Artistas de la escena nacional estarán presentes en el Tono Cinematosis

Actores de la talla de Vanessa Saba, el director Frank Pérez Garland, Giovanni Ciccia, “El Jaguar” Juan Manuel Ochoa, Sasha Settembrini, Ximena Díaz, Sandra Muente, entre otros, han confirmado su asistencia al Tono Cinematosis 2016, la fiesta más esperada por todos los cinéfilos.

Esta fiesta, pensada especialmente para fans peliculeros, se contará con una decoración temática especial diseñada por la arquitecta Camila Gálvez. La carta estará completamente tematizada; en ella podrás encontrar tragos como la “Estrella de la muerte” (te manda directo al Lado Oscuro) y el “Terminator” (suave con el “hasta la vista baby”).

Para encender el espíritu rockero, estará presente la banda Dietéticos, que hará tributo a los mejores temas de Soda Stereo en su etapa ochentera. Además, habrá sketchs de tus películas favoritas, desde Star Wars, hasta el musical Grease. Para eso, se ha contado con el apoyo del grupo teatro Multiarte, y los grupos de cosplay Marvel Perú y JDOS Producciones.

Para que tú también te sientas parte de una película, podrás participar -si así lo deseas- en el concurso de disfraces, y bailar al ritmo de los mejores soundtracks, música rock, pop, indie, 80s y naintis a cargo de DJ Joaco Ahumada.

Por si fuera poco, los chilcanos son libres hasta las 11:00 pm, habrá una ronda de bocaditos gratis y todas las entradas entran a sorteo de premios.

¡No te puedes perder esta fiesta del séptimo arte! La cita es el viernes 30 de septiembre a partir de las 9:00 pm en Oliver Club de Miraflores (Bolognesi 299). Las entradas ya están a la venta a través de Atrápalo, Joinnus o de los contactos que aparecen aquí: http://bit.do/CinematosisEntradas.

Evento de facebook: http://bit.do/TonoCinematosis2016.

Para más información, atento a las redes de Cinematosis:

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Auspician: Marvel Perú, JDOS Producciones, Petty Publicidad, Flores Brothers Producciones, XTN!, Editora Vuk, La Mamacha Pop, Zombie Shop, Libros Delivery Librería, Multi-Arte, La Romana, Servitours, Juguetes Insanos, J&Clasa Impresiones, Clean&Clean, Tridamia, Pop Art, Pisco Tres Generaciones, Camila Gálvez, Pride Producciones y A&R Sonido y Luces.

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En Vitrina

Quentin Tarantino, el “niño terrible de Hollywood”

Por: Alexiel Vidam

Ganador de dos Oscar, el Globo de Oro, la Palma de Oro y el Premio BAFTA, Quentin Tarantino es uno de los directores más destacados y representativos del cine norteamericano. Cuenta con un estilo particular, propio, que combina elementos de la cultura pop y hace homenaje a varios géneros de culto.

Quint (Gunskmoke)

La vida de Tarantino es, por lo menos, igual de irónica que sus guiones. Nacido en Knoxville, Tennessee, el 27 de marzo de 1963, Tarantino parecía estar marcado por la cultura pop desde su nacimiento, ya que sus padres le pusieron “Quentin” en honor a un personaje televisivo: el herrero mestizo Quint, interpretado por Burt Reynolds en la serie Gunsmoke (1955-1975).

No se crió junto a su padre; éste se separó de su madre antes de que él naciera. Mas bien, creció con esta última y su nuevo marido en Los Angeles, en los barrios de Torrance y Harbour City, donde a menudo interactuaba con los negros, llegando a familiarizarse con sus modos y formas de hablar. Vale decir que su cercanía con el cine de Artes Marciales también parte de allí, ya que estas películas se seguían exhibiendo en los barrios afroamericanos aun cuando la fiebre del Kung Fu ya se había enfriado. En aquella época ya acostumbraba leer historietas pulp* y escuchar rock, en gran medida, por influencia materna.

"Pulp" se refiere a historias y comics de ficción de impresión barata
y temas extravagantes.

A los 15 años, demostrando  desde ya su espíritu rebelde, abandonó los estudios superiores para pasar a ser acomodador en un cine porno. Por el contrario de lo que podría esperarse, a Tarantino no le gustó este empleo. El trabajo en el que se sintió como pez en al agua –antes de ser director- fue el que obtuvo en el videoclub de Manhattan Beach a los 22 años, donde desarrolló realmente su pasión por el cine. En paralelo, se creó un falso CV como actor, que incluía haber participado en la película King Lear, de Jean-Luc Godard, 100% seguro de que en Hollywood nadie conocía esta película. Paradójicamente, en 1985 consiguió aparecer en televisión, en una serie llamada Las Chicas de Oro, donde imitó a Elvis Presley.

"Ampay" Tarantino

Durante su desempeño en la tienda de videos, conoció también al hoy reconocido director Roger Avary (en aquel entonces estudiante de cine), y al productor John Langley, quien contrató a ambos como asistentes para su película Maximun Potential (1987), un filme sobre body building, boxeo y Artes Marciales.

Las películas de Artes Marciales también marcaron el estilo de
Tarantino.

Pero los 80s fueron importantes no sólo por el hecho de sentirse a gusto recomendando películas o asistiendo en producción. Lo fueron, sobre todo, porque fue la época en que empezó a escribir guiones. De inicio, fue un período frustrante; al parecer, a nadie le importaban sus historias. Con mucho esfuerzo, logró finalmente vender el guión de True Romance y Natural Born Killers a Tony Scott y Oliver Stone respectivamente, con lo cual pudo hacer caja para rodar su primera película estrella: Reservoir Dogs. Vale decir, no obstante, que los resultados finales de True Romance y Natural Born Killers no gustaron en absoluto a Tarantino, quien sólo figuró en los créditos como autor de la idea original.

Reservoir Dogs

La línea de Quentin

Tarantino demuestra versatilidad al haber participado en películas como Four Rooms o Sin City, que se alejan de su estilo más personal y de culto. Algo similar ocurre con su tercera película: Jackie Brown, que presenta a sus recurrentes personajes ilícitos, pero cuenta con una estructura clásica y poca violencia (o poca para ser Tarantino).

A pesar de ello, Tarantino prefiere seguir una línea propia, con sus propias características: protagonizadas por delincuentes, estructura narrativa no lineal (no siguen el orden tradicional de inicio-nudo-desenlace), sobredosis de violencia (clara influencia del cine gore), y sobre todo, un guión plagado de diálogos sumamente irónicos. ¿A qué me refiero con esto último? Pues a la capacidad del director para colocar a personajes temerarios en situaciones tan cotidianas o tan ridículas, que convierten al más temido gangster en sujeto cándido y simpático. Otra característica importante, es que al tener un héroe “malo” (o inmoral, por lo menos), el público se identifica con el malo, e igualmente, el malo siempre gana. Esto se nota especialmente en Reservoir Dogs, donde tenemos por villano a un policía, y nosotros, como espectadores, queremos que el policía pierda y los gansters se salgan con la suya.

Beatrix Kiddo (Kill Bill) es una asesina... y madre de familia.

Uno de los grandes méritos de Tarantino, es que consigue conectarnos con estos personajes atípicos, alejados de la realidad del espectador común. Los humaniza, les da rasgos que podría poseer cualquiera de nosotros. Sus delincuentes también escuchan a Madonna, van al Burger King, pueden convertirse en madres, o deciden retirarse y buscar a dios. De alguna manera, es cierto, el autor se burla de nosotros, ya que rompe con los clichés de este tipo de personajes; pero lo hace de manera ingeniosa, demostrando que no hay límites para su imaginación, y que puede construir un universo (disparatado) con tal destreza, que nos hace tragar el cuento.

Diálogo sobre las hamburguesas (Pulp Fiction)

Creo que el ejemplo por excelencia de lo que acabo de señalar se ve en Bastardos sin Gloria. Aquí no sólo nos convierte a Hitler en un sujeto caricaturesco, y al sádico nazi Landa en un tipo carismático, sino que altera por completo la Historia como la conocemos. Los nazis no pierden en batalla, ni tras el suicidio de su líder. No señores, los nazis se queman en el cine.

El "Fuhrer" (Bastardos sin Gloria)

Por si fuera poco, y sólo para sacarnos un poquito más la lengua, Tarantino nos da el remate en su siguiente filme: Django Unchained. En esta película no se mete tanto con la Historia, es verdad (si su representación del sur no es fiel a la realidad de la época, por lo menos refleja bien la crueldad que sufrían los negros), pero atenta contra el estereotipo de un héroe legendario del Spaghetti Western. El Django de Sergio Corbucci pasa a convertirse en un esclavo negro liberado y con muchas ansias de venganza.

¿Y saben qué es lo mejor de todo? Que nos lo volvemos tragar.

La escuela de Tarantino

Una de las frases célebres de Tarantino es que él no fue a una escuela de cine, sino que fue al cine. Según el autor, en las escuelas clásicas, te enseñan a ser un técnico, no un artista. “Pueden enseñar a sincronizar la banda sonora con las imágenes, o puede ser que te enseñen algunos trucos diferentes de edición. (…) Pero parte de convertirse en un artista es descubrir tu estilo, cuando empiezas con me gusta esto pero no me gusta esto otro.”

Death Proof

Partiendo de aquí, podríamos decir que Tarantino se construyó como artista en la tienda de videos donde pasó horas de horas consumiendo películas. Se dejó empapar por los spaghetti western de Sergio Leone, de Sergio Corbucci, por las películas japonesas y las películas chinas de Kung Fu, por el cine negro (o cine de gangsters), por el gore. Tomó, además, referencias de su barrio de infancia, donde aprendió las expresiones de los negros y podríamos decir que aprendió a fusionarse un poco con ellos, usando desenfadadamente la “palabra con n” (de negro) en sus filmes con frecuencia.

El Django de Sergio Corbucci

En más de una ocasión, el director ha sido censurado por utilizar esta expresión vetada en Estados Unidos. En respuesta, Tarantino alega a su derecho a escribir libremente y representar a los negros tal cual los percibe:

“Como escritor, exijo el derecho a escribir cualquier cosa en el mundo que quiera escribir. Exijo el derecho a ser ellos, exijo el derecho a pensar en ellos y exijo el derecho a decir la verdad de cómo los veo, ¿de acuerdo? Y decir que yo no puedo hacer eso porque soy blanco, pero los hermanos Hughes pueden hacerlo porque son negros, eso es racista.”

Stephen (Django Unchained)

Lo que se viene

Entre otros motivos, a Tarantino se le conoce como “el niño terrible de Hollywood” debido a su afición de lanzar nuevas ideas, volver sobre las mismas, y luego cambiar de rumbo como si nada hubiese pasado. Así, por ejemplo, hace varios años se la pasó ilusionándonos con la tercera y cuarta entrega de Kill Bill (su película de Artes Marciales). Supuestamente, la tercera debía estrenarse este año, ya que el autor estaba esperando a que las hijas de Black Mamba y Vernita Green tuviesen edad para enfrentarse la una a la otra. Sin embargo, la últimas noticias nos dicen que el autor ha desertado de esta idea y que, por el contrario, piensa mandarse con un nuevo western, que sería protagonizado por su actor fetiche Christoph Waltz. El nuevo proyecto lleva por título The Hateful Eight. El director señaló, además, que su próxima producción sería una película de terror, género que no ha experimentado aún.

Christoph Waltz estará presente en The Hateful Eight

Para quienes esperaban con ilusión el retorno de Kill Bill (me incluyo en la mancha), sólo queda aferrarse a una esperanza: que Tarantino vuelva a dar otro de esos giros abruptos “como si nada hubiese pasado”.


Sólo para fans:

Con ustedes, My Best Friend's Birthday (1987), primer trabajo de Quentin Tarantino como director (co-dirección con Craig Hamman). Esta película quedó inconclusa, pero muchos de sus elementos fueron reutilizados por Tarantino en sus trabajos posteriores, incluyendo el guión de True Romance.

Making Off

Director de Rocanrol 68 habla sobre su ópera prima

Nos reunimos con Gonzalo Benavente Secco, director de Rocanrol 68, y conversamos con él sobre la realización del filme así como acerca de las motivaciones que lo llevaron a concretarlo.

Entrevista: Alexiel Vidam

Cámara: Víctor Cerpa

Edición: Cinematosis & Bloggeando en Lima

“En verdad, me siento más espectador que cineasta”

De la Butaca al Rodaje

Por: Alexiel Vidam

Jesús Alvarez Betancourt es uno de los fundadores de Big Bang Films, la primera productora de cine de género en el Perú, responsable de la reciente película El Buen Pedro, en la cual participó como productor general. Ahora, Alvarez Betancourt nos presenta su primera película como director, Quizás Mañana, un drama romántico con la actuación de Bruno Ascenzo y Gisela Ponce de León, que se estrenará el 14 de Febrero de 2013 en las salas limeñas. 

A continuación, algunos detalles sobre el rodaje de la película de boca de su propio director, así como de sus próximos proyectos, y experiencia personal haciendo cine.

¿Nos puedes contar un poco acerca del argumento de Quizás Mañana?

Quizás Mañana es una película sobre las personas que te cambian la vida, sobre la gente que puede pasar sólo un momento por tu vida y marcar la diferencia. La historia trata de dos personas que viven un momento muy particular en su vida, y que se conocen un sábado por la mañana. Este encuentro y la decisión de ambos de pasar juntos el día, hace que cada uno tome decisiones importantes con respecto a sí mismo.

¿Tú mismo te encargaste del guión

Yo hice la primera versión del guión, pero ésta no corresponde al guión final de la película. Después de dárselo a los actores, trabajé con Bruno Ascenzo para pulirlo. En el proceso también me acompañó Renato Geldres. En general, fue una película que nunca se dejó de escribir; incluso cuando estábamos por grabar, minutos antes, se hacía unos últimos arreglos.

"Quizás Mañana es una película sobre las personas que te cambian la vida, sobre
la gente que puede pasar sólo un momento por tu vida y marcar la diferencia."

¿Cómo surgió la idea original?

La idea nació en un momento muy particular de mi vida. La muerte de mi madre fue, de alguna manera, el punto de inicio de esta historia. Hubo muchas cosas que quise decir y quedaron dentro de mí, y tenía que encontrar la manera de exteriorizarlas. La película fue como una gran terapia para mí… Fue una catarsis.

Sabemos que Quizás Mañana es tu primera película como director. ¿Has participado antes en otras películas con alguna función distinta?

Sí, participé como productor general en El Buen Pedro y he participado también como productor en algunos cortometrajes.

Jesús participó como productor general en El Buen Pedro, filme dirigido
por Sandro Ventura (productor en Quizás Mañana).

¿Tienes alguna otra película en proyecto?

Bueno, podría considerar que mi próximo proyecto es Japy Ending, que está a punto de entrar al rodaje. Es una comedia de humor negro acerca del fin del mundo, y la primera película coral que hacemos en la Big Bang Films. Cuenta con cuatro directores: Sandro Ventura, Hugo Shinki, Fernando Ruiz Odría, y yo. Nos hemos dividido las historias; yo estoy a cargo de dos de ellas. Para una estoy trabajando con Fiorella Rodríguez, Pietro Sibille y Paloma Yerovi, y en la otra estoy con Karen Schwarz, Maricarmen Marín, y Adolfo Aguilar… Esta película es lo opuesto a Quizás Mañana; me paso del drama romántico a la comedia negra.

Por otra parte, estoy trabajando también en el guión de un largometraje de terror llamado Medianoche.

¿Cómo eliges a tus actores?

Me es mucho más fácil escribir cuando sé con qué actor cuento… por eso comienzo pensando en los actores que conozco; les propongo el papel y si me dicen que sí, comienzo a escribir. Recién para Medianoche estoy pensando en realizar un casting para algunos personajes.

Bruno Ascenzo y Gisela Ponce De León son Juan Carlos y Natalia,
protagonistas de Quizás Mañana.

¿Cómo incursionaste en el mundo del Cine?

Creo que desde que entré por primera vez a un cine (a ver Indiana Jones), me dije: “yo quiero hacer películas”. Me demoré en animarme, pero de alguna manera siempre estuve cerca de ese mundo. Soy un consumidor en masa de películas. No hay día en que no vea una o dos; aprovecho mi insomnio constante para hacerlo.

¿Estás contento con cómo ha quedado Quizás Mañana?

Mucho. Creo que conseguí lo que buscaba; pude contar la historia como la veía en mi cabeza, y eso no sólo se dio gracias a mí, sino a todo el equipo de personas que me ayudó a cumplir el objetivo. No imagino esta película sin Bruno o Gisela; no sólo son mis actores, también grandes amigos. El equipo técnico, mis socios, el distrito de Magdalena que nos apoyó desde el inicio...Todo el proceso fue una experiencia difícil de olvidar y gracias a todos ellos puedo estar contento con el resultado.

Revisando el guión con los actores.

¿Nos cuentas alguna anécdota del rodaje?

Creo que la anécdota principal era una apuesta interna entre mis socios y yo de saber si de verdad podía realizar la película en seis días. Sentía que era un rodaje funcionaría mejor si se realizaba en un tiempo corto; además de que el presupuesto, obviamente, sería mucho más manejable.

Alrededor de esa situación se desarrollaron varias situaciones curiosas, demasiadas como para contarlas una por una. Al final no pude hacer Quizás Mañana en seis días, sino se hizo en siete y medio.

¿Qué crees que es lo más difícil de dirigir una película?

Escuchar a mucha gente hablar de lo difícil que es hacer cine.

¿Qué es lo que más te gusta de tu trabajo como cineasta?

Poder ir viendo cómo la historia que quieres mostrar va tomando forma poco a poco, y el trabajo de equipo. En verdad, me siento más espectador que cineasta; realizo esa película que a mí me gustaría estar viendo en ese momento en el cine.

Toma de La Costa Verde. La película fue rodada en el distrito limeño de
Magdalena del Mar.

¿Te gustaría probar con otros géneros cinematográficos?

Quisiera probar con todos los géneros si es posible. Capaz llegue un momento en el que encuentre un género en el que me sienta más cómodo y quiera quedarme ahí… pero dudo que eso suceda.

¿Nos cuentas un poco acerca de tu formación como cineasta?

He tenido todos los maestros que una tienda de videos pueda ofrecer... Mi formación va por ese lado. No tengo un título de cineasta; sólo soy alguien que se levantó de su butaca para hacer cine.

"Sólo soy alguien que se levantó de su butaca para hacer cine."

 ¿Cuáles son tus películas y directores de Cine favoritos?

Directores: Spielberg, Scorsese, Tornatore, Tarantino. En cuanto a películas… hay un montón, pero sobre todo Cinema Paradiso, Kill Bill, y Buenos Muchachos.

¿Tienes alguna película peruana favorita?

Sin Compasión, Tinta Roja y Paloma de Papel son películas a las que siempre puedo volver…

¿Cuál es tu opinión acerca del Cine peruano?

Que hay que hacer más películas; eso es todo lo que le falta. Creo que ahorita estamos bien en lo que se refiere a festivales de cine; las películas que se están haciendo apuntan a gustar a un mercado complejo, de modo que salen del país y obtienen premios, lo cual no se discute. El problema con esas películas es que siento que no llegan al público nacional. Por eso digo que hay que hacer más películas. Creo que mientras más variedad haya, habrá más posibilidades de conquistar al público peruano.

En pleno rodaje.

¿Cómo crees que debe formarse un buen cineasta?

De verdad, viendo y haciendo mucho cine… aprendiendo en el camino.

¿Cómo ves el Cine peruano de acá 10 años?

Espero que con una filmografía enorme.

Trailer oficial de Quizás Mañana

Cinemaquotes

Por Alexiel Vidam

Hace un tiempo se me dio por publicar un post dedicado a las frases célebres de películas que me resultaron interesantes o que, según mi interacción con otros aficionados al cine, han trascendido en la memoria. A continuación, les presento mi lista de frases célebres de directores de cine. (Del mismo modo, los animo a enviar sus propias frases favoritas de películas, directores, actores de cine, etc., a: cinematosiscronica@gmail.com o alexielvidam@gmail.com.)

“Imagínese a un hombre sentado en el sofá favorito de su casa. Debajo tiene una bomba a punto de estallar. Él lo ignora, pero el público lo sabe. Esto es el suspense.” (Alfred Hitchcock)

Alfred Hitchcock

Alfred Hitchcock es conocido como “el amo del suspenso”. Sus películas en general tratan sobre asesinatos y misterios por resolver (el enigma de “encuentra al asesino”). En casi todas sus películas (no me atrevo a decir que todas, porque la verdad a mí The Birds no me convenció…), Hitchcock logra mantenernos alertas en cada segundo que transcurre. Además, suele manejar tramas complejas con giros completamente inesperados, como sucede, por ejemplo, en Vértigo, o con datos ocultos como ocurre en Psicosis.

“Siempre haga que el público sufra tanto como sea posible.” (Alfred Hitchcock)

Esta frase, que también pertenece a Hitchcock, revela lo que él considera es el ingrediente principal del suspenso: mantener al público angustiado.

Pedro Almodóvar

“En la última década puedes contar fácilmente el número de dramas de Hollywood que se hacen alrededor de las mujeres. Los estudios han olvidado que las mujeres son fascinantes.” (Pedro Almodóvar)

Me atrevería a decir que Almodóvar casi piensa y siente como mujer (como mujer histérica, eso sí)… o al menos así lo refleja en gran parte de sus películas. Las estrambóticas películas de este director, suelen presentar melodramas femeninos exacerbados a su máxima expresión (o exageración), llegando a plantear situaciones en las cuales los conflictos amorosos se “resuelven” con revólveres y persecuciones en moto.

Woody Allen

"El sexo sin amor es una experiencia vacía. Pero como experiencia vacía, es una de las mejores." (Woody Allen)

Si algo representa a todos los personajes interpretados por Woody (en sus propias películas), es que son muy pero muy neuróticos, y muy peor muy pero muy pero muuuuuuuuuuuuuuuuuy sexuales. Además, a pesar de ser tipos peculiares y poco atractivos físicamente, tienen un encanto especial que atrapa a las mujeres. Esta frase, representa  el peso importante que suele tener el sexo para sus personajes principales.

Quentin Tarantino

“La violencia seduce, hay que asumirlo. Es totalmente gráfica y por eso se utiliza tanto. El cine de violencia y de acción es el cine por excelencia. La cámara se inventó para besar y matar.” (Quentin Tarantino)

Queda claro que a Tarantino le encanta la violencia… y le encanta, además, llevarla al límite de la caricaturización. Sus películas tienen  mucho de western, de anime, de cine negro y de parodia. Al verlas,  hay escenas en las que uno se siente observando secuencias de comic, llenas de explosiones, rostros exagerados, golpes, balazos, y chorrazos de sangre.

Peter Jackson

“En cierta forma, todos somos Hobbits. Ellos representan al inocente que carece de experiencia en la guerra  y en conflictos, y que, repentinamente, se encuentra inmerso en todo ello.” (Peter Jackson)

La vida según Peter Jackson, director de la afamada trilogía de El Señor de los Anillos, en la cual el hobbit Frodo deja su pacífica aldea, para verse involucrado en una serie de guerras medievales con el objetivo de derrotar al malvado Sauron.

Clint Eastwood

“Cuando empezaba a dirigir, pensaba que si algún día al mirar la pantalla me cansaba de verme; me dedicaría sólo a dirigir.” (Clint Eastwood)

Antes de convertirse en director, Clint Eastwood ya era famoso por sus papeles protagónicos en spaghetti westerns como Por un Puñado de Dólares, La Muerte Tiene un Precio y, El Bueno, el Malo y el Feo; además del policial Harry el Sucio, película que marcó su carrera interpretativa. Lo curioso es que, por el contrario de lo que sugiere esta frase, Clint Eastwood no ha dejado de ser actor; por el contrario, ha seguido haciendo papeles en sus propias películas.

George Lucas

“Todos tenemos un lado oscuro, así que es necesaria una lucha continúa para hacer lo correcto. El lado luminoso es compasión y preocupación por los demás. El lado oscuro es codicia y egoísmo.” (George Lucas)

El libre albedrío expresado en términos de filosofía Jedi según George Lucas, director de La Guerra de las Galaxias.

“Crea tu propio estilo visual. Hazlo único para ti mismo e identificable para los demás.” (Orson Welles)

Orson Welles

La película más importante de Orson Welles, El Ciudadano Kane, destaca, más que por el argumento, por la forma en que se presenta. Welles rompe la linealidad habitual del relato de la época, además de innovar un nuevo estilo de producción cinematográfica, estudiando varias formas distintas de hacer películas y mezclándolas todas. Fue también pionero en utilizar efectos visuales para rodar de manera barata.

“Nacemos solos, vivimos solos, morimos solos. Sólo a través de nuestro amor y amistad podemos crear la ilusión por un momento que no estamos solos.” (Orson Welles)

Una vez más, esta frase le cae perfecta a El Ciudadano Kane. Charlie Kane es un personaje que se siente terriblemente solo, y busca llenar esa soledad ganándose la admiración de todos; siendo el centro de atención del público, Kane supone que puede conseguir el amor de la gente. 

Las 5 de Ridley Scott

Por: Alexiel Vidam

Colgándonos del reciente estreno de Prometeo en las salas de cine limeñas, te acercamos un poco a su director, Riddle Scott, mediante este pequeño ranking… Pa’ que cuando te pregunten si has visto algo suyo, no la ca*8@&S$#W%4 diciendo que viste El Depredador (#EpicFail).

Puesto 5: Legend

Una película para los amantes de la ficción maravillosa, claro ejemplo de que, antes de El Señor de los Anillos y Harry Potter, ya existían buenas películas fantásticas. Estrenada en 1985, este filme que cuenta con un Mia Sara y un jovencísimo Tom Cruise como protagonistas, cuenta cómo el Señor de las Tinieblas (Tim Curry) pretende extender la noche asesinando al último unicornio de esas tierras, lo cual deberá ser evitado por la Princesa Lily (Mia Sarah), y Jack (Tom Cruise), un intrépido hombrecillo verde.  

Puesto 4: Gladiador

Seguro muchos me van a querer “apanar” por poner Gladiador en cuarto lugar… pero es que cuando llevas un curso como “Técnicas Audiovisuales” y aprendes a observar hasta el mínimo defecto técnico de cada película (con “pause”, “rewind” y “play” constantes), varias películas se te acaban yendo al tacho... Gladiador es una película con muchísimos errores de este tipo (si observas detenidamente, verás que hay partes en las que hasta el camarógrafo aparece colado en la pantalla; pero, no se puede negar que es una buena historia y está muy bien actuada (de ahí que obtuviese cinco premios Óscar).  La peli nos traslada a la antigua Roma, para presentarnos el drama de Maximus (Rusell Crowe), general de los ejércitos del norte, quien es traicionado por Cómodo (Joaquín Phoenix) -hijo del emperador-, y convertido en gladiador (una suerte de esclavo que debe pelear hasta morir en el coliseo, para sádico entretenimiento de los ciudadanos).

Puesto 3: Thelma y Louise

 Esta cinta fue muy criticada en su época debido a que las protagonistas aparecen utilizando armas y representando escenas de violencia; sin embargo, es considerada un clásico, por la influencia que tuvo en películas posteriores, y ha sido tomada como ícono feminista. La historia nos presenta a Thelma (Geena Davis), una esposa frustrada y pisoteada por el marido, y a Louise (Susan Sarandon), su amiga diez años mayor, quien tiene una vida desordenada, un trabajo mediocre, y un novio que no sabe asumir responsabilidades. Ambas deciden escaparse un fin de semana solas a las montañas para relajarse un poco. En una de sus paradas en un bar, un desconocido intenta violar a Thelma; Louise, en un intento por ayudarla, asesina al sujeto, por lo cual las dos protagonistas emprenden la huida. En el camino, un joven ladrón (Brad Pitt), las deja sin dinero, por lo cual Thelma acaba asaltando una tienda. Ahora ambas son prófugas de la justicia, y los militares las persiguen por la carretera.

Puesto 2: Alien: El Octavo Pasajero

USCSS Nostromo, es una nave comercial con siete pasajeros a bordo. Todos ellos, emprenden el camino de regreso a la Tierra, culminado el viaje hacia el planeta Thedus. No obstante, “Madre”, la computadora de la nave, redirecciona el vehículo hacia un planeta gaseoso, desconocido y anillado, para acudir a una transmisión de origen desconocido. En una salida de exploración del extraño planeta, un extraño y asqueroso espécimen similar a un molusco, queda adherido al casco de Kane (John Hurt), el oficial ejecutivo. Poco después, del estómago del mismo surge una terrible criatura alienígena que amenaza con asesinar a toda la tripulación. Tras la muerte del capitán Dallas (Tom Skerritt), la teniente Ellen Ripley (Sigourney Weaver) será la encargada de dirigir la misión de exterminio del allien.  Alien tuvo gran acogida por la crítica y se convirtió en éxito de taquilla, lo cual generó una franquicia de novelas, cómics, videojuegos y juguetes, así como tres secuelas, dos crossovers (Alien VS. Predator y Alien VS. Predator: Requiem), y una precuela, la recientemente estrenada Prometeo. Ojo: De esta franquicia, únicamente Alien: El Octavo Pasajero y Prometeo, son dirigidas por Ridley Scott.

Puesto 1: Blade Runner

Una de las películas más alucinantes que he visto dentro del género de ciencia ficción, y prueba firme de que Harrison Ford es perfectamente capaz de escapar de papeles pintorescos como el de Han Solo o Indiana Jones, para interpretar a un personaje mucho más serio y sombrío como Rick Deckard, encargado de eliminar a todos los “replicantes” (androides) rebeldes que atacan a los seres humanos.  Estos replicantes, pertenecientes a la serie “Nexus-6”, creada por Tyrell Corporation, cuentan con sólo cuatro años como salvaguarda de un desarrollo emocional inestable, lo cual acaba siendo el motivo de su rebelión. La historia se detiene en varios momentos a profundizar sobre el drama existencial de estos androides; no obstante, el protagonista no deja de ser un cazador a sangre fría hasta que en su camino aparece de Rachel (Sean Young), una replicante experimental con emociones y recuerdos implantados, de la cual se enamora.  

El amo de las pesadillas

‎Por: Alexiel Vidam

"La gente piensa en lo oscuro como algo malo, y cree que lo luminoso siempre es bueno. Pero a veces la oscuridad puede ser muy hermosa, y en algunos casos la luz puede ser bastante cruda. Así que yo trato de mezclar las dos, para demostrar que las cosas no siempre son como las percibe la gente de una manera simplista." (Tim Burton)

Érase una vez, a inicios de los 60', un niño desadaptado de California. Se llamaba Timothy William Burton, y tenía la extraña afición de espantar a sus vecinos con historias de invasiones extraterrestres, o parodiar delitos sangrientos. Era introvertido y solitario; casi no tenía amigos, y se pasaba las horas dibujando, leyendo a Edgar Allan Poe, o viendo películas de horror.

Le encantaban los monstruos, en especial los de las películas de Hammer Productions, a los que encontraba un encanto particular, hallándolos mucho más complejos que a los seres humanos.  “Los humanos parecían figuras de cartón-piedra, mientras que los monstruos sufrían, tenían una existencia atormentada. Vivían la vida y la muerte, todo a la vez; así que, por fuerza, tenían que ser más conmovedores” (Tim Burton).

En 1976, a los 18 años, ingresó al Instituto de Artes de California, fundado por Walt Disney para aquellos jóvenes interesados en la animación. Durante su estancia en el instituto, realizó la serie animada Stalk of the Celery Monster, que le valió la oportunidad de ser contratado por Disney para colaborar en los próximos filmes. Pero… ¿encajarían los tétricos dibujos de Burton entre las historias azucaradas de Disney?

Un director desadaptado

Si de niño era desadaptado, de grande lo siguió siendo. Disney no confiaba en Burton porque encontraba sus dibujos demasiado lúgubres y terroríficos. Cuando por fin dejó de estar relegado al papel de aprendiz de animación, y se le dio la oportunidad de realizar sus propios cortometrajes, fue rápidamente descalificado por la productora.

Primero dirigió Vincent, un corto sobre un niño de siete años que soñaba con ser Vincent Price (famoso actor de las películas de horror de Roger Corman) y vivía en un mundo de pesadillas y alucinaciones. El corto era en blanco y negro, tenía marcadas influencias del cine expresionista alemán (hay una toma de una sombra tenebrosa dibujada sobre la pared, que de hecho, recuerda mucho a la inmensa sombra del Nosferatu de Murnau),  y alusiones a historias de Edgar Allan Poe. El filme, que contó con la colaboración del mismísimo Vincent Price para la voz del narrador, obtuvo numerosos reconocimientos por parte de la crítica especializada, pero Disney se negó a comercializarlo.

Vincent, primer cortometraje de Tim Burton.

A Vincent, le siguió Frankenweenie, un cortometraje life-action, también en blanco y negro, basado en la historia de Frankenstain. Contaba la historia de Victor, un niño que buscaba vencer a la muerte para resucitar a su perro Sparky. El corto obtuvo una nominación a los Premios Saturn, pero le costó el despido a Tim Burton, pues Disney consideró que la película era demasiado terrorífica para los niños. Frankenweenie fue comercializada recién a partir de que Burton obtuviese éxitos de taquilla con Beetlejuice y Batman.

Frankenweenie, segundo cortometraje de Tim Burton.

Lo irónico es que ahora, que es ampliamente reconocido el talento de Tim Burton, Disney apuesta por la obra que alguna vez rechazó, anunciando el lanzamiento de un remake animado de Frankenweenie. El estreno de esta nueva versión, dirigida por el propio Burton, está programado para el 12 de Octubre de este año.

Brujas, vampiros, locos de remate, y caballeros oscuros

Barnabas Collins, protagonista de Dark Shadows.

Sin duda alguna, las atmósferas oscuras y personajes estrambóticos, son parte del sello personal del autor. Tim Burton goza de los ambientes lúgubres y personajes atormentados, influencia tomada de aquellos monstruos que tanto le gustaban cuando niño. Para él, la oscuridad no tiene por qué ser desagradable; por el contrario, encuentra mucha belleza en ella, una belleza triste y melancólica, sumamente conmovedora.

Sus protagonistas suelen ser personajes fantásticos, que van desde brujas, vampiros y fantasmas, hasta hombres creados de manera artificial. Son personajes profundos, con algún dilema existencial o drama que les ha marcado la vida y los ha convertido en lo que son ahora: desadaptados; una característica que se encuentra presente en casi todos sus personajes, desde Batman, el héroe vestido de murciélago, hasta Barnabas Collins (protagonista de Dark Shadows, su último largometraje concluido), un vampiro del siglo XVIII que despierta súbitamente en el año 1972.

Beetlejuice

El genio del autor hace que uno sea capaz de identificarse con cada uno de estos “monstruos” o “locos de remate”, explorando en el interior de su corazón y de su mente, llegando a comprender sus sentimientos y sus frustraciones, y colocándose en los zapatos de los más nobles, como Edward (El Joven Manos de Tijeras), los más locos (como Beetlejuice), y hasta los más siniestros (como Sweeney Todd, el barbero demoníaco del a calle Fleet). Uno, como espectador, es capaz de reconocer el lado peligroso o perverso de estos personajes, pero se identifica con ellos, los comprende, y los quiere.

Los ambientes de Burton son tan duales como sus protagonistas. En ellos se nota la convivencia del bien y el mal, de manera disonante y marcada. La oscuridad es un lugar misterioso, intimidante y terrorífico, pero a la vez atractivo, melancólico, encantador, bello, elegante. Uno siente que un secreto le llama desde la penumbra, buscando ser descubierto. Por otra parte, el color suele ser asociado con lo luminoso, lo cotidiano, lo “normal”, pero en medio de todo ello, puede tener mucho de perturbador y amenazante. Esa “normalidad” tiende a rechazar a los protagonistas de Burton, personajes tristes y retraídos, que, ante el rechazo de una sociedad que los condena, acaban refugiándose en la soledad y en la abstracción.

Sombrero (Alice in Wonderland)

Las atmósferas de sueño y las situaciones disparatadas están inspiradas en el surrealismo, vanguardia que busca plasmar los dictados del subconsciente. Por otra parte, la estética en sí (la forma distorsionada de los decorados, las sombras marcadas, la oscuridad, el maquillaje de los personajes enfatizando su palidez en contraste con las pronunciadas ojeras, entre otros elementos), está claramente influenciada por el expresionismo, movimiento intelectual focalizado en la expresión de lo subjetivo. El drama existencial, así como las dualidades, tan presentes en las películas de Burton, son también elementos fundamentales de esta corriente.