5 películas de vampiros que no debes dejar de ver

Es Halloween, y no hay Halloween sin películas de horror o seres oscuros, entre los cuales, el vampiro destaca como una eminencia. Por ese motivo, y sólo porque tengo un vicio con estos seres de la noche, a continuación les presento una pequeña lista con cinco películas de vampiros que no deberían dejar pasar.

Drácula de Bram Stoker

Sin duda, la mejor película que he visto acerca del famoso conde Drácula. El director, Francis Ford Coppola, pretendió, en un principio, realizar una adaptación lo más fiel posible a la novela de Bram Stoker (de ahí el nombre de la película), sin embargo, no pudo con la tentación de tomarse algunas libertades con resultados óptimos, pues se logró una película mucho más rica, que hilaba al personaje de la novela, con el personaje histórico en el cual estaba basado, el sanguinario héroe rumano Vlad Tepes (también conocido como Vlad Dracul), quien enfrentó a los turcos y se caracterizó por empalar a sus enemigos y beber su sangre. Una característica estética interesante de la película es la presentación de un Drácula vestido de rojo, no en alusión a su sed de sangre, sino también a otra cualidad predominante de todo el film: la constante tensión erótica, presente en la voluptuosidad de sus personajes y los elementos de la ambientación. Cabe destacar también la brillante actuación de Gary Oldman en el papel de Conde Drácula, Winona Ryder como Mina, y Anthony Hopkins como el Dr. Van Hellsing.


Entrevista con el Vampiro

Louis (Brad Pitt) es un adinerado terrateniente norteamericano del S. XVIII quien, tras la muerte de su esposa y su hija, ha perdido el sentido de su propia vida. Es entonces cuando aparece ante él un vampiro llamado Lestat (Tom Cruise), quien le ofrece una nueva “vida”, eterna, en medio de la oscuridad, alimentándose sólo de sangre. Louis acepta, pero aun convertido en vampiro, nunca pierde por completo su humanidad, lo cual le hace cargar con una terrible culpa debido a las vidas que debe tomar para su propia supervivencia. Basada en el primer tomo de las Crónicas Vampíricas de Anne Rice, un bestseller que sí vale la pena leer. Además, cuenta con la primera aparición cinematográfica de Kirsten Dunst, en el papel de Claudia, la despiadada vampiresa encerrada en cuerpo de niña.


Nosferatu el Vampiro

Un clásico del cine de horror, del cine mudo, y uno de los máximos exponentes del cine expresionista alemán. Nosferatu, de Murnau, es la primera adaptación fílmica de la novela “Drácula”, de Bram Stoker, y sin duda, una de las mejores y más reconocidas. Lamentablemente, al director le fueron negados los derechos por parte de la esposa de Bram Stoker para realizar la adaptación, por lo cual Murnau se vio obligado a cambiar los nombres de los personajes. Aquí, Drácula es el Conde Orlock, de Transilvania, quien aspira a obtener una casa en Londres para hacerse de nuevas víctimas. Ahí caerá tentado por el cuello de la hermosa Lucy, cuya sangre deseará obtener por todos los medios. Este primer Drácula, dista mucho del atractivo personaje que aparece en las posteriores adaptaciones del personaje; por el contrario de guapo y seductor, éste Drácula presenta una apariencia casi monstruosa: calvo, jorobado, con orejas puntiagudas como las de un murciélago, sumamente ojeroso, y con dientes de rata.


Blood: The Last Vampire

Para sazonar un poco esta lista, un exponente animado que no tiene nada que envidiarle al cine de horror de imagen real. “Blood”, nos presenta a Saya, una adolescente que vive en una base militar norteamericana en Yokota-Japón, en tiempos de la Guerra de Vietnam. El lugar está infestado de unas criaturas bebedoras de sangre, llamadas “quirópteros”, a los cuales, Saya se encarga de cazar utilizando una katana embarrada de su propia sangre, la cual resulta nociva para los quirópteros. Saya posee la capacidad para eliminar a los quirópteros debido a que ella es “el último original”. La película presenta una interesante metáfora en la cual los distintos tipos de vampiro, luchando unos contra otros, emulan a los hombres, matándose unos a otros en guerras sin sentido.


Plan 9 al Espacio Exterior

Considerada una de las peores películas de la historia del cine, dirigida además por el peor director de la historia del cine: Ed Wood. Paradójicamente, son estos los motivos que convierten a “Plan 9 en el Espacio Exterior” en una película de culto, que cuenta además, con la actuación de Bela Lügosi (actor del famoso Drácula de los años 30), en su etapa de decadencia, representando, una vez más, al legendario vampiro de Bram Stoker. Este film resulta ser una extravagante mezcla entre cine fantástico de horror y cine de ciencia ficción, pues en ella, un grupo de extraterrestres pretende tomar el control de nuestro planeta poniendo en marcha el “Plan 9”, que consiste en resucitar a los muertos de sus tumbas, entre ellos, al Conde Drácula. Cabe anotar que Bela Lügosi falleció cuando apenas se habían grabado unas cuantas tomas, por lo cual fue necesario recurrir a un doble: el quiropráctico de la esposa de Ed Wood, quien, debido a su poco parecido con el actor origina, debió aparecer todo el tiempo con el rostro tapado por la capa de vampiro. Un bodrio que vale la pena ver para reír un rato con los más extremados disparates en los que puede caer la producción cinematográfica.


Por: Alexiel Vidam

La amistad tiene sus ventajas

“No Strings Attached” (“Amigos con Derechos”), una comedia actual y sumamente divertida

Por: Alexiel Vidam

La verdad es que nunca me había interesado mucho por las comedias gringas. Salvo por Scary Movie y una que otra excepción por ahí, las consideraba como la última opción dentro de la lista de pelas que quería ver. Sin embargo, “Amigos con Derechos” (“No Strings Attached”) atrajo mi curiosidad desde un inicio porque contaba con la participación de una actriz a la que le tengo bastante cariño y admiración: Natalie Portman. Esto, la recomendación de un compañero de trabajo y una crítica interesante en el periódico, me terminaron de animar a echarle un vistazo. Lo cierto, es que superó mis expectativas.

El argumento puede ser algo típico, predecible, simplón, pero las situaciones hacen que uno realmente se arrastre de la risa, y el final lo deja a uno un poquito o muy conmovido (dependiendo de tus ánimos, del ambiente en que la veas, y de qué tan cercanas te sean una o más de las situaciones que presenta, claro está).

Todo comienza en un ambiente muy actual y con una parejita de adolescentes algo desadaptada, algo complicada –como los adolescentes suelen ser-, conformada por Adam (Ashton Kutcher) y Emma (Natalie Portman), quienes se conocen en un campamento de verano. Él se encuentra remecido por el divorcio de sus padres y ambos lucen un poco solitarios. Adam le pregunta a Emma si puede tocarla, y ella responde que no. Años después, vuelven a encontrarse en la fiesta de la fraternidad y ella le pide a él que la acompañe a “una estupidez”, estupidez que acaba siendo, ni más ni menos, que el velorio de su padre. A la hora de despedirse, Adam le propone salir un día, a lo cual ella responde con que él es un buen chico y tendría mucha suerte si no se volviesen a ver. Cierto o no, la “suerte” los vuelve a encontrar.

El padre de Adam es el típico sujeto gracioso e irresponsable a quien te encantaría conocer, pero definitivamente no te gustaría tener de padre. Una tarde cualquiera, Adam va a visitarlo y se da con la ingrata sorpresa de que el señor está saliendo con su ex novia, Vanessa; como es de esperarse, el muchacho se deprime y decide tomar medidas desesperadas para liberar toda su frustración: llamar a todas las chicas que figuran en su lista de contactos del celular y ver cuál de ellas acepta tener sexo con él; es así como, sin recordar cómo, termina en el departamento de Emma, donde despierta “un poco” asustado pues se encuentra totalmente desnudo en un sofá y no sabe si ha tenido relaciones con alguna de las tres mujeres presentes, o, acaso, con ese desatado hombre grande, gordo y homosexual que vive con ellas. Se tranquiliza cuando descubre que simplemente no tuvo sexo aquella noche.

Luego Emma le dice que llegó borracho por la noche e hizo el ridículo bailando desnudo sobre una mesa y después poniéndose a llorar mientras contaba que su papá y su novia estaban liados. El avergonzado Adam y Emma se encuentran conversando del asunto en el cuarto de ella, sin nadie que los observe, y, como quien no quiere la cosa, acaban teniendo sexo. Y, como no hay primera sin segunda, vuelven a tener sexo una, y otra, y otra, y otra vez, y así sucesivamente en la habitación, en el baño, en una camilla (pues Emma es médico), etc, etc, etc. Pero como a la chica no le gustan los problemas, las peleas ni las heridas profundas, le pone una condición al juego: no vale enamorarse; si alguien se enamora, todo se acaba. Adam acepta, un poco porque le gustan esos encuentros, un poco porque en el fondo confía en que se enamorará de él.

Como quien no quiere la cosa, y dado que nuestro protagonista es uno de esos tipos sensibles (romántico el chico, artistón, le gusta escribir, trabaja en la tele como asistente y aspira a convertirse en guionista), la cuestión se va poniendo “algo” muy dulzona, lo cual significa alerta roja para la coprotagonista quien, por el contrario, es bastante calculadora y práctica; es entonces cuando ella decide que no deben volver a acostarse hasta que ambos se encuentren saliendo con otras personas. A Adam, cabizbajo, no le queda otra que aceptar el trato.

¿Pero la cosa es así de sencilla? ¿Acaso no surgen los celos de manera estrepitosa cuando la persona con la que te has estado acostando, y por quien además sientes bastante cariño, empieza a salir de fiesta en fiesta y mete a dos chicas en su departamento? Ojo, no se dejen engañar, esas dos chicas son lesbianas y te están usando de hotel gratuito, pero todo está bien mientras la víctima a la que les has enviado la foto-"prueba" del delito, no lo sepa. ¿Cuál será la reacción de ella? ¿Logrará él que la cosa se solidifique o sólo será un poco más de lo mismo? El momento crucial de la película llega cuando ella, a pesar de todas las señales de enamoramiento que presenta, se niega a reconocerlo y entablar una relación, por lo cual, él decide abrir su camino y comenzar a salir con una guapa aunque algo “safada” compañera de trabajo.

Les recomiendo seguir esta película de principio a fin, no sólo para descubrir cómo acaba (pues, en este tipo de películas, ya sueles tener una idea cuál es el final), sino por las situaciones tan cómicas y tan actuales que presenta: parejas disparejas, parejas oficiales, parejas no oficiales, padres irresponsables que se llevan a tu novia y consumen mucha marihuana, padres gays con hijos muy heterosexuales, ligues, escenitas de celos, etc, etc. Véanla, se van a divertir.

Cuando la mala se lleva el premio

Por: Alexiel Vidam

Existen historias en las que ser bueno no lleva al triunfo, historias en las que, por el contrario, el malo, o, en otros casos, la mala, es la que sale contenta. “Chicago”, de Rob Marshall, presenta este tipo de historia.

La protagonista, Roxie Hart (Renée Zelleger), sueña con convertirse en estrella del escenario, como lo es la famosa bailarina Velma Kelly (Catherine Zeta-Jones). Por ello, hace lo posible por vincularse con gente cercana al mundo del espectáculo, tomando inclusive varios amantes vinculados al negocio del cabaret. Uno de ellos, un vendedor de muebles llamado Fred, le revela que la ha estado engañando sobre sus supuestos vínculos con el dueño de un club para poder acostarse con ella; luego de eso, la maltrata verbal y físicamente, por lo cual ella reacciona radicalmente, tomando la pistola de su esposo Amos y asesinando inmediatamente al amante. Cuando su esposo llega, le dice que el cuerpo era de ladrón que intentó atacarla, y que ella lo mató en defensa propia. Amos, creyendo ciegamente en las palabras de su mujer, asume la responsabilidad del asesinato frente a la policía, pero, cuando es descubierta la identidad del difunto, Amos descubre la infidelidad de su esposa y la verdad sale a la luz. Roxie es arrestada y encarcelada en el pabellón de las asesinas, donde deberá esperar su momento de ir a la horca.

Roxie se encuentra angustiada. Por si fuera poco, es maltratada psicológicamente por la abusiva celadora, a quien llaman “Mamá”, una mujer que disfruta burlándose y angustiando a las presas, pero que a su vez les consigue favores a cambio de dinero. Además, en el mismo pabellón se encuentra con su admirada Velma Kelly, quien se encuentra pagando condena por haber asesinado a su esposo Charlie y a su hermana Verónica por haberlo encontrado haciendo “la pose número 17, el salto del águila”. Roxie espera que Velma le de un consejo tranquilizador, pero, en cambio, recibe el menosprecio de quien, aun en la cárcel, sigue comportándose como diva.

(Velma Kelly -Catherine Zeta-Jones- interpretando "All That Jazz" antes de ser arrestada)

Sintiéndose atrapada, Roxie decide pagarle $100 a Mamá para que ésta se comunique con Billy Fynn, un abogado famoso por liberar a todas las mujeres encarceladas que defiende. Fynn se está encargando de la defensa de Velma Kelly. Al llegar al pabellón de asesinas para visitar a su clienta, Billy reconoce a Roxie como “la bonita” de la cual le ha hablado Mamá, y le dice que accederá a ser su abogado a cambio de $5000. Roxie no cuenta con ese dinero, pero su sumiso y sacrificado esposo decide pagarle al abogado por partes para que la defienda. Conmovido por la devoción-estupidez de Amos, Billy (Richard Gere) pone manos a la obra. Por estrategia del abogado, Roxie deberá convertirse en una estrella mediática, construir una imagen de pobre mujer arrepentida, que era infiel porque estaba deprimida ante la poca atención de su marido, y que, sin querer, asesinó a un amante que la acosaba y la violentaba. Roxie debe ganarse la atención de la prensa y conmover al público para influir en la decisión del jurado.

Durante el desarrollo de su caso, Roxie deberá afrontar una serie de problemas, como la aparición de nuevas “estrellas” del asesinato que le robarán la atención de su abogado, y de los medios, por lo cual deberá recurrir a más mentiras y trampas, como fingir encontrarse embarazada. Otro problema importante será la rivalidad con Velma Kelly, a quien Billy ha dejado prácticamente relegada desde que apareció Roxie. Velma intentará recuperar su espacio en los periódicos presentándose como testigo en contra en el juicio de Roxie.


Irónicamente, y mediante infinidad de sucias estratagemas, aquí las dos asesinas sin arrepentimiento lograrán la libertad y el estrellato.

De música, luces y actores

En “Chicago”, cada momento es acto de gran show musical. Así es como los percibe Roxie Hart, la protagonista. Cuando sueña con ser cantante y bailarina de cabaret, cuando es interrogada por la policía sobre el asesinato de su amante, cuando es encarcelada, cuando conoce a su abogado, cuando se encuentra en el juicio.

(La mirada de Roxie Hart, todo ocurre como en un show musical.)

Percibimos, por unos instantes, una imagen realista de lo que está ocurriendo, tal cual lo vería cualquier persona de afuera, y luego pasamos a observarlo todo a través de los ojos de Roxie, con un abogado que se enfrenta al fiscal bailando tap, marcando su presencia imponente con cada pisotón; con una rival (Velma Kelly) desesperada por atraer su atención a la hora en que la ve convertida en una gran estrella, y se presenta ante ella en medio de un baile en el cual le dice que, a la falta de su hermana, necesita de una nueva pareja para realizar sus números, por lo cual le gustaría contar con ella; presenciamos a la propia Roxie siendo utilizada por su abogado como un muñeco de ventrílocuo, frente a una multitud de periodistas, expresando posición y forma de sentir ante la manipulación de su abogado. La escena más memorable del film, es, sin duda, la del famoso “Tango del Pabellón” (“Cell Block Tango”), en la cual las reas de pabellón de las asesinas cuentan los motivos pasionales que las llevaron a cometer el crimen.

(Las asesinas pasionales de Chicago, nos presentan "El Tango del Pabellón".)

La iluminación durante casi toda la película es en clave baja, contrastando, sin embargo, con la potencia de los reflectores. Son escenarios oscuros en los que irrumpe de manera violenta una luz apabullante; es una luz molesta, abrumadora, la luz que hace brillar a los del submundo; es una luz sórdida, que nos recuerda todo el tiempo que, en Chicago, no importa qué tan embarrado estés, siempre y cuando tengas fama, dinero, y relaciones de poder. Las secuencias en clave alta, por otro lado, refuerzan esta idea: los personajes se presentan en escenarios con colores vivos y muy diversos, muy característicos de una secuencia satírica, en la cual los caracteres son algo así como payasos de circo. Esto resalta sobre todo en el papel del abogado, quien exagera mucho sus expresiones, hasta el punto en que su discurso se convierte en un monólogo tragicómico (¡Ah, Roxie Hart! ¡Esta pobre chica que venía de una familia “bien”, que se educó en un convento, que era infeliz con su marido que no le prestaba atención y por eso se buscó un amante! ¡Esta pobre muchacha que asesinó casualmente al ex novio que la acosaba! ¡Los dos corrieron hacia el arma!).

(El corrupto y maquiavélico Billy Flynn)

Cabe resaltar la actuación de Richard Gere como el corrupto abogado Billy, egocéntrico, ególatra, orgulloso del poder de manipulación que ejerce, tanto sobre sus protegidas como sobre las autoridades, hambriento de fama y de dinero; él quiere llenarse los bolsillos ganando además la atención de la prensa, robando cámara junto a las pecaminosas protegidas. Catherine Zeta-Jones, por su parte, postuló al Oscar de la mejor actriz de reparto interpretando a Velma Kelly. Ella representa a la diva en decadencia, a la reina que siente cómo su poder y sus influencias se van viniendo abajo, y que desesperada, debe bajar la cabeza ante la nueva diva para no quedar completamente derrumbada. Finalmente, aunque opacada por la de sus compañeros, Renée Zelleger resulta bastante precisa para el papel protagónico, con su imagen delicada y frágil, y ese rostro de “yo no fui”, indicado para esconder un terrible crimen.

(En "Chicago", ser mala vende bien.)

Los Trucos de Almodóvar

Evolución del un autor a través del lente


Por: Alexiel Vidam

Las historias de Almodóvar son un poco como la vida misma: llenas de drama, ironía, comedia. Son una manifestación de la tragicomedia existencial del ser humano; sin embargo, están retratadas con una estética kitsch, estrambótica, donde reinan la sátira, el morbo, donde los personajes marginados y extravagantes son los dueños del show.

Cuando Pedro Almodóvar llegó a Madrid desde su tierra natal (Calzada de Calatrava – Ciudad Real), tenía sólo 17 años. Corrían los años 70 y el joven Almodóvar soñaba con hacer cine. Desde su llegada, hizo lo posible por mantenerse dentro de ambiente cultural, formando parte de un grupo de teatro llamado “Los Goliardos” y colaborando en diversas revistas underground como redactor. Al mismo tiempo, se ganaba la vida trabajando en la Compañía Telefónica Nacional.

Entre 1974 y 1979, Pedro Almodóvar se encontraba rodando sus primeros cortos y

mediometrajes. En un principio no conocía mucho acerca de lenguaje cinematrográfico; su maestría fue resultado de la práctica constante, de la evolución entre film y film.

Para su primer largometraje, no contó con el apoyo de ninguna compañía dedicada alcine. Tuvo que financiarlo, parte él mismo, parte con ayuda de dos de sus principales actores dentro de la película: Carmen Maura y Félix Rotaeta. El film se estrenó en 1980 y se tituló “Pepi, Lucy, Bom y otras chicas del Montón”. Desde aquí ya podemos apreciar el gusto particular del director por los personajes atípicos, marginados: travestis, amas de casa con ocultas tendencias sadomasoquistas, escandalosos homosexuales, y personajes de underground musical, representantes de un movimiento contracultural de la España de aquel entonces, “La Movida”. En medio de este ambiente, se presenta la historia de una singular amistad entre una joven publicista violada por un policía, la esposa sadomasoquista de éste policía, y una cantante punk de dieciséis años atraída por las mujeres cuarentonas. La película sufrió de una excesiva carencia de medios, carencia que es, para muchos, la mayor virtud del cine. Para la crítica, el film resultó un verdadero bodrio, pero entre el público, un total éxito.

Gracias a la buena acogida que tuvo su primer largometraje entre las masas, para su segunda película

–“Laberinto de Pasiones”, Almodóvar ya contó con el respaldo de la cadena de cines “Alphaville” para la producción. Sin embargo, es en su tercera película, llamada “Entre Tinieblas”, que comienzan a apreciarse algunos de los planos tan característicos del cine de éste director. Comienza a hacerse notar, especialmente la utilización de planos picados, que en el argumento de la cinta estaban perfectamente justificados. La historia se desarrolla en el convento de las “Redentoras Humilladas” y critica el fervor religioso en la España de los años 80. En ella, los ángulos picados hacen alusión a la mirada de un dios omnipotente que todo lo ve y todo lo vigila.

Otro recurso característico del cine almodovariano, es la utilización de “planos imposibles”. Estos aparecen por primera vez en su primer éxito de crítica y público: “¿Qué he hecho yo para merecer esto?”. En él, Carmen Maura representa a una sufrida ama de casa y sus peripecias por mantener a su disfuncional familia. El ama de casa es observada desde el lente de ese pequeño mundo que parece tenerla atrapada: el de los electrodomésticos. La cámara se introduce en cada uno de ellos y la sigue. Este recurso trascendió en el cine de Almodóvar; evolucionó y se marcó como una firma. En su siguiente film, “Matador”, los planos imposibles se forman a partir de reflejos en cristales y espejos, están mucho más llenos de intensidad, como quien trata de indagar en el mundo interior de sus oscuros y apasionados personajes. Más adelante, en “La Ley del Deseo”, el director se lanzó a probar otro tipo de trucos, como la imitación de las lágrimas por medio de agua salpicada en el lente, o haciendo coincidir los ojos del protagonista con las ruedas de un automóvil.

Clímax y tropiezos de Almodóvar

Apreciamos la aparición de un Almodóvar maduro por primera vez en la película que le valió su primera nominación al Óscar: “Mujeres al Borde de un Ataque de Nervios”. Es su película más equilibrada y taquillera hasta el momento. En ella utiliza de forma más compleja los ya mencionados planos picados y planos imposibles, en equilibrado contraste con travellings de seguimiento, y contraposición de planos para representar la rivalidad entre dos mujeres que no consiguen entenderse. Éste es, además, el primer rodaje producido por “El Deseo S.A.”, empresa productora del propio director.

De las producciones que siguieron en la carrera de Almodóvar, su mayor tropiezo está representado por el film titulado “Kika”, un largometraje con una trama interesante y entretenida, pero con un exceso de situaciones vulgares sin justificación alguna, punto débil, que, sin duda, fue el más atacado por la crítica, la cual la catalogó como la película más mediocre del autor.

No obstante, su levante no se hizo esperar. Llegó con su siguiente rodaje: “La Flor de mi Secreto”, un drama intensificado por la utilización de largos travellings y planos imposibles. Cabe destacar la creatividad del autor al mostrar la máquina de escribir de la protagonista desde todos los ángulos posibles, incluyendo una toma desde el interior del objeto, mostrando al personaje desde los espacios entre las teclas. Otra escena interesante sin duda es la que muestra a Marissa Paredez (quien ocupa el papel protagónico) dándose el beso de bienvenida con su esposo. La escena es mostrada desde varios pequeños espejos de forma cuadrada en la pared de enfrente, de modo que la imagen fragmentada entre los espejos da entender que se trata de una relación resquebrajada.

El esperado Oscar

Almodóvar consiguió su primer Óscar, en el año 200, con la película que es considerada por casi todos, su mejor film hasta el momento: “Todo sobre mi Madre”. Una historia que trata sobre la vida de Manuela (Cecilia Roth), una madre dedicada por entero a su hijo Esteban, quien desconoce la identidad de su padre (un transexual que se hace llamar “Lola”). El muchacho ha escrito un guión llamado “Todo sobre mi Madre”, el cual es representado en el teatro. Al terminar la obra, Esteban corre persiguiendo en automóvil de Huma (Marissa Parédez), la actriz principal, para que le firme un autógrafo. En medio de la lluvia, Esteban es atropellado y pierde la vida.

Para este film, Almodóvar deja Madrid por primera vez para rodar en Barcelona. Es una espléndida tragicomedia de personajes cargados de patetismo, pero con su propia y refrescante manera de afrontar la vida. Sus intensos diálogos están plagados de una tremenda carga trágica. Además del Oscar, esta película le valió el Globo de Oro y el premio BAFTA.

Aparte de estos galardones, ha recibido el Óscar a mejor guión original y mejor director por la película “Hable con Ella” (2002), además de sus constantes y destacadas menciones en los premios César, Goya, BAFTA, Cordón de Plata y Globo de Oro por otros de sus films como “Tacones Lejanos”, “La Mala Educación”, “Volver” y “Los Abrazos Rotos”.

Lo nuevo

Este año, el director manchego nos sorprenderá con su última producción, llamada “La Piel que Habito” (también conocida como “La Ley Sinde”), a la cual, el propio autor ha descrito como un “intenso drama que a veces se inclina por el noir, a veces por la ciencia ficción, y otras por el terror”. Tomemos en cuenta que las películas de firma Almodóvar pertenecen a un “género” muy personal y particular, creando un universo único que combina tal gama de situaciones y sensaciones que se hace sumamente difíciles clasificarlas dentro de las nomenclaturas clásicas. Sobre este proyecto, Almodóvar dice: “Me ha atrapado (…), (es) un material muy nuevo a todo lo anterior porque me ha pillado en pleno cambio. Me veo como una persona de mediana edad que, como no quiso celebrar los cuarenta, cuando lleguó a los cincuenta tuve que pasar la crisis de las dos décadas”.

La película se estrenó en los cines españoles el 2 de Septiembre de este año. En los cines peruanos, también esperaremos ansiosos su llegada.