoras

Por: Alexiel Vidam

La historia de "Un Cuento Chino" nos traslada a Buenos Aires - Argentina, en la actualidad.

Roberto es un ermitaño citadino. Un sujeto que vive solo desde los 19, cuando regresó de la Guerra de las Malvinas a estrellarse con la noticia de la muerte de su padre. Solo en el mundo desde entonces, marcado por la experiencia de matar y ver morir a miles de hombres, vive la vida con amargura y tedio, haciéndose cargo de la ferretería de su padre, coleccionando noticias absurdas como pasatiempo, porque eso es la vida para él: un completo absurdo.

Y de la manera más absurda es también que aparece Jung en su camino. Éste es un muchacho chino que no habla ni entiende ni jota de español, está perdido en Buenos Aires luego de ser asaltado y golpeado por un taxista desalmado, y espera desesperadamente poder encontrarse con su tío, el único familiar que le queda, luego de que su novia muriese aplastada por una vaca que cayó del cielo.

Dos hombres de personalidades y costumbres opuestas que tienen algo en común: la soledad. Un solitario cascarrabias que no soporta la presencia de un intruso bajo su techo, pero que tampoco es capaz de echarlo porque se siente identificado y conmovido a la vez. Intenta ayudarlo, dándole comida, ropa y techo, y tratando de ubicar a su tío en la embajada y en el barrio chino. A su vez, Jung intenta retribuirle ayudándole con los quehaceres de la casa y la ferretería; sin embargo, la torpeza del chino y los serios problemas de comunicación que existen entre los dos personajes, dificultan mucho la convivencia, dándose situaciones de choque entre las culturas y las personalidades de estos dos hombres.

Esta es la historia de dos sujetos que se ayudan y se soportan, y aprenden el uno del otro; cada uno con su propio drama. Plantea también, el tema del maltrato que reciben muchos inmigrantes, del choque cutural, de la discriminación racial, el abuso de poder, y la indiferencia de las autoridades.

La trama es interesante, atrapa; las situaciones enganchan y arrancan risas al espectador. El absurdo, ese absurdo de vida en el que tanto cree el protagonista, está presente durante todo el film; está impregnado en el ambiente desde el inicio, desde el momento en que vemos al joven chino en su tierra natal, a punto de entregarle el anillo de compromiso a su novia, y de una manera inexplicable, observamos a una vaca caer desde el cielo y arrancarle la felicidad de las manos, así, de un momento a otro, como si se tratase de una burla de Dios, de una mala pasada del destino.

Altamente recomendable. Todavía está en el cine. Atrápenla.

Ficha técnica:

Dirección y guión: Sebastián Borensztein.
Países: España y Argentina.
Año: 2011.
Género: Comedia dramática.
Reparto: Ricardo Darín (Roberto), Huang Sheng Huang (Jun Quian), Muriel Santa Ana (Mari), Enric Rodríguez (Roberto joven), Iván Romanelli (Leonel).

Escondan al gato!

Tu madre se ha comido a mi perro

Por: Sherly Sulca

Braindead o Tu madre se ha comido a mi perro, es el titulo de esta película del género gore cómica que cualquier amante de zombies y cine de antaño no se debería perderse.

Si eres de los que gusta de la sangre, aquí encontrarás mucha de ella: En exceso , por todos lados! no por nada es considera una de las películas más sangrientas de la historia. Con este film no te vas a morir del susto, pero sí a matar de la risa.

El film se encuentra ambientado en Nueva Zelanda de los años 50's. Cuenta la trágica historia de Lionel Cosgrove (Timothy Balme), un joven que padece de mamitis y que se le verá haciendo todo lo que su mamá le ordena. Lionel se enamora de Paquita (Diana Peñalver), una joven que trabaja en una tienda de la ciudad. Un día, la madre de Lionel le sigue a escondidas a él y a Paquita hasta el zoológico, será ahí en donde le muerde el brazo un mono-rata de Sumatra. El mordisco del animal la va convirtiendo lentamente en un zombi. Lionel horrorizado y al tanto de todo, movido por el cariño cuidará de su madre zombie como siempre lo ha hecho. Con el pasar de los días la madre de Lionel comienza a infectar a más personas,y Lionel optará por encerrar a los zombis en el sótano de su casa para cuidarlos y mantenerlos a escondidas.

Todo lo anterior es sólo el comienzo y todo lo que viene será acompañado con un estilo cartoon irresistible que exagera al límite todos y cada uno de los apartados. Si la sangre no los convence del todo para verla, quizá si el hecho que además encontrarán ratas venenosas, zombis, un cura karateka y sexo post mortem.

Particularmente me ha encantado Braindead no porque sea una obra de arte o por ser considerada de culto en el género gore. Me ha encantado y la recomiendo porque ofrece carcajadas sin más, una particular originalidad y desparpajo en la cinematografía que dejarán a más de uno en estado perturbado y de sorpresa. Todo en ella esta llevado al limite, exagerado hasta la saciedad, los personajes están desquiciados y todos los temas cotidianos son violados por la burla. Es de esa películas cuyas escenas y personajes nunca se van.

TÍTULO ORIGINAL: Braindead
NACIONALIDAD: Nueva Zelanda | AÑO: 1992
DIRECTOR: Peter Jackson
GUIÓN: Peter Jackson, Fran Walsh
INTÉRPRETES: Timothy Balme, Diana Peñalver, Ian Watkin

Refranes cinematográficos

Por: Alexiel Vidam

Hay frases de cine que se quedan grabadas por siempre en nuestras memorias, frases que repetimos como refranes porque nos marcaron en algún sentido, porque nos parecieron cómicas, porque nos identificamos con el personaje que las dijo, o, simplemente, porque amamos esa película y el momento en que se dijo la frase, fue emblemático.

Algunas son populares, como “Que la fuerza te acompañe” (Star Wars) o “Un gran poder conlleva una gran responsabilidad” (Spiderman); otras quedan en mentes de grupos más reducidos, pero tienen tanta o más intensidad que aquellas.

No hace falta ser experto en cine clásico para reconocer ciertas frases que fulminan, como ésta: “El mundo se derrumba, y nosotros nos enamoramos” (Casablanca).

A continuación, mi lista personal de frases emblemáticas del cine. Que la disfruten.


"La vida es como una caja de bombones, nunca sabes lo que te va a tocar" – Forrest Gump

Forrest Gump, sentado sobre una banca en el paradero de autobuses, habla con una señora que acaba de sentarse a su costado. Es el momento en que iniciará el relato de su vida, desde su niñez, y el “romance” con su amiga Jenny, pasando por su participación en la guerra de Vietnam, hasta el momento en que descubre que es padre y decide hacerse cargo de su hijo.


"He visto cosas que nunca creeríais. El ataque de naves ardiendo más allá de Orion. Rayos-C brillando en la oscuridad de la puerta Tan Hauser. Ahora, todos esos momentos se perderán en el tiempo como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir.” – Blade Runner

Frase utilizada por Roy, el más poderoso e inteligente de los androides “Nexus 6”, en el momento en que se rinde ante su propia muerte. Roy es un “replicante” (androide) con sentimientos e inteligencia superior a la del ser humano; es el líder de la rebelión de replicantes que el protagonista, Rick Deckard, debe exterminar.


"A Dios pongo por testigo que no podrán derribarme. Sobreviviré, y cuando todo haya pasado, nunca volveré a pasar hambre, ni yo ni ninguno de los míos. Aunque tenga que mentir, robar, mendigar o matar, ¡a Dios pongo por testigo que jamás volveré a pasar hambre!" – Lo que el Viento se Llevó

Scarlett O’ Hara es una luchadora acérrima, una heroína con el corazón endurecido, una mujer que luego del derrumbe de su reino de lujos y caprichos (la historia gira en torno a la Guerra de Secesión y sus consecuencias), toma la responsabilidad de asegurar la supervivencia de los suyos, así sea por los métodos más maquiavélicos e inescrupulosos.


"Una es más auténtica cuanto más se parece a lo que ha soñado de sí misma." – Todo sobre mi Madre

Agrado es un travesti que alguna vez fue camionero; dejó el camión, y se volvió puta. Se operó toda, hasta la nariz, la cual luego le torcieron de un puñetazo. Toma la vida como una comedia, pero en el fondo sabe que tiene mucho de drama; de ello, ha sabido sacar unas frases muy precisas. Uno de esos personajes deschavetados que no se avergüenzan de nada, y que resultan simpáticos por estrambóticos.


"Ya desde niño yo siempre me enamoraba de la mujer que no debía. Creo que ahí está mi problema, ¿sabes...? Cuando mi mamá me llevó a ver Blancanieves, todos se enamoraban de Blancanieves, pero yo me chiflé inmediatamente por la madrastra."- Annie Hall

Frase de Alvy Singer, el neurótico protagonista de “Annie Hall”, quien acaba de discutir con su igual de neurótica novia Annie, debido a un ataque de celos por parte de él. Alvy ha fracasado en dos matrimonios, y en el momento en que comienza a sentir que su relación con Annie se deteriora, y que cada vez se alejan más el uno del otro, comienza un diálogo con la gente de la calle, preguntándose cuál es el secreto para que una relación funcione, y por qué el siempre se ha fijado en la mujer equivocada.


“Sin lugar a dudas, me había curado.” – La Naranja Mecánica

Alex De Large se encuentra en un hospital luego de haber sido curado del “Método de Ludovico”. Él es un pandillero que estuvo en la cárcel por asesinar a una mujer en un intento de robo. Para “curarlo” de sus impulsos criminales, fue sometido a un condicionamiento que le hace sentir náuseas ante cualquier impulso violento, lo cual, también, le impide defenderse. Al salir de la cárcel, sufre una venganza brutal por parte de sus antiguas víctimas. Libre del condicionamiento que lo privaba de libertad, el degenerado “ultraviolento” está de vuelta.


"¿Estás hablando conmigo? ¿Estás hablando conmigo? ¿Estás hablando conmigo? Pues ¿con quién en demonio estás hablando entonces? ¿Me estás hablando a mí? Pues soy el único aquí. ¿Con quién coño te crees que estás hablando?” – Taxi Driver

Travis es un veterano de la Guerra de Vietnam, que decide hacerse taxista en la ciudad de Nueva York, en cuyas calles observa muy de cerca los vicios y la corrupción de la gente. Es en medio de su rutina laboral que conoce a Iris, prostituta infantil a la que decide rescatar de la inmundicia, recurriendo a métodos radicales.


"Somos los hijos malditos de la historia, desarraigados y sin objetivos, no hemos sufrido una gran guerra, ni una depresión. Nuestra guerra es la guerra espiritual, nuestra gran depresión es nuestra vida. Crecimos con la televisión que nos hizo creer que algún día seríamos millonarios, dioses del cine, o estrellas del rock. Pero no lo seremos, y poco a poco lo entendemos, lo que hace que estemos muy cabreados". – Fight Club

Tyler Durden se dirige a los miembros del “Club de la Lucha”, un grupo de hombres que desata sus frustraciones agarrándose a golpes durante la noche. Son hombres frustrados por sus trabajos desagradables y el acoso del consumismo. Son hombres deprimidos y furiosos que quieren derrumbar el sistema.


“Mentir es lo más divertido que puede hacer una chica sin quitarse la ropa.” - Closer

Alice había dejado el oficio de desnudista desde que conoció a Dan y se hizo su novia, pero cuando éste decide dejarla por Anna, fotógrafa y esposa de Larry, regresa a su antigua ocupación, en los night clubs. Ahí la encuentra Larry, abandonado como ella, frustrado, buscando respuestas y consuelo carnal.


“Dormir no me importa, León. Quiero amar o la muerte, eso es.” – Leon: El Profesional

Mathilda es una niña de 12 años, única superviviente del asesinato de toda su familia a manos de unos agentes de policía corruptos. Ella ha sido rescatada por Leon, vecino suyo que se gana la vida como asesino a sueldo. A partir de ese momento, él la protege, pero ella no se conforma con eso; ella quiere convertirse en una asesina como él, para poder vengar la muerte de su hermano, el único miembro de su familia al que amaba.

Avatar, el nuevo paradigma del cine épico

Por: Guido Cuadros F.A.

Fui a ver Avatar sin ninguna expectativa. Es más, por poco declino la invitación que me hicieron para ir al cine ese día. Había visto el trailer de la película y no me había llamado mucho la atención.

Pensé que se trataría de un show pirotécnico de efectos especiales y animación por computadora, sin ninguna sustacia. Incluso pensé que podría tratarse de una película de esas que fluctúan entre los géneros de espada y brujería y aventura infantil, tipo ''Narnia'' (lo cual hubiera sido catastrófico).

También me hacía dudar la casi homogénea crítica positiva que ya venía recibiendo la película, tanto a nivel de público masivo, como de crítica especializada (y es que lo mismo pasó con ''Batman: The Dark Knight Returns'', y a mí me pareció una película regular, intrascendente, de ésas de las que comienzas a olvidarte apenas aparecen los créditos finales).

Felizmente acepté la invitación para ir a ver Avatar ese día. No me decepcionó para nada, me agarró con la guardia baja y me sorprendió mucho, me dejé llevar y terminé enamorado de la película. Me quedé ''pegado''. Me ''movió''. Y eso es lo que se supone que las buenas películas deben hacer con el espectador.

Avatar es una excelente película, más allá de los impresionantes efectos especiales, de la sensacional animación computarizada (verdaderamente revolucionaria) y del factor 3D. Como las grandes obras de ciencia ficción de los siglos pasados, Avatar trata más sobre la realidad y la situación actual del mundo que sobre inasibles fantasías futuristas.

Las alegorías a hechos históricos y contemporáneos son constantes: La conquista de América y la destrucción de las civilizaciones pre-colombinas por parte de las naciones europeas; la deforestación amazónica y la disminución de áreas verdes a nivel global; los conflictos constantes entre el estado moderno y las sociedades nativas tradicionales cuando se busca explotar bienes del subsuelo selvático (y de los que los peruanos hemos sido tristes testigos últimamente); las recientes guerras en Irak o el Líbano, en las que la cuestionada ideología del ''ataque preventivo'' jugó un papel preponderante como elemento justificatorio, son solo algunos ejemplos.

En la película se ponen también sobre el tapete una serie de temas y asuntos que actualmente son motivo de debate en la sociedad mundial: la revaloración de filosofías y religiones tradicionales no occidentales; la reinterpretación de la realidad desde parámetros no eurocéntricos; la relación de la sociedad moderna con la naturaleza y los peligros casi irreversibles del cambio climático ocasionado por la contaminación ambiental; los peligros de un desmedido poder estatal y militar; el cuestionamiento de la noción de ''desarrollo''; el cuestionamiento de un capitalismo sin límites, etc.

Avatar sirve también como una vitrina hacia el futuro, o como un ensayo bastante fundamentado sobre las posibilidades de avances científicos en los campos de la tecnología, la biología o la genética.

Es una película gigantesca, de naturaleza épica, en la que pueblos y civilizaciones enteras forman parte de la trama y el desarrollo de los hechos. Creo que hay que saber ubicar a esta película dentro de su género y reconocer que hace muchos años no se lograba crear algo tan importante, tanto a nivel artístico como de contenidos, en este campo.

El espectador se involucra y se sumerge en estos grandes temas a través de personajes icónicos: un general, un soldado, los jefes de una tribu, una científica, etc. entre los que se tejen las más diversas relaciones, y en los que afloran todo tipo de sentimientos propios de la naturaleza humana: amor, odio, venganza, lealtad, dolor, esperanza, desasosiego, en el marco de los grandes dilemas universales: paz, guerra, conquista, poder, bien y mal, vida y muerte.

Si bien algunas de las escenas pueden parecer clichés del cine comercial, estas no desmerecen para nada el producto final, y son utilizadas con maestría por el director James Cameron para tejer pequeñas costuras dentro del colosal escenario en el que ocurren los hechos, y que permiten un acercamiento más íntimo y cercano por parte del espectador. Avatar no lleva el estigma de Hollywood, está por encima de Hollywood.


Creo que hay consenso entre la crítica al decir que Avatar es una película bella en lo visual. Para mí, la belleza de Avatar va más allá de lo visual, y se encuentra en la historia misma, en su riqueza de significados, en los personajes y sus relaciones, en la capacidad para generar sentimientos en el espectador.

Más que bella, me parece mágica, casi un sueño capturado en una película, un sueño que, como dije antes, está basado profundamente en nuestra propia realidad.

Definitivamente, Avatar se erige como el nuevo paradigma del cine épico, como una película importante, profunda y trascendente de la que se hablará por muchos años y que será tomada como referencia, de alguna u otra manera, por todos aquellos involucrados con el arte cinematográfico.

Algunos creen que estamos frente a la nueva Guerra de las Galaxias (debemos suponer que se refieren a la trilogía original -la de verdadera importancia histórica y artística- y no a la más moderna, que pasó sin pena ni gloria por la historia del cine). Yo voy más allá y, por todo lo explicado previamente en este artículo, me animo a proclamar: ''La Guerra de las Galaxias ha muerto, ¡Viva Avatar!''.

(Blog de Guido Cuadros: http://comicapocalipsis.blogspot.com/)

Humor cinéfilo: ¡Feliz cumpleaños Ridley Scott!

Cinematosis Crónica le desea un feliz cumpleaños al papá de Alien. Véanlo ahí, tan buen niño, a punto de cenar.

Por los 74 añitos del director de Alien: El Octavo Pasajero, Blade Runner, Thelma y Louise, Gladiador, entre otros éxitos cinematográficos, el dibujante y diseñador Carlos Lavida ha preparado este divertido regalo de cumpleaños.


Si quieren conocer más sobre el trabajo de Carlos Lavida, les recomendamos visitar su blog: http://carloslavida.blogspot.com/

5 películas de Woody que debes ver antes de morir

Woody Allen es uno de mis directores favoritos. Es un tipo con mucho sentido del humor, el cual está plasmado sobre todo en sus diálogos y en la manera en que contrasta las situaciones cotidianas con elementos disparatados. Como actor, además, es un sujeto muy carismático, con mucha gracia (y una gestualidad que recuerda mucho a la de Chaplin), casi siempre representando a algún sujeto “algo” neurótico, con problemas familiares, y debilidad por las mujeres, a quienes, por suerte, casi siempre resulta encantador.

A continuación, les dejo un ranking personal con cinco películas de Woody que no deberían dejar de ver.

5. El Dormilón

Miles Monroe (Woody Allen) es un sujeto normal, del siglo XX, que se gana la vida con un restaurante de comida sana. Un día, ingresa a la clínica para ser operado de las amígdalas, y, por un error del destino, es congelado y despertado doscientos años más tarde, por unos científicos que forman parte de un plan subversivo. El escenario es una especie de parodia de “1984” (de George Orwell), en la cual, se plantea un gobierno totalitario, con un solo partido y un ente que todo lo observa y todo lo controla. En esta película, el “Jefazo” los vigila y los tiene enumerados. Miles, al ser un tipo de otro tiempo, no tiene número y por eso, el grupo revolucionario “AIRES” quiere contar con su ayuda. En un inicio, él intenta escapar, pero luego de una serie de disparatadas situaciones y de su encuentro con una mujer llamada Luna, a quien secuestra para que le brinde ayuda, Miles termina uniéndose a las filas de la resistencia.


4. Zelig

Leonard Zelig (Woody Allen) es un sujeto con la extraña habilidad de mutar según la gente de la cual se rodee y el medio en que se encuentre, motivo por el cual es reconocido como “El Hombre Camaleón”. Este personaje llama la atención de la psicoanalista Eudora Fletcher (Mia Farrow), quien decide tratar a Zelig e investigar cuál es el motivo que lleva a Zelig a transformarse según el contexto y no poseer una personalidad propia. Ella irá resolviendo varios misterios sobre la vida de Zelig, y, entre ambos, como no quiere la cosa, comienza a surgir un romance.

La historia está narrada a modo de documental, pero introduciendo una serie de elementos exagerados y fantásticos que la sazonan, como, por ejemplo, esa escena en la que vemos a Zelig cambiando de color de piel porque se ha juntado con un grupo de negros o, cuando le crece la barba de rabino porque se encuentra con un grupo de judíos ortodoxos. Una película, sin duda, muy divertida.

3. Manhattan

Isaac Davis (Woody Allen) es un hombre cuarentón que trabaja realizando gags para la televisión. Se ha divorciado dos veces, y la segunda, fue porque su esposa (Meryl Streep) se enamoró de otra mujer. Ahora ella y su nueva pareja viven juntas con el hijo de Isaac y ella se encuentra escribiendo una novela en la que relata detalles de su vida íntima con él.

Luego de semejantes patinadas, Isaac lleva una relación bastante tranquila y agradable con una muchacha de diecisiete años, llamada Tracy (Mariel Hemingway), quien está verdaderamente enamorada de él, y se siente decepcionada cuando Isaac le dice que deben separarse porque ella es una niña y lo suyo no podía llegar muy lejos.

La verdad, es que Isaac se ha enamorado de Marie Wilkie (Diane Keaton), la problemática y conflictuada amante de su mejor amigo.


2. Vicky Cristina Barcelona

Esta película ya pertenece a la segunda etapa del cine de Woody Allen. Esa etapa en la que el hombre se libera un poco de su manía de aparecer en cámaras (y más aún, en el papel protagónico), y da un giro también a su manejo de narrar historias y construir personajes. La atmósfera del film, personalmente, me recuerda a las películas de Almodóvar en su última etapa, bastante menos estrambótica.

Aquí se nos presenta a dos amigas, Vicky (Rebecca Hall) y Cristina (Scarlett Johansson), quienes visitan juntas Barcelona en las vacaciones de verano. Vicky es arquitecta, con una visión conservadora del mundo, sensata, y con intenciones de casarse con su novio de años. Cristina, por su parte, es una fotógrafa aventurera, que busca experimentar nuevas emociones. Ambas se ven metidas en una relación poco convencional con un pintor llamado Juan Antonio (Javier Bardem), quien aún mantiene una conflictiva relación con su ex esposa, María Elena (Penélope Cruz).

1. Annie Hall

Es cierto que la mayoría de películas mencionadas en este ranking pertenecen a la primera etapa de Woody, cuando todavía le gustaba robar cámaras, pero admito que me parece lo mejorcito de él. Sus películas de hoy me siguen gustando, pero siento que han perdido un poco el “feeling” y esa chispa de humor tan característico de Woody. De entre todas sus películas, Annie Hall es mi favorita.

Alvy Singer (Woody Allen) es un hombre que desde niño supo que estaba destinado a fijarse en la mujer equivocada, cuando fue al cine a ver Blancanieves, y mientras sus amiguitos se enamoraron de la protagonista, él se enamoró de la bruja malvada. Vivía reflexionando, además, sobre cuestiones que ningún otro niño de seis años se preguntaba, como si pronto el universo acabará de expandirse y todos moriremos.

Luego de dos matrimonios fallidos, Alvy conoce a Annie (Diane Keaton), una chica tan neurótica como él, que sueña con ser cantante, con una tía que tiene prejuicios sobre los judíos (y Alvy es judío), y un hermano que fantasea con estrellarse con el auto mientras los lleva de pasajeros. Ellos entablan una relación de dos años, que se va narrando a modo de documento de amor de los años 70. Se dice también que esta película es un reflejo de lo que fue la ruptura entre Allen y Keaton, quienes fueron pareja en la vida real.

Por: Alexiel Vidam

No te metas a mi Facebook

Por: Alexiel Vidam

Hace unos días le di una oportunidad a una película que, honestamente, no tenía la más mínima gana de ver. ¿Por qué? Porque me pareció una película de temática demasiado oportunista, que buscaba vender colgándose del vicio de mucha gente, de pasar horas de horas en las redes sociales, para ser más específicos, en Facebook. Sí, me refiero ni más ni menos que a la película “The Social Network” (“Red Social”).

¿Por qué decidí darle una oportunidad? Por una simple y sencilla razón: el director es David Fincher, quien dirigió mi película favorita de todos los tiempos y todos los géneros cinematográficos: “Fight Club” (“El Club de la Lucha”). Una razón de peso para darle chance, y debo decir, que valió la pena.

La historia, básicamente, gira alrededor de la creación de la famosísima red social “Facebook” y de todas las intrigas legales, sociales y sentimentales que giran en torno a ella. Muestra cómo Mark Zuckerberg (protagonizado por Jesse Eisenberg), despechado y ebrio tras el rompimiento de su novia, logra hackear la red de la Universidad de Harvard (a la cual pertenecía) y crear un sitio web llamado “Facemash”, en el cual se atribuía puntajes a las chicas de la universidad a modo de competencia. A pesar del lío en el cual se mete Mark con las autoridades de la universidad, su habilidad para programar llamó la atención de los gemelos Cameron y Tyler Winklevoss, fundadores de la compañía ConnectU, y de su amigo Divya Narendra; los tres, miembros del equipo de remo de la universidad, e interesados en crear una red social exclusiva para los estudiantes de Harvard. Ellos deciden incluir a Zuckerberg en el equipo para que se encargase de programar esa nueva red social a la cual llamarían “Harvard Connection”.


En la película, Zuckerberg se nos muestra como un sujeto totalmente falto de escrúpulos, que desaparece de la vista de los Winklevoss, tomando su idea para crear sus propia red social mejorada: “The Facebook”, para lo cual contó con el apoyo económico de su amigo Eduardo Saverin (Andrew Garfield), a quien más adelante también terminaría perjudicando, reduciendo al máximo su cantidad de acciones, cuando “The Facebook” había pasado a ser sólo “Facebook” y se había transformado en un verdadero monstruo de la red, se estaba abierto para todo el público en diferentes países, alcanzando el millón de usuarios subscritos. Zuckerberg tendrá que enfrentar la denuncia de los Winklevoss por el robo de su idea original, y la de su antiguo amigo, Eduardo Saverin, por la reducción de sus acciones, de 34%, a 0,03%.

Mark Zuckerberg (derecha) y Eduardo Saverin (izquierda), fundadores de "The Facebook"

Otro personaje central es Sean Parker, fundador de Napster, interpretado por Justin Timberlake, quien actúa como un generador de discordia entre Zuckerberg y Saverin. Él entra, fundamentalmente para aportar ideas de marketing, pero termina influyendo mucho en las decisiones de Zuckerberg, y hace lo posible por alejarlo lo más posible de Eduardo, a quien considera un tipo poco innovador y sin grandes aspiraciones para el negocio. Por su parte, Saverin desconfía desde un inicio de Parker debido a su mala fama acerca de problemas con drogas y escándalos con menores de edad.

La película no es un relato exacto de cómo se creó Facebook. No está basado en hechos reales, sino en la novela “Millonarios por Accidente”, de Ben Mezrich, que narra la creación de la archiconocida red social.

Mark Zuckerberg y su nuevo socio, el conflictivo Sean Parker.

La forma en que se desarrolla la trama es bastante ágil y entretenida. Nos presenta a Zuckerberg como un nerd, alienado, desadaptado, que busca destacar sobre todas las cosas por su habilidad para programar y se obsesiona completamente con su creación; para él sólo existe Facebook, y no importa cuántos obstáculos deba enfrentar o a cuánta gente tenga que cargarse en el camino con tal de que Facebook siga creciendo y renovándose. Por su parte, los son bastante rápidos y directos, lo cual crea la interesante sensación de que uno se encontrase frente una ventana de chat hablada.


Red Social es una película con la cual el público contemporáneo, especialmente los jóvenes, se engancha rápidamente. Para comenzar, por el tema, tan actual y cada vez más presente en la vida de todos. Luego, por todos los detalles curiosos, irónicos y divertidos que presenta el film (como, por ejemplo, que Facebook tuviese sus primeras raíces en la borrachera de un “friki” despechado). Finalmente por la serie de intrigas que se entrelazan dentro de la trama, lo cual mantiene la atención del espectador de manera constante. El tema no es precisamente el más complejo o profundo, pero Fincher y su guionista Aaron Sorkin, han sabido crear una adaptación fílmica interesante y entretenida.

Peleadores noctámbulos

Fight Club: Cuando el insomnio se pone violento

Por: Alexiel Vidam

Un hombre que vive en medio de un vacío existencial tremendo, que pretende llenar mediante el consumismo. Aburrido de su trabajo, de la rutina, de su propia vida, una vida tan mediocre y aburrida, que el personaje ni siquiera es identificado con un nombre (resaltando su insignificancia). Una noche, comienza a sufrir de insomnio. “Nunca estás completamente dormido ni completamente despierto”. El médico no sabe cómo o simplemente no quiere ayudarle; le recomienda mascar pastillas de valeriana y asistir a grupos de autoayuda (tuberculosis, cáncer de testículos, leucemia, etc.) para que descubra lo dura que es la vida de otros y deje de estresarse tanto con la suya.


El sujeto decide tomar el segundo consejo del médico, y descubre una solución a sus problemas de sueño. En esos grupos puede abrirse, llorar, desestresarse, y luego llegar por la noche a su casa a dormir como un angelito. Pero todo se arruina cuando aparece ella, Marla Singer, una mujer que, al igual que él, asiste a todos los grupos de autoayuda. Es evidente que se trata de una farsante, como él, pues nadie puede tener tantas enfermedades juntas, mucho menos, si se trata de cáncer de testículos. Marla le hace sentirse observado, por lo cual ya no puede abrirse, y vuelve a sufrir de insomnio.


Entonces, aparece Tyler Durden, un tipo rudo, descreído, enemigo del sistema. “Todo lo que posees acabará poseyéndote”, dice Tyler, “tenemos trabajos que odiamos para comprar mierda que no necesitamos”. Ellos se conocen en un viaje de negocios, Tyler le deja el número de teléfono, y el protagonista, sin entender bien por qué, termina llamándole luego de que su departamento se incendiara por una fuga de gas. Necesita dónde quedarse por un tiempo, y Tyler acepta darle un sitio en su casa con una única condición: “Dame un golpe… ¡Me has jodido la oreja! ¡Toma esto!”… y un golpe, y otro, y otro, y terminan agarrándose a puñetazos en plena calle. Esto les hace sentirse mejor. Se toman una cerveza, y deciden fundar un club: El Club de la Lucha, sólo para hombres, completamente secreto, tendrían que enfrentarse dos luchadores sin zapatos ni camisa, hasta que uno se rinda. Está terminantemente prohibido hablar del Club de la Lucha.

Gracias al Club de la Lucha, el protagonista consigue dormir nuevamente.


Pero el secreto, se convierte en secreto a voces, y el club crece cada vez más. Al mismo tiempo, entre el protagonista y Tyler se crea un vínculo casi simbiótico. Se pasan todo el tiempo juntos, se entienden bien a pesar de sus personalidades casi opuestas, y se ayudan en lo que pueden. “Éramos como el matrimonio perfecto”, hasta que… nuevamente aparece Marla y lo arruina todo. Ella llama para avisar que quiere suicidarse, y quien acude, es Tyler. ¿Por qué a Tyler le importaría Marla? El protagonista no lo entiende, lo que sí entiende es que a partir de entonces, Marla se la pasa en la casa con ellos, la mayoría del tiempo, en la cama de Tyler.


En paralelo, el personaje principal va asustándose cada vez más con las actitudes de su compañero. quien se va volviendo cada vez más radical. No sólo es El Club de la Lucha, sino una especie de conspiración mayor, el “Proyecto Estragos”, que consiste en realizar distintos actos de vandalismo junto con los miembros del club. ¿Su finalidad? Destruir el sistema. "La publicidad nos hace desear coches y ropas, tenemos empleos que odiamos para comprar mierda que no necesitamos. Somos los hijos malditos de la historia, desarraigados y sin objetivos. No hemos sufrido una gran guerra, ni una depresión. Nuestra guerra es la guerra espiritual, nuestra gran depresión es nuestra vida. Crecimos con la televisión que nos hizo creer que algún día seríamos millonarios, dioses del cine o estrellas del rock, pero no lo seremos y poco a poco lo entendemos, lo que hace que estemos muy cabreados." Tyler se asegura de que no haya gente en los lugares que atacan; quieren acabar exclusivamente con los pilares económicos de la sociedad consumista, con lugares y objetos… pero las cosas pueden no salir del todo bien.



Un día, Tyler desaparece, y el Proyecto Estragos parece estar completamente fuera de control. ¿A dónde se ha ido Tyler? Es necesario buscarlo, subirse a un avión y buscarlo por todos lados. Cuando el protagonista sale en su búsqueda, nota que en cada lugar que pisas, hay una sucursal de El Club de la Lucha, y del Proyecto Estragos. De pronto, no sólo él se encuentra en problemas, Marla también. Por alguna razón, Tyler quiere a Marla fuera del camino. Pero Tyler sigue inubicable. De pronto, la voz de un mesero con la cara golpeada empieza sorprende al protagonista llamándole de “Señor Durden”.

Es aquí, cuando todo lo que esperabas de esta película, cobra un giro de 180°…

Fight Club según yo:


Amé esta película. ¿Por qué? Porque sorprende. Porque durante más de la mitad del film tienes un concepto bien prendido acerca de la trama, y luego resulta que nada de lo que creías, era como se veía. Es una pela que hay que ver más de una vez, para prestar más atención a los detallitos en la segunda mirada, cuando ya conoces el final.

Al principio el ritmo puede resultar un poco lento, pero vale la pena tenerle paciencia; el giro que da la historia pasando de la mitad, es verdaderamente sorprendente. Además, los personajes enganchan. Tyler es un sujeto con unas frases muy precisas, muy críticas acerca de la sociedad; muy radical es cierto, hasta el punto de convertirse en un vándalo, pero sus idea de fondo tienen varios puntos acertados que a uno lo dejan pensando; además, las actuaciones son excelentes, y cuenta con un reparto de lujo: Edward Norton en el papel del protagonista-narrador, Brad Pitt como Tyler Durden, y Helena Bonham Carter como Marla Singer, un personaje que le va como anillo al dedo: ácido, desencantado, lúgubre, rebelde.

La ambientación está bastante bien construida, con sus colores oscuros, fríos, sus escenarios urbanos y decadentes. Hay bastante contraste en cuanto a las sombras a pesar de que predominan los colores opacos.

Musicalmente, también es una joyita. Al director, David Fincher, le preocupaba encontrar productores que supieran atar pistas de música experimental de manera adecuada. Pensó inicialmente en Radiohead, pero finalmente se decidió por el dúo de productores Breakbeat Dust Brothers. Ellos crearon una banda sonora postmoderna que incluye loops de batería, scratchers electrónicos, y samples computarizados. Se buscaba una banda sonora poco convencional.

El tema musical que se utilizó para la última escena de la película, me pareció una elección espectacular: “Where is my mind?” de The Pixies, un tema fuerte, que encaja perfectamente con la toma de unos grandes edificios destruyéndose y la frase final del protagonista: “Me has conocido en un momento extraño de mi vida”.

*Dato curioso: Cabe anotar que la película se basó en la novela del mismo nombre, escrita por Chuck Palahniuk.