Scott Pilgrim Takes Off: Nace un nuevo multiverso

Por: Alexiel Vidam

Cuando pensamos en Scott Pilgrim, algunas de las ideas que vienen a nuestra mente son: colores fosforescentes, comedia absurda, muchos guiños a la cultura geek, y la chica más irresistible que jamás hayan visto nuestros ojos de niños nerd: Ramona Flowers, esa enigmática joven de cabello camaleónico que trae, no uno, ni dos, sino SIETE malvados ex novios a la espalda (se pasó).

Mary Elizabeth Winstead interpreta a Ramona Flowers
en el live action de Scott Pilgrim.

Y como los comics, videojuegos y la película live action no son suficientes para saciar nuestras ansias de tramas tan ridículas que son geniales, Netflix nos hizo el favor y extendió el universo Scott Pilgrim; esta vez, mediante una animación llamada Scott Pilgrim Takes Off (Scott Pilgrim da el salto en Latinoamérica).

La historia empieza de manera bastante similar a lo visto en los comics, película y videojuegos: Scott Pilgrim es un chico de Toronto-Canadá. Tiene 23 años, no trabaja, toca el bajo en una banda de rock y vive de arrimado en la casa de Wallace, su amigo gay. Scott sale con una chica de 17 años llamada Knives Chau, al mismo tiempo que intenta superar su desastrosa ruptura con Envy Adams, una archi-famosa estrella de la música.

En medio de todo esto, Scott conoce a Ramona Flowers, quien es, literalmente, la chica de sus sueños (sí, Ramona es capaz de movilizarse por los sueños de Scott). Pronto empieza a salir con ella (¡cof! ¡cof!... sin antes romper con su novia de secundaria) y descubre que, si quiere mantener esa relación, debe vencer a la Liga de los malvados ex novios de Ramona. 

**ATENCIÓN A SPOILERS**

A partir de este punto es que las cosas cambian. En entregas anteriores de la franquicia, vemos a Scott enfrentando, uno a uno, a cada miembro de la liga, pero aquí, Scott desaparece repentinamente en medio de su pelea contra Mathew Patel (el primer ex novio malvado). Aunque todos lo creen muerto (y hasta le hacen un funeral), Ramona tiene indicios de que Scott sigue con vida, y empieza una ardua investigación sobre el paradero de Scott, y el responsable de su aparente secuestro.

Debo decir que este giro inicialmente me sacó de cuadro, pues, hasta el momento, tenía la idea de que me encontraba viendo otra adaptación de los comics de Scott Pilgrim; luego supuse que me encontraba frente a un reboot, lo cual no acabó de convencerme, pues sentí que le estaban metiendo demasiados cambios al planteamiento original. A pesar de ello, las situaciones cómicas, la música, y el colorido estilo de animación (en el diseño sí se apegaron bastante al comic), terminaron atrapándome. Seguí viendo, además, intrigada por saber hasta qué punto llegarían los cambios.

Lo cierto es que al final todo cobra sentido, pues Scott Pilgrim Takes Off –en una jugada muy a su estilo–, nos presenta su propia versión del multiverso, a partir de un despechado Scott Pilgrim del futuro, que intenta cambiar los sucesos más importantes de su vida. Esto es excusa para dar una mirada alternativa del reencuentro entre Ramona y sus ex, y se aprovecha perfectamente para desarrollar a los personajes y darles más trasfondo. En otras palabras, los ex dejan de ser simples villanos estereotipados y llegamos a entender mejor cómo fue su relación con Ramona. Al mismo tiempo, Ramona es explorada con más detalle, a la vez que su búsqueda de Scott se convierte también en su búsqueda de redención; esta Ramona quiere solucionar sus problemas del pasado antes de iniciar algo con el susodicho (una visión bastante más madura del personaje).

No es que lo que vimos en otras entregas ya no exista; todo eso pasó, pero ya no es la única versión de la historia, puesto que ya no es la única línea del tiempo. Personalmente, disfruté de esta nueva entrega, pero creo que la hubiese disfrutado más de haber sabido desde un principio que me encontraba ante una continuación/spin off. Al principio extrañé la versión más tóxica de la Liga de los malvados ex, y ver a Scott peleando en todo momento. Me gustó mucho ver más de Ramona, pero se sintió raro que el personaje de Scott estuviese tan ausente. Eso, cuando tu expectativa es una adaptación, llega a molestar. Sin embargo, cabe destacar la inteligencia del guion para generar situaciones divertidas, pues, con todo y todo, me quedé viendo, hasta que comprendí la verdadera propuesta.

Entre otros detalles, considero un acierto haberle dado más protagonismo a Wallace, un personaje que se hizo querer mucho en el live action a pesar de sus pocas apariciones. Este personaje, sin duda, se convirtió en mi favorito de esta nueva serie, con ese atrevimiento e irreverencia tan propios de él.

Por último, se aplaude el esfuerzo de la producción por contratar a los actores de la película para hacer las voces de sus versiones animadas. Directo a la nostalgia de una generación que se enamoró del filme (y de Ramona). 

¡Ah...! ¡Ni se les ocurra saltar los créditos!

Ficha técnica

Dirección: Abel Góngora
Idea original: Bryan Lee O'Malley (de su serie de comics Scott Pilgrim)
Guion: Bryan Lee O'Malley, BenDavid Grabinski
Producción: Edgar Wright
Reparto: Michael Cera, Mary Elizabeth Winstead, Kieran Culkin, Brie Larson, Ellen Wong, Anna Kendrick, Chris Evans, Brandom Routh, Jason Schwartzman         
Empresas productoras: Science SARU, Netflix, Universal Pictures
Distribuidora: Netflix

“Your Name”: Un viaje emocional a través del tiempo y el destino

 Por: Alexiel Vidam 

“Supongo que no nos veremos. Pero... hay algo de lo que estoy segura. Si nos vemos, lo sabremos de inmediato. Sabré que fuiste tú quien estuvo dentro de mí, y que fui yo quien estuvo dentro de ti…”

Esta, a mi parecer, es la frase más conmovedora que tiene Kimi no Na wa, también conocida como Your Name (2016), de Makoto Shinkai. Es una frase extremadamente poética, y estoy segura de abarca mucho más que una anécdota argumental. ¿Qué puede ser más íntimo y personal que estar en el cuerpo de la otra persona…? ¿Que ver a través de sus ojos… sentir con sus manos y conocer cada aspecto de su vida? Los seres humanos conectamos las almas a través del cuerpo, y es por eso que, en el amor, buscamos acercarnos hasta entrar en el cuerpo del otro.

Mitsuha Miyamizu y Taki Tachibana son dos adolescentes de 17 años que pertenecen a mundos distintos. Mitsuha vive a las afueras de Tokio, en un pueblito donde todos los días son similares y no hay mucho con qué entretenerse. Ella sueña con irse a la ciudad para escapar de la rutina y de las tradiciones antiguas de su familia, las cuales la convierten en comidilla de burlas entre adolescentes. Taki, por su lado, vive en plena ciudad de Tokio, donde el día a día está lleno de novedades, pero también de un ritmo frenético que obliga a no detenerse. Ellos no parecen tener algo en común, y ni siquiera se conocen… hasta que un día, amanecen, sin explicación alguna, uno en el cuerpo del otro. Esta situación se repite dos o tres veces por semana, volviendo después cada uno a su propio lugar.

En un principio ambos piensan que, el ocupar el lugar del otro, es simplemente un sueño, pero, poco a poco, los indicios del entorno dejan en evidencia que el intercambio de cuerpos es una realidad. Por este motivo, para cuidar sus estilos de vida, Mitsuha y Taki se dejan instrucciones y mensajes en el celular, en hojas de cuaderno o a veces en la propia piel. La propia necesidad de superar la confusa situación, va construyendo un vínculo profundo entre ambos personajes casi sin que estos se den cuenta. Sin embargo, cuando, notan esta conexión, los intercambios paran de manera abrupta y la comunicación se termina. Para este momento, la historia sigue a Taki en su búsqueda por comprender dónde se encuentra Mitsuha y qué ha pasado con ella.

 “Quería decirte... que donde sea que estés en el mundo, te volveré a encontrar pase lo que pase.”

Aquí hay más que distancia, y de alguna manera, la película nos lo sugiere todo el tiempo. Lo hace con la composición de los encuadres, que divide con sutileza el espacio en dos mitades. Lo hace con ciertos datos escritos a los que el ojo de primer visionado pasa por alto. Lo hace mediante la edición del opening e incluso mediante un discurso bastante simbólico de la abuela de Mitsuha.

“Entrelazar hilos es una unión, conectar con las personas es una unión, y el pasar del tiempo es una unión. Todo esto es parte del poder del dios. Los hilos que trenzamos son un lazo con él, una parte del dios, representan el paso del tiempo mismo. Se acomodan y toman forma, se enredan y se retuercen. A veces se desenredan, se rompen y se vuelven a conectar. Eso es una unión, es el tiempo.”

El tiempo es un elemento muy importante, y para reforzar su importancia, la película juega con cambios de ritmo, pasando de momentos muy pausados, a otros bastante más veloces. Taki debe derrotar al reloj, y para ello, debe renunciar a sus prejuicios terrenales, conectar con esa divinidad representada en la unión; un poder tan fuerte que es capaz incluso de romper los límites del tiempo y el espacio.

Este mensaje está muy relacionado con la cosmovisión del sintoísmo (la religión oficial de Japón), que cree en el Musubi como ser creador; una fuerza transformadora que conecta a todos los seres de la naturaleza. De aquí también nace el mito del hilo rojo del destino, según el cual, todos estamos atados a alguien mediante un hilo rojo anudado alrededor del dedo meñique. Las dos personas atadas están destinadas a encontrarse, y ninguna de ellas podrá amar a otra persona de la misma manera en que ama a quien está atada.

A través de un relato plagado de metáforas y subtexto filosófico, Your Name nos muestra la evolución de dos personajes que se buscan el uno al otro. Es una historia contemplativa, que, sin embargo, no peca de poco digerible. Logra engancharnos con la falsa premisa de una comedia romántica centrada en el intercambio de cuerpos, para luego sumergirnos en un viaje mucho más complejo y emocional. Además, contrasta la tensión con toques de humor precisos, pensados para dar un respiro al espectador sin ensuciar el tono general de la trama.

Sobre el diseño y la animación, nada más diré que son hermosas, y sobre la banda sonora, que colorea a la perfección los momentos más emotivos del relato.

 

Ficha técnica

Dirección: Makoto Shinkai
Producción: Noritaka Kawaguchi, Genki Kawamura
Idea original y guion: Makoto Shinkai
Música: Radwimps
Fotografía: Makoto Shinkai
Montaje: Makoto Shinkai
Protagonistas: Ryūnosuke Kamiki, Mone Kamishiraishi, Masami Nagasawa, Ryo Narita, Aoi Yūki, Nobunaga Shimazaki, Kanon Tani
País: Japón
Idioma: Japonés
Año: 2016
Género: Anime, drama, fantasía, romance
Duración: 106 minutos

*Esta película se encuentra disponible en HBO Max.

“One Piece” live action: Pequeña reseña de un fan

 Por: Thomas Ríos
(Staff del círculo de anime de la ULima)

Desde su anuncio, hubo bastante controversia con respecto al live action de One Piece, uno de los animes más importantes de todos los tiempos. Y tiene sentido; los live action no suelen salir como uno espera, y mucho menos cuando los hace Netflix (¡Cof! ¡Cof! Deaht Note… ¡Cof! ¡Cof!)… Por si fuera poco, el universo de One Piece destaca por su complejidad.

Sin embargo, un rayo de esperanza apareció cuando Eichiro Oda (creador del manga original) anunció que estaría a cargo de la supervisión de la serie. Por su parte, Iñaki Godoy, intérprete de Luffy, afirmó ser fan de la obra original, y que interpretar al protagonista era un sueño hecho realidad para él.

Finalmente, el día de ayer, 31 de agosto, se estrenaron los 8 episodios, adaptando casi toda la saga del East Blue. A continuación, nuestra reseña sin spoilers.

 

¿Está bien adaptado?

Dentro de la industria del anime, muchos confunden “adaptar” con calcar la obra original, cuando realmente se refiere a recrear y ajustar la historia para otro medio; en unos casos, la adaptación puede ser bastante apegada al original, y en otros casos, mucho más espontánea. Partiendo de ahí debemos señalar que esta serie encaja más en el segundo tipo, alejándose del manga a la hora de presentar a ciertos personajes. Nami (Emily Rudd), por ejemplo, es introducida en la base de la marina de Shells Town, haciéndose partícipe en la pelea contra Morgan, como se vio en los avances. Y aunque los primeros episodios sean un poco apresurados, considero que el guion, en términos generales, está bastante bien construido, logrando que toda la historia se sienta orgánica.

De hecho, a pesar de las libertades tomadas por los directores, la esencia de One Piece se mantiene; los sentimientos que Eichiro Oda quería transmitir en momentos específicos de su obra (compañerismo, rivalidad, sufrimiento, decepción, etc.), se han respetado. En otras palabras, aunque no todos los sucesos se den exactamente del mismo modo, las sensaciones que transmiten son las mismas.

Una carta de amor a los fans

La dirección artística, vestuario y maquillaje calcan a la perfección los diseños originales. Varios lugares emblemáticos de los primeros arcos han sido replicados de manera idéntica. En algunos casos, la calidad de los dos últimos podría mejorar (ciertos personajes sí presentan “artificialidad de cosplayer”), pero, como fan, debo decir que me emociona el gesto de la producción de haber respetado las apariencias tan icónicas de Koby, Nami, Morgan, los piratas Kuroneko, Arlong, entre otros.

El cambio de tono en las peleas con algunos antagonistas es también un acierto. Hay que admitir que el arco East Blue original pecaba en exceso de alivios cómicos de poca importancia; aquí, por el contrario, los villanos, especialmente Buggy, generan la sensación de miedo que deberían causar. Para completar, los combates están muy bien coreografiados; los ángulos seleccionados son precisos para seguir los ágiles movimientos de los personajes.

De la banda sonora sí debo decir que esperaba más; no es que la música no encaje con la trama o rompa con la inmersión, pero se siente sin sello propio, como si hubiese sido compuesta para cualquier serie de piratas. No es tan épica como debería ser.

 

Iñaki Godoy es Luffy

Hace poco se reveló un video en el que Iñaki tuvo una reunión con Oda, donde ambos conversaron sobre el proyecto y cerraron agradeciéndose mutuamente. Oda mostró mucho aprecio por el joven actor, y mencionó que él es la versión live action que siempre había imaginado de Luffy. Luego de haber visto la serie puedo confirmar que, efectivamente, Iñaki Godoy es Luffy en toda regla.

Inicialmente tenía un poco de miedo, porque el comportamiento de Luffy (y de muchos personajes de anime en general) es bastante histriónico, de modo que podría percibirse sobreactuado en pantalla. Afortunadamente, Iñaki transmite todo el carisma y el espíritu de su versión anime: el de un pirata novato e inocente, soñador, relajado e impulsivo, pero, sobre todo, determinado, capaz de hacer lo imposible por alcanzar su anhelo.

One Piece para todos

En conclusión, el live action de One Piece ha sido una grata sorpresa. Realmente ha logrado transmitir todo lo que la historia original significa para los fanáticos. La supervisión de Oda y el entusiasmo de todo el equipo de producción y los mismos actores se han plasmado en un producto que refleja el cariño puesto en él. El resultado es satisfactorio, al punto en que, me atrevo a decir, esta serie gustará a quienes no son fanáticos del anime.

 

Ficha técnica

Dirección: Marc Jobst, Tim Southam, Emma Sullivan, Josef Kubota Wladyka
Idea original: Eichiro Oda (del manga One piece)
Guion: Steven Maeda, Tom Thyndman, Matt Owens, Ian Stokes
Producción ejecutiva: Tetsu Fujimura, Marc Jobst, Chris Symes, Tim Southam
Reparto: Iñaki Godoy, Emily Rudd, Mackenyu, Jacob Gibson, Taz Skylar, Vincent Regan, Morgan Davies
Música: Sonya Beousova
País(es) de origen: Estados Unidos, Japón
Idioma original: Inglés
Género: Aventura, fantasía
Temporadas: 1
N° de episodios: 8

Lo mejor y lo más incómodo de "Kill la Kill"

Por: Azucena Elguera (Staff del círculo de anime de la ULima)

¿Alguna vez imaginaste que la ropa que tienes puesta te podría dar superpoderes? Y no nos referimos a trajes hechos con tecnología Stark, sino a uniformes escolares fabricados con una fibra que te da fuerza sobrehumana. Kill la Kill es el primer anime original del estudio Trigger –es decir, no tiene manga como predecesor–, fue estrenado el 2013 y se le considera una joya de este estudio de animación.  

Kill la Kill narra la historia de Ryuko Matoi, una joven de 17 años que está en búsqueda del asesino de su padre. Llega a parar en la preparatoria Honnouji, que está bajo el mando de la temible Satsuki Kiryuin, quien es la presidenta del consejo estudiantil e impone las reglas por la fuerza con ayuda de sus subordinados “Los 4 de élite”. En esta academia se manejan los rangos dependiendo de las estrellas que tenga tu uniforme, siendo el 1 el mínimo y 3 el máximo. También hay alumnos que no poseen estrellas, de modo que son considerados de menor rango y, por ende, son los más maltratados de la escuela. La llegada de Ryuko a la preparatoria pone de cabeza los planes y el sistema de Satsuki, conllevando a un conflicto entre bandos. Ryuko junto a su nueva amiga Mako y Senketsu, su uniforme escolar parlanchín, viene a destruir todo un sistema en su camino por obtener la venganza. 

Este anime cuenta con personajes únicos a partir de su peculiaridad. Empezando por la protagonista, Ryuko. Es una chica de carácter rudo, valiente y decidida; siempre va acompañada de la espada en forma de tijera que encontró incrustada en el cuerpo de su padre. Buscando en las ruinas de su antigua casa encontró un uniforme hecho con fibras vivas de combate, muy similar a los uniformes escolares japoneses; este atuendo se hace llamar a sí mismo Senketsu, y le otorga a Ryuko habilidades sobrehumanas. Al principio ella muestra rechazo hacia el traje, dado que éste expone demasiado ciertas partes de su cuerpo. Sin embargo, a medida que la relación entre ambos se profundiza, ella y Senketsu van superando desafíos y aprenden a trabajar juntos.

Senketsu es la invención del Doctor Matoi, el padre de Ryuko. Más que un objeto, es un personaje con personalidad propia; expresa emociones y se comunica solamente con Ryuko, pues desarrollan una conexión muy profunda; a su vez es muy cómico, pero se pone serio cuando la situación lo amerita. Gran parte de la trama involucra secretos oscuros de este personaje y las prendas divinas, lo que añade un elemento de conflicto entre Senketsu y su portadora. 

Por otra parte, si hablamos de Mako Mankanshoku, hablamos de iconicidad. Ella es uno de los personajes más conocidos y famosos de la historia, es una chica de 17 años y de estatura baja, al no poseer un uniforme con estrellas, su clase social es muy baja y ello la convierte en víctima de una serie de abusos en la preparatoria. A pesar de eso, tiene una personalidad muy energética, alocada y despreocupada; suele ver el lado positivo de las cosas incluso en las situaciones más difíciles. Es la mejor amiga de Ryuko y se convierte en un gran apoyo para ella, acompañándola sin miedo en todas sus misiones. Es un personaje que otorga momentos cómicos y alegría a la historia.  

Satsuki Kiryuin es la antagonista principal y, como ya hemos mencionado, es la presidenta del consejo estudiantil de la preparatoria Honnouji. Es una chica muy autoritaria, con carácter de hierro y dominante. Su ética se basa en “la supervivencia del más fuerte” y lo impone en la escuela gracias a “Los 4 de élite”. Posee un uniforme similar al de Ryuko, llamado Junketsu, pero no parece tener ningún tipo de conexión emocional con éste. Sus constantes batallas con Ryuko se dan principalmente porque ésta sospecha que tiene información sobre el asesinato de su padre, cosa que la convierte en una villana particularmente intrigante. A medida que avanza la historia, se van revelando varios de sus secretos y ambiciones.

Pasando a otros aspectos, el aspecto visual es estilizado y dinámico, luciéndose especialmente en las escenas de acción, caracterizadas por su gran intensidad. La animación es de muy buena calidad y no decae en ningún momento de la serie; de hecho, sigue atrayendo la atención a pesar de que el anime se estrenó hace 10 años. El soundtrack tampoco se queda atrás. Es emotivo y emocionante; funciona como complemento preciso en la construcción de atmósferas audiovisuales. Cabe destacar que el compositor de esta serie fue Hiroyuki Sawano, reconocido por componer los temas de Shingeki no Kyojin (Attack on Titan). 

Entre los puntos negativos, uno tristemente destacable es el excesivo fanservice erótico que presenta Kill la Kill. La cantidad de tomas de este tipo y el diseño de trajes exageradamente reveladores resulta bastante incómodo para el espectador que, lo que busca, es una buena historia (de hecho, hemos tenido que esforzarnos buscando imágenes sutiles para este artículo). Aunque el guion hace intentos por justificar este tipo de circunstancias, es algo a lo que cuesta un rato acostumbrarse (y, siendo sinceros, en más de una ocasión resulta forzado). Por fortuna, la buena elaboración de la trama y la premisa de fondo lo consiguen. Esta última aborda incluso una mirada crítica de la industria de la moda, sazonada con elementos de acción, drama, sátira social y comedia. 

Finalmente, si te animas a darle una mirada, puedes encontrar la serie completa en Crunchyroll.

Ficha Técnica 

Director: Hiroyuki Imaishi

Guionista: Kazuki Nakashima

Estudio: Trigger

Openings: Eir Aoi, GARNiDELiA

Reparto: Ami Koshimizu, Ryoka Yuzuki, Aya Suzaki, Toshihiko Seki

Género: Acción, comedia, drama, aventura, ciencia ficción

Episodios: 24

Año(s) de emisión de la serie: 2013 - 2014

OVAs: 1

Año de lanzamiento de OVA: 2014