Humor Cinéfilo: Concurso de cuellos

Si vieron los premios Oscar, de hecho se ganaron con este tremeeeeeeeeeeeeeeeeeeeendo "fanservice" (¿O me van a decir que es más cómodo hablarle al micro mientras le das el trasero al público? Lol). Como siempre, Carlos Lavida tenía que aprovechar la oportunidad para regalarnos un poco de humor cinéfilo.


*Si quieres ver más del trabajo del diseñador y dibujante Carlos Lavida, te recomendamos visitar su blog: http://carloslavida.blogspot.com/

Dragón en cuerpo de doncella

Por: Alexiel Vidam

En la China Antigua, allá por los tiempos de la dinastía Qin (Chin), una joven se rebela contra lo que le exige la sociedad. Su nombre es Jiao Long (“Dragón Marino”), y es experta en Artes Marciales, única aprendiz de la asesina Bi Jen Hu Li (Zorra de Jade). Ella roba la espada del maestro Li Mu Bai, y escapa de un matrimonio arreglado, y de la casa paterna, para vivir una serie de aventuras.

Jiao Long (“Jen” según la traducción norteamericana), interpretada por Zhang Ziyi, es la protagonista de Crouching Tiger Hidden Dragon (El Tigre y el Dragón), coproducción entre China, Taiwán, Hong Kong, y Estados Unidos, dirigida por Ang Lee.

Jiao Long es un espíritu libre, rebelde, una muchacha fuera de lo común para su contexto histórico y social, una guerrera. Es hija del Gobernador Yu, quien ha decidido casarla con el hijo de un alto funcionario. Lo que no sabe, su hija ha aprendido las Artes Marciales desde niña, leyendo el libro secreto de Wudan, y entrenando con la asesina Zorra de Jade, infiltrada en su casa como sirvienta.

El matrimonio no le va bien a Jiao Long… o por lo menos, no con el hombre que le han elegido. Ella no quiere tener la vida normal que tiene una cortesana; quiere actuar según sus propios deseos y vivir aventuras. Por si fuera poco, se ha enamorado de un bandido del desierto, llamado Luo Xuanhu, a quien conoció en un asalto por parte del susodicho, a la caravana de su pdre.

Siguiendo su instinto aventurero, la joven elige, como primera “hazaña”, robar la espada celestial del maestro Li Mu Bai. Esto le traerá una serie de problemas y enfrentamientos con la ley, con su propia maestra, con Li Mu Bai, y con su amiga Shu Lien, compañera de armas del maestro.

Buscando escapar de la justicia, y de las normas sociales, Jiao Long huye lejos de la ciudad el mismo día de su boda. Disfrazada de hombre y empuñando el “Destino Verde” (la espada de Li Mu Bai), va por los caminos causando destrozos en los locales que pisa, y enfrentando a todos los maestros de Kung Fu que se atreven a retarla.


La guerrera Jiao Long

Jiao Long es un personaje rebelde, revolucionario para su época y los cánones de la sociedad a la que pertenece. Por el contrario de lo que podría esperarse de una guerrera, Jiao Long es una chica de formas delicadas, figura “frágil” y elástica, rasgos finos, y trato amable… salvo, cuando está peleando.

(Jiao Long enfrenta a varios guerreros en una casa de hospedaje.)

Su estilo de lucha es ágil, estilizado y acrobático; se basa en principalmente en movimientos sueltos y sumamente veloces (por momoentos también "vuela"... te dan a entender que es debido al místico arte de Wudan). Es escurridiza y letal, pero también, sumamente tramposa (estaríamos hablando de una Ninja si la historia estuviese ambientada en Japón). Como buena discípula Bi Jen Hu Li (Zorra de Jade), Jiao Long ha aprendido que, lo más importante no es pelear limpio, sino vencer, por lo cual no tiene el mínimo reparo en atacar por la espalda o sacar trucos de la manga si es necesario; sin embargo, es un recurso poco recurrente, pues Jiao Long es ese tipo de personajes a los que les encanta jactarse de sus propias habilidades.

Su gran punto débil, es su falta de cautela. Es sumamente impulsiva, casi tanto como su maestra. Toma decisiones sin reflexionar demasiado en las consecuencias y suele dejarse llevar por sus instintos. Esto no sólo le resta puntos en el combate, sino también en sus decisiones de vida. Sin duda, es un personaje al que se admira por su fortaleza y espíritu combativo, pero que llega a ser tan pero tan necio en su afán individualista, que sus acciones tener costos tan caros como el verdadero amor… o la vida de un gran maestro.

(La mejor escena de acción según el Oscar.)

La actriz

Jiao Long es interpretada por Zhang Ziyi, multipremiada actriz china que ha trabajado con tan reconocidos y tan distintos entre sí, como Zhang Yimou, Wong Kar Wai… o Steven Spielberg. Inicialmente, Ang Lee pretendía contratar a una actriz china más conocida (en esa, Zhang Ziyi no era lo famosa que es ahora), pero se las jugó por ella, sorprendido por su interpretación en El Camino a Casa, de Zhang Yimou.

Para interpretar a Jiao Long, Zhang Ziyi tuvo que pasar un mes entero practicando los movimientos de Artes Marciales, que nunca antes había practicado en su vida; lo que le facilitó las cosas fue el hecho de ya haber practicado baile y gimnasia. Gracias a este papel, la actriz recibió 3 premios importantes: Mejor actriz de reparto por la Toronto Film Critics Association, Runner-up para la mejor actriz secundaria por The L.A. Film Critic's Association, y la mejor escena de lucha en los MTV Movie Awards. Por si fuera poco, El Tigre y el Dragón recaudó 130 millones de dólares en la taquilla estadounidense y tuvo 10 nominaciones al Oscar (de las cuales ganó 4), lo cual convirtió a Zhang Ziyi en una estrella internacional, participando más adelante en otras películas reconocidas como Héroe, 2046, La Casa de las Dagas Voladoras, o Memorias de una Geisha.

El mundo según Larry Clark

Apesta a espíritu adolescente

Por: Juan José Sandoval

Es tan polémico como sus películas. Ha sido acusado de hacer apología a la pedofilia, de ser un pornógrafo insolente y amoral, de incestuoso, de ordinario. Pero a él solo le importa retratar la adolescencia yanqui contemporánea y así documentar la cotidiana decadencia del futuro estadounidense.

Se computaba un hijo de puta total. Había estado dos años en la guerra de Vietnam, una breve temporada en la cárcel por tenencia de armas y varios meses en clínicas de desintoxicación. Decidió aplacar su mal carácter con sexo duro y heroína, hasta que cogió una cámara de fotos y probó el oficio de su padre: capturar la realidad en blanco y negro. Fotografió a sus amigos yonquis mientras tenían sexo y se inyectaban heroína, y así nació su primer libro de fotos Tulsa, como el nombre de la ciudad de Oklahoma en la que nació en 1943. Desde entonces, Tulsa ha sido la inspiración de películas como Taxi Driver de Martin Scorsese (donde Clark se encargó de la fotografía), Rumble Fish de Francis Ford Coppola, Drugstore Cowboy de Gus Van Sant y Bullet Ballet de Shinya Tsukamoto. Además, ha sido considerado por el International Photography Center de Nueva York como uno de los cineastas más importantes de la segunda mitad del siglo XX.

Sus siguientes libros, Teenage Lust y Perfect Children, continuaron retratando el uso de drogas, los fletes y los medios de comunicación en la cultura juvenil. Y fue a inicios de los noventa que ingresa al mundo de la dirección con el video de la canción Solitary Man, de Chris Isaac.


Dejad que los niños vengan a mí (para filmarlos desnudos)

A inicios de los 90 dirige su primer trabajo audiovisual, el videoclip de la canción Solitary Man, de Chris Isaac. Por esta época también conoció a Harmony Korine1, el skater de 19 años con quien Clark escribió el guión de su primera película, Kids, escandalosa ópera prima estrenada en el 95, con la cual detonó la crítica que abanderó el cine independiente en la década del grunge.

Kids presenta a Telly y Casper (Leo Fitzpatrick y Justin Pierce), dos adolescentes vagos y malandrines que viven obsesionados con el sexo. Telly es un coleccionista de vírgenes y Casper, que se pasa el día borracho, goza oliéndole los dedos a su amigo. Jenny (Chloe Sevigny) es una chica que no ha puede olvidar su primera vez con Telly, hasta que se entera de que ha sido contagiada del VIH en su debut, por lo que emprende una búsqueda desesperada que termina convirtiéndose en el trip paralelo de la película. Mientras estos muchachos son retratados en sus correrías juveniles con el skate, la cerveza, el hip hop, la marihuana, el punk y la jerga insolente; el VIH se convierte en la médula de la historia.


Su estreno en 1995 fue una llamada de atención al mundo. Por eso resultó irónico que la distribución de Kids haya estado a cargo de una subsidiaria de Walt Disney.

Ken Park registra los desencuentros familiares de un grupo de chiquillos de California y las consecuencias de ese caos doméstico. Tate (James Ransome) vive insultando a sus abuelos hasta que los acuchilla excitado mientras duermen. Claude (Stephen Jasso) es un tímido muchacho que sufre las agresiones sexuales de su violento padre. Shawn (James Bullard) mantiene relaciones con la mamá de su novia. Y Peaches (Tiffany Limos), quien vive con su ultrareligioso padre, practica juegos eróticos hasta que es "ampayada" por éste justo cuando tiene a un amigo amarrado en la cama. El padre, que es viudo y vive rememorando la belleza de su difunta esposa, termina vistiendo a su propia hija con el vestido de novia de su madre y casándose con ella en una bizarra e imaginaria ceremonia coronada con toqueteos incestuosos. Finalmente, Ken Park, quien da inicio y fin a la película, es un muchacho que vive atormentado por el embarazo de su novia, motivo por el cual decide pegarse un tiro en la sien mientras se graba a sí mismo en medio del skatepark, ecosistema urbano que el director usa como tópico de sus entregas cinematográficas y que se suman a la actual cultura hip hopera.

También están los chicos de Another Day in a Paradise, que viajan en auto y en ácido para hacer negocios con drogas y armas en otra ciudad. O los chicos de Bully, que eligen el camino asesino que los llevará a la cárcel. O los skaters latinos en Wassup Rockers, que salen del gueto para patinar en las zonas pitucas de Los Ángeles, donde descubren el amor pero también la muerte y la humillación, la discriminación que se practica en lo más bajo del estatus inmigrante, ya no del chicano de México, sino de los centroamericanos sin identidad: nicaragüenses, guatemaltecos y salvadoreños, chiquillos metaleros de apellidos “exóticos” y procedencia “indigna”.

Bellos y malditos

Al igual que Gus Van Sant y Todd Solonz, las películas de Larry Clark generan un inevitable cuestionamiento sobre el nihilismo adolescente. Pero lo que resulta fascinante en su filmografía no es esa decadencia infantil. Clark está más al tanto de la bella anatomía de sus púberes criaturas que de su oscuro comportamiento, y no puede evitar convertir a esos pequeños monstruos en íconos de lo bello y lo maldito. Sus historias, por otro lado, están intoxicadas por grandes dosis de realidad. Tragedias como la ocurrida hace diez años en Columbine High School, en la que dos estudiantes asesinaron a 20 personas y luego se suicidaron, demuestran que la podredumbre de la sociedad estadounidense –que fomenta la derrota como “pecado”– es su mejor inspiración (basta recordar el suicidio grabado de Ken Park). El mismo Clark se mostró consternado en una entrevista concedida a New York Magazine en marzo del 2005, un día después de que una adolescente de 15 años fuera asesinada de un balazo en la cabeza en el Locke High School de Los Ángeles. Ese mismo día Clark había estado con uno de los alumnos de esa escuela (por ese entonces filmaba Wassup Rockers en ese centro educativo) ayudándolo con los deberes. Su sorpresa venía de que el muchacho en cuestión parecía más abrumado por aprobar uno de sus cursos que por lo ocurrido en su escuela. El chico no le comentó nada al director. “Ni una palabra! ¿Puedes creerlo?” le grita un alarmado Clark al periodista David Amsden.

Pero en sus películas baja la voz para registrar a una generación abanderada por el desencanto y la perdición adolescentes que caminan hacia el fracaso siguiendo un camino histórico trazado por sus propios padres, alcohólicos degenerados que hallan en sus hijos la torpe idea de superar su mediocridad mediante una buena golpiza. Y ahí vemos, absortos y serenos, la destrucción de las relaciones familiares, una malentendida masculinidad, los vínculos con los medios audiovisuales, el racismo multidireccional y la construcción de la identidad adolescente cargada de rock, rubias quinceañeras mononeuronales anfetaminas, surf, tronchos como habanos, y skateboarding para desfogar la angustia de existir. Al menos cuando lo logran, porque el suicidio es siempre una mejor opción.


PASTILLAS PARA HUNDIR LA MORAL

(Filmografía básica de Larry Clark)

• Kids (1995)
  
  
• Another day in a paradise (1998)
  
  
• Bully (2001)
  
  
• Teenage Caveman (2002)
  
  
• Ken Park (2002)
  
  
• Wassup Rockers (2006)
  
  
• Destricted (2006, donde varios directores reconocidos hablan del arte y la pornografía).

*Nota: Si quieres leer más textos de Juan José Sandoval, te invitamos a visitar su blog: http://www.juanjosesandoval.com/

10 personajes de Cine con los que NO quieres chapar en San Valentín (o nunca)

Por: Alexiel Vidam

Si te deprimiste por pasártela “forever alone” este San Valentín, y reniegas porque te quedaste con las ganas de unos buenos “chapes” (besos, para quienes no sean "made in Peru"), éste post es para ti. ¡No suuuuuuuuuuufras! En serio, te digo que a veces es mejor agarrar con tu amiga “Manuela Palma”, que un intercambio de saliva con ciertos personajes… A continuación, te presentamos 10 personajes del Cine con los que, definitivamente, NO QUERRÍAS AGARRAR.

Ari (El Planeta de los Simios):

A mí siempre me ha gustado Helena Bonham Carter… y pienso que a más “trash” se ve, más atractiva es, pero, definitivamente, en este papel perdió todo su sex appeal… No sé qué le pasó a Tim Burton para querer hacer chapar al personaje con una mona… no lo entiendo, en verdad. Se nota que hizo todo lo posible por convertirla en una mona guapa, pero le salió el tiro por la culata… Sorry Tim Burton, pero la zoofilia NO PONE.


Eduardo Manos de Tijeras (El Joven Manos de Tijeras):

Seguro que a much@s de ustedes, este chico les parecerá “lindo”, encantador, tierno, blablablabla… ¿Les digo una cosa? A mí también. Provoca besarlo de pura conmoción que causa, pero el problema… son sus manos. No gente, no conviene encariñarse mucho con este muchacho, y menos tratar de robarle un beso… vaya a ser que se emocione y también nos quiera plantar un abrazo…


Gogo Yubari (Kill Bill):

Ya sé que muchos fantasean con esta colegiala ponja sumamente sexy… Lo seeeeeeeeee! Lo seeeeeeeeeee! Puedo ver en sus caras sus fantasías más mórbidas… pervertidos! Peor si tienen fetiche con las chibolas. Pero yooooooooo le digo, niiiiiiiiiiiii se la piensen. Que a esta chica no hace falta besarla; a ella es peligroso hasta invitarle una chela. ¿Recuerdan lo que le pasó a ese chino dientón que se atrevió a ponerle sus asquerosos ojos encima?... Bueno, a la jovencita se le subió el trago, y luego de un amenazador: “¿Quieres penetrarme?”, ella lo penetró a él… pero con una espada y en el estómago.


Dr. Hannibal Lecter (El Silencio de los Inocentes, Hannibal, El Dragón Rojo):

¿Qué te puedo decir de Hannibal Lecter?... Todos lo conocemos. Dale un chape, y te comerá la boca, la lengua… y seguro también todo lo demás.


Scarlett O’ Hara (Lo que el Viento se Llevó):

Podríamos considerar a Vivien Leigh, quien interpretó a Scarlett O’ Hara en “Lo que el Viento se Llevó”, como una de las actrices más hermosas de toda la historia hollywoodense. Seguro que si viste la pela, quedaste, por lo menos, impresionado por la belleza de su protagonista. Sin embargo, si realmente prestaste atención a la pela y no te quedaste todo el rato mirando a Scarlett con cara de idiota, habrás notado que, en definitiva, NO era un buen partido. Luego de haber perdido prácticamente todos sus bienes a causa de la guerra de secesión, Scarlett se tomó MUY PERO MUY en serio eso de no volver a pasar hambre, de modo que un chape podría costarte todo lo que traigas encima… puede que cuando hayas terminado de chapar, te encuentres calato en plena calle… salvo que, qué se yo, te apellides Rockefeller, y lo recuperes todo en dos patadas.

Drácula (Drácula… en todas sus versiones):

Salvo por la versión de Drácula “Nosferatu”, creo que todos los Dráculas son atractivos… Béla Lugosi, Christopher Lee, Gary Oldman… etc, etc. Pero ya sabes cómo es el tema con los vampiros… un besito, y literalmente, te dejan sec@. Así que, salvo que seas dueñ@ de un banco de sangre, no te lo recomiendo.


Rogue (X-Men):

Aquí, otra chica guapa a la que seguro tendrás muchas ganas de besar. Es más, seguro te impresiona más si te digo que sus besos te dejan muerto. Lamentablemente, cuando te digo que te dejan muerto, es porque literalmente, te dejan muerto. Rogue chupa toda tu energía con el contacto físico… Así que, si ya era mucho pedir un besito, mejor ni te imagines más.


Mia Jones-Wallace (Pulp Fiction):

Sí, Uma Thurman se ve realmente sexy con el pelo negro… y más bailando twist sin tabas con John Travolta. Si la mantienes alejada de las drogas, seguramente sería una excelente compañía (además, te llevará a comer las mejores hamburguesas y la cuenta te saldrá gratis), y, de hecho, un buen “agarre” (enfatizamos en que la alejes de las drogas, porque sino, puede que luego tengas que resucitarla con una inyección de adrenalina). El problema no es Mia, el problema, es el mastodonte de su marido, Marcellus Wallace. Marcellus es un Othelo gangster… un masajito de pies a su mujer, y te lanza por la ventana (no es broma, no te metas con Marcellus).


La Antorcha Humana (Los 4 Fantásticos):

No puedo negar que Johnny, la “Antorcha”, es guapo. Es evidente, está churro el chico. Bonita cara, un cuerpazo, bastante hot… el problema, precisamente, es que es DEMASIADO HOT… tanto, que de un chape, te puede incinerar. Lindo.


Dementor (Harry Potter):

Si alguna vez soñaste con el beso del "príncipe azul"/la "damicela peligro", éste papirriqui te regala un chape, y te roba todos los sueños (menos ése en el que aparece tu suegra)… y, de postre, se traga tu alma. Pero, ¿verdad que es sexy?

Humor Cinéfilo: ¿Feliz? Día de San Valentín

En Cinematosis nos pusimos cursis, y decidimos obsequiarles esta hermosa tarjeta de San Valentín, con una de las escenas más románticas y conmovedoras del Cine. Cooooooooooooooooon ustedeeeeeeeeeeeeesssssssssssssssss... El beso del Dementor!! (No me digas que no vistes Harry Potter, porque no te creo... lo amas o lo odias, pero que lo manyas, lo manyas.)

Gracias una vez más, a Carlos Lavida por regalarnos un poco de humor ácido.


*Nota: Si quieres ver más diseños y dibujos de Calos Lavida, te recomendamos visitar su blog: http://carloslavida.blogspot.com/

Sexo, drogas, y Rock' n Roll

Casi Famosos... ¿Ya estás en la onda?

Por: Alexiel Vidam

Vi Almost Famous (Casi Famosos) por primera vez allá por el año 2000, en el cine, luego de haber renegado mucho porque era de una de esas salidas familiares y yo quería entrar a ver El Tigre y el Dragón, pero mayoría gana, y mis viejos, y abuela no estaban muy interesados en entrar a ver una película china con muchos golpes y patadas aéreas. Si entré al cine picona… debo admitir que salí piconaza, porque, para colmo, la película me había gustado (lol). Años más tarde, la recordé, la descargué, y me envicié, como buena aficionada al Rock n’ Roll, y desde ahí, la he visto unas 3 o 4 veces más…


La adolescencia y el Rock n’ Roll

1973. William Miller (Patrick Fugit) es un muchacho de 15 años, que ama el Rock ’n Roll, y vive una adolescencia un poco complicada. Su madre es una maestra de universidad, preocupada por que el muchacho se convierta en un gran abogado y no siga la "onda" de la época, pues considera que sólo hablan de drogas y sexo libre. Su hermana mayor, Anita, hace años que se fue de la casa, hastiada de que su madre no le permita escuchar su música y la tome por una rebelde sin causa. Es el típico “chancón”; no consume drogas, saca las mejores notas a pesar de estar dos años adelantado en la escuela, y escribe artículos para dos publicaciones del instituto… lo cual, le ha convertido en el más odiado por sus compañeros.

Pero todo no podía ser malo para el pobre William. Su talento despierta el interés de los editores de la revista Rolling Stone, quienes deciden encargarle un artículo sobre la nueva banda en ascenso: Stillwater, lo cual implica irse de gira con ellos, interactuar, observarlos de cerca, y tomar nota de cada detalle.

En plena misión, William conoce a Penny Lane (Kate Hudson), la encantadora “líder de las banderas”; ellas no se sienten simples groupies, sino las verdaderas amantes de la música y musas inspiradoras de los rockeros. Penny ha estado liada con Russell Hammond (Billy Crupdcup), guitarrista de Stillwater, quien, al notar el cariño que siente ella hacia el chico, trata de hacerse su amigo, para lograr que convenza a Penny de acompañarlos en la gira, y de que éste escriba un artículo haciendo quedar bien a la banda.


Para el nuevo amigo de William, el crítico de música Lester Bangs (Philip Seymour Hoffman), en 1973 el Rock n’ Roll está en muere, pega sus últimos gritos… los rockeros ya no hacen música por música sin que están más interesados en hacerse famosos y ganar dinero; destruyen la música. Por eso, “si quieres ser periodista de verdad, periodista de rock(…) tienes que guardar una reputación, siendo honrado y, en fin… despiadado”. William descubrirá lo difícil que es seguir su consejo, en medio de todo ese alboroto de luces, estrellas, y seductoras groupies…



Lo que más me gustó

Todas esas referencias a los grupos de Rock’n Roll sesenteros y setenteros, el “feeling” reflejado de una época en que de verdad la gente se desvivía por la música, a la cual consideraban una filosofía, una forma de vida. Tiempos en los cuales una canción era motivo para irse de casa, volverse vegetariano o faltar a la ceremonia de graduación. Los protagonistas de “Almost Famous” interactúan y aman a Bowie, a Led Zeppelin, a Deep Purple, a The Doors… Hay una clara referencia a Jim Morrison gritando “soy el rey lagarto” colgado de una reja en esa parte en que Russell Hammond se encuentra a punto de brincar a una piscina desde el techo de una casa y grita “¡SOY UN DIOS DORADO!”, completamente alucinado por altas dosis de LSD. Se dice, además, que Stillwater está inspirado en The Allman Brothers Band, dado el parecido físico entre Russell y el guitarrista Dickey Betts. Además, se sabe que Cameron Crowe, director de la película, escribió para la revista Rolling Stone durante su adolescencia, de modo que el film sería una semi-autobriografía sobre sus correderas detrás de sus héroes musicales.

"¡¡¡SOY UN DIOS DORADO!!!"

Quiero destacar también el encanto del personaje principal, un joven desadaptado, sensible, extrañamente noble y responsable para una generación sumamente alocada, a quien, sin embargo, les fascina la música, y tiene sentimientos encontrados hacia las estrellas, a quienes admira, pero a la vez siente repudio por su superficialidad y el caos en medio del cual se movilizan. Es el hijo de un tiempo delirante y de una madre conservadora. No reconocido por el primero, y sobreprotegido por la segunda, un chico fascinado por una era que lo trata salvajemente.


Por último, si tuviese que quedarme con una escena, me quedo con esa en la cual Stillwater s encuentra viajando en su nuevo jet privado (luego de haber cambiado a su antiguo manager por uno que les prometía más ganancias), y se ven en medio de una turbulencia que amenaza sus vidas; ese momento en el cual, sintiéndose al borde de la muerte, todos empiezan a revelar sus secretos más ocultos, siendo imposible no arrancarnos más de una carcajada.



Lo que no me gustó

¿Qué no me gustó? Muy poco, en verdad. No me gustó no ver a ninguna de las bandas de las cuáles se habla, decentemente representada. Aparece "Bowie", es verdad, pero ni siquiera se le ve de espaldas. Sólo se ve su peluca naranja por debajo de una capa, siendo jalado por su manager, lo cual nos hace sentir que, evidentemente, el verdadero Bowie no se encuentra ahí. Creo que el hecho de que no hubiese un cast de actores selecto para representar siquiera a un par de grupos o cantantes de los cuáles se habla, le resta cierta verosimilitud al film… como que… “Ok, Led Zeppelin, ¿pero cuándo los vemos?”… Como que falta, ¿no? Se comprende la necesidad de ajustar un poco el presupuesto… pero eso, como que deja un huequito.

De todos modos, esto es mínimo para lo que la película ofrece, así que véanla, y si pueden verla en Blue Ray y pantalla grande, mejor. Aquí les juego el dato de un evento que ofrece ambas cosas: https://www.facebook.com/events/187971494636444/

Amor a golpe de Jazz

Por: Efraím Suárez

Una de las grandes sorpresas de los Oscars de este año fue la nominación a mejor película de animación española Chico y Rita, un film de Fernando Trueba (Belle Époque, Two Much, El embrujo de Shangai) y Javier Mariscal (diseñador conocido por haber creado, entre otras cosas, a Cobi, la mascota de los JJOO del 92). La película, lejos de la animación en 2D o tradicional y la sobreexplotada animación 3D, ha sido creada utilizando rotoscopia (técnica que se basa en tomar una base real -fotograma o modelo 3D) sobre la que se dibujará, añadiendo efectos o simplemente para dotar a los movimientos de la animación posterior de naturalidad-) un recurso que, aunque se usa a menudo en cine y videojuegos, no es muy común verla en todo su esplendor en la pantalla grande. Precisamente por ese toque original merece la pena verla… aunque luego la historia en sí y la música terminen por atraparnos.

De música… y amor

Porque no nos engañemos, la historia de estos dos amantes es una excusa para mostrarnos, a través de sus desventuras, un retrato musical, social y cinéfilo de la época en la que vivían (finales de los 40 y década de los 50). Con ellos viviremos el auge del bebop y del latin-jazz, y se nos mostrarán escenas de películas tan memorables como son Casablanca o El Padrino mientras se nos ofrecen trazos de la vida en sociedad de esos cubanos que buscaban el éxito en la gran manzana. Y, en el fondo de toda esa vorágine, la peculiar trama amorosa que unirá a Chico y Rita a lo largo de cincuenta años de sus vidas y que se entremezcla con la creación de una melodía desde sus primeras notas hasta los últimos arreglos que la devolverán a la vida.



¿De qué va...?

Chico vive en la Habana, un viejo más que trabaja lustrando zapatos en la calle, pero que posee un pasado que lo ensalzaba como el más grande pianista de la isla. Él, como muchos de los músicos de la época, soñaba con abandonar Cuba y dirigirse a New York, donde todos los grandes (Dizzy Gillespie, Chano Pozo, Charlie Parker, Thelonious Monk) habían comenzado a establecer los nuevos ritmos del jazz-latino y del bebop. Es mientras busca una manera de alcanzar su sueño que conoce a Rita, una joven que se gana la vida actuando en clubs y bailes. Ambos se enamoran en el acto, pese a las mutuas reticencias, y él comienza entonces a componer la que sería la obra de su vida “Rita”.

Reencuentros y desengaños se suceden a medida que ambos van consiguiendo la fama en la ciudad cubana hasta que Rita, con el corazón roto, firma un contrato que la llevará a New York para convertirse en una gran estrella del espectáculo.

Tiempo después y apenado por su actitud, el propio Chico venderá todos sus bienes e irá a buscarla, abrazando un sueño que ha perdido su lustre si no lo comparte con ella. Rita lo vuelve a rechazar y ambos viven sus respectivos momentos de gloria separados, hasta que el destino y aquella canción que Chico había empezado a componer en la Habana, vuelve a unirlos… Aunque esta vez tampoco será para siempre.


De números y letras

Lo cierto es que esta película, pese a la buena crítica obtenida, no tuvo mucho éxito en taquilla, básicamente porque no todos los cines españoles la colocaron en cartelera y aquellos que lo hicieron la quitaron enseguida. No ocurrió lo mismo con su banda sonora, que se convirtió en éxito de ventas en España tras su lanzamiento y que fue calificada como una de las mejores bandas sonoras de jazz de las últimas décadas.

Pese a esa falta de éxito, al film se le galardonó con varios premios (Goya, premio de Cine Europeo, FIFA, Ánima, HAFF y premio CineEuropa 2010) y fue nominado a otros tantos, consiguiendo un renombre a nivel internacional que no influyó demasiado en las recaudaciones globales.

Bien es cierto que este tipo de cine “experimental” no suele tener mucha acogida (ya había ocurrido lo mismo en 2006 con A Scanner Darkly, cuya recaudación final no alcanzó para amortizar el coste de la misma) debido a lo extraño que nos resulta, aunque bien es cierto que dicha impresión es momentánea y desaparece a medida que nos vamos adentrando en la historia.

Sobre el uso del rotoscopio, hay que admitir que el dibujo no es todo lo limpio que podría llegar a ser, siendo en muchos momentos incluso caricaturesco, pero dicha ausencia de detalles termina por centrar nuestra atención en la ambientación y en la música que inunda la cinta algo que, según el director, es mucho más importante que los detalles superfluos e irrelevantes para la trama.

El resultado final es una historia aceptable, que peca de simpleza en muchos momentos, pero con una gran banda sonora que lleva el peso de la narración y que la convierte en algo que merece ser digno de ver.

Por cierto, los reto a buscar todos los personajes famosos que surgen durante la película. Son más de los que podrías imaginar.

*Nota: Si quieres leer más textos de Efraim, te recomendamos visitar su blog: http://adspeculum.blogspot.com/

A que no te la sabes

Por: Alexiel Vidam

El mundo del Cine, y sobre todo las filmaciones de las películas, está lleno de anécdotas y datos curiosos que muchas veces no son conocidos por el público. En Cinematosis estrenamos esta nueva sección, dedicada a investigar estos detallitos interesantes, y servírtelos para saciar tu curiosidad.


Cuando el personaje se traga al actor

Para el actor húngaro Béla Lugosi, el papel de Conde Drácula, significó tanto el estrellato cinematográfico, como el principal motivo de su posterior decadencia y depresión. Había interpretado al personaje en los teatros de Broadway, lo cual le valió el papel principal en la libre adaptación de 1931 sobre el legendario vampiro de Bram Stoker. Gracias a esto, Béla se despegó como actor. Se metió tanto en el personaje que se llegó a rumorear que el actor era realmente un vampiro (además, su marcado acento, pegaba perfecto con el papel). Lamentablemente, Drácula tomó control sobre Bela. Apareció interpretándole muchas veces más, y al público le fue muy difícil poder identificarlo con otros personajes. Poco a poco, Béla fue creándose y creyéndose su propio mito, tomando actitudes bastante excéntricas, como dormir en ataúdes o aparecer en las fiestas de Hollywood vestido de Drácula (cuentan las malas lenguas que también se le dio por beber sangre). Después de 1948, Béla desapareció de la pantalla grande; muchos llegaron a decir que había muerto, pero la verdad es que se hallaba deprimido y adicto a la morfina. Fue “rescatado” en 1953 por Ed Wood, conocido como el peor director de la historia del Cine, quien le dio una serie de papeles secundarios en sus terribles películas. Cuando murió, de un ataque al corazón en 1956, Béla pidió que lo entierren con su traje de Conde Drácula.


El rockero Robert Paulson

¿Recuerdan a Bob, el gordito buena onda de “El Club de la Lucha” (Fight Club)?... Sí, ése que había tomado tantos esteroides que había desarrollado tetas, y que conoció al protagonista en el grupo de cáncer de testículos cuando éste andaba de turista en los grupos de autoayuda. Bueno, éste señor, además de actor, es un exitoso cantante de Hard Rock estadounidense, conocido en el medio musical como “Meat Loaf”. Se sabe que, para interpretar a Robert Paulson (Bob), tuvo que utilizar un arnés de más de 40 kilos, para simular los pechos del pobre personaje.


¿Dónde está el bar de Rick?

“Casablanca”, uno de los clásicos del cine, tiene varios datos y rumores curiosos. Los hechos de la historia ocurren principalmente en el bar de Rick Blaine (Humphrey Bogart), quien se reencuentra con su amada Ilsa (Ingrid Bergman), y la desagradable sorpresa del esposo de ella: Victor Laszlo (Paul Henreid). Rick se encontrará atrapado entre el amor, el dolor, y la ira, especialmente cuando se le pide que ayude a Lazslo a obtener una visa para escapar de los nazis. El bar de Rick, en la película, se encontraba en Casablanca, ciudad en África a la cual llegaban todos los franceses que buscaban escapar a Estados Unidos durante la II Guerra Mundial. Si bien la película fue íntegramente en los estudios de Hollywood, los turistas que visitaban Casablanca, pedían la ubicación del bar de Rick (el cual, obviamente, no existía), por lo cual el municipio terminó construyendo dos bares frente a la plaza, uno de ellos fue bautizado “Rick’s Bar”. Otros rumores interesantes señalan que la parejita principal, Bogart-Bergman, a pesar de su destacable química en la pantalla, no se llevaba para nada bien en la vida real, y que tuvieron varios conflictos durante el rodaje. También se dice que ninguno de los dos supo cuál sería el final de la película hasta que fueron rodadas las últimas escenas; este rumor surgió de unas declaraciones de la actriz señalando que no sabía de qué hombre debía enamorarse.


El “bledo” más caro de todos

“Lo que el Viento se Llevó”, la película que consiguió más premios Óscar en la historia del Cine hasta que llegó Titanic y consiguió igualarla, tuvo que enfrentar algunos rollos con la censura de la época. Hoy en día, la frase final de Rhett Butler (Clarck Gable), “Francamente querida, me importa un bledo” (“Frankly my dear, I don’t give a damn”) , seguramente nos causaría hasta gracia por lo medida, pero en los años 30, ésta representaba un insulto bastante fuerte, por lo cual, David O. Selznick, director de la película, tuvo que pagar una suma importante de dinero a los censores para que permitiesen que la frase quede tal cual. Por si aún no han tenido la oportunidad de ver este clásico del Cine, Rhett Butler la pronuncia durante los últimos minutos del filme, cuando decide abandonar a la manipuladora y caprichosa Scarlett (-Vivien Leigh- la protagonista). Ella, al verle a punto de irse, intenta detenerle… “¿A dónde iré? ¿Qué haré?”… “Francamente querida, me importa un bledo”. Posteriormente, esta frase ha pasado a ser parte de la cultura popular anglosajona.


Un rodaje verdaderamente terrorífico

Si te asustaste, con “El Exorcista”, déjame contarte que los actores y miembros del equipo de producción, estuvieron diez veces más asustados que tú, meándote de miedo desde la comodidad de tu sofá, viendo cómo a la mocosa poseída le daba vueltas la cabeza, comía moscas, y vomitaba una porquería verde. ¿Apareció el diablo durante el rodaje? No sabemos… pero haya sido el diablo o algún envidioso productor de la competencia, el set se incendió, lo cual retrasó la filmación por seis semanas. Se velaron los rollos sin razón aparente, y se dieron una serie de accidentes que involucraron a varios miembros del equipo técnico. El actor Jack MacGorwan, que interpretaba a Burke Dennings y murió afectado por una epidemia de gripe poco después de terminar sus escenas, y varios familiares de los actores fallecieron poco antes o poco después del estreno de la película… Tan grande fue la conmoción durante el rodaje, que el director Friedkin tuvo que llamar a un sacerdote para que bendiga a los miembros del equipo.

Humor Cinéfilo: "Ampay Demi Moore!"

Nuevamenete, Carlos Lavida nos trae un poco de humor cinéfilo. Esta vez, tomando como excusa el reciente video de la actriz Demi Moore, con 19 años de edad, besando a Philip Tanzini, su compañero en la telenovela Hospital General. Las malas lenguas andan diciendo, que desde aquel entonces a la ex esposa de Ashton Kutcher ya le gustaban menores...

(Si quieres conocer más de cerca el trabajo del diseñador y dibujante Carlos Lavida, no dejes de visitar su blog: http://carloslavida.blogspot.com/)